Christoblog

Le pitch de cette série flamande semblait plutôt sympa : une jeune adolescente assassinée se réveille morte et assiste en tant que fantôme à l'enquête concernant son propre meurtre. Elle est invisible pour la plupart de l'humanité, sauf pour quelques proches.

Sur cette base osée, Beau Séjour déroule une intrigue classique, mélange d'ambiance glauque (tendance The killing) et d'enquête balisée (tendance... un peu toutes les séries dont l'élément fondateur est un meurtre).

Le résultat n'est pas déplaisant, mais n'est pas non plus très excitant. Le postulat de base (un mort parmi les vivants) n'est curieusement pas ou peu exploité, et c'est la grande déception que génère la série. La présence du fantôme de la jeune héroïne Kato n'est pas utilisé de façon dramaturgique, sauf dans une belle scène dans laquelle son père (qui est censé la voir) fait croire à sa mère (qui ne la voit pas) qu'elle est présente.

La série se résume finalement à une enquête classique (le meurtrier est comme d'habitude un des proches les plus insoupçonnables), et à une ambiance nordiste qui est sa principale qualité : Beau séjour est en effet une collection de vignettes plus grises les unes que les autres. Paysages ruraux improbables, bars miteux, club de motocross (!?) et supermarché lambda.

NI génial, ni spécialement novateur, mais relativement efficace.

A la fois brillant et vain, le dernier film de Jerzy Skolimowski ne laissera pas indifférent.

L'idée est intellectuellement plaisante, mais comprend en elle-même ses propres limites : il s'agit de suivre les trajectoires de plusieurs personnages pendant 11 minutes de leur vie, 11 minutes qui conduisent on s'en doutera vite à un drame, dont la plupart ne sortiront pas indemnes.

Le principal intérêt du film - et à la réflexion, le seul - réside dans l'incroyable virtuosité dont fait preuve Skolimowski. Les mouvements de caméra sont amples et souples, la lumière magnifiquement travaillée, la bande-son profondément originale et le film regorge d'idées brillantes, bien que tout à fait inutiles au regard de la narration (comme par exemple une caméra subjective qui reflète le point de vue d'un chien).

Le film est parsemé d'éléments plus ou moins fantastiques qui nous embrouillent complètement (des oiseaux traversent les vitres, certains voient une tâche dans le ciel, un homme parle bizarrement dans une télévision qui s'allume toute seule) et qui n'apportent pas grand-chose au film, ce dernier baignant déjà sans ces éléments dans une atmosphère bien étrange. En effet, les personnages ne sont pas des quidams, ils font tous plus ou moins des trucs border line : traffic de drogue, porno, vol, prison, pédérastie, etc.

J'ai finalement plutôt aimé me laisser prendre par la main dans ce monde bizarre et envoutant, me demandant où le cinéaste allait m'emmener, et constatant finalement qu'il ne le savait pas probablement lui-même. Curieusement, le fait de couper en tranches les existences de ses personnages fait apparaître ce film très court (1h21) beaucoup plus long qu'il n'est.

A conseiller aux aventuriers de l'écran ou/et à ceux qui suivent le réalisateur polonais depuis le début de sa carrière.

Jerzy Skolimowski sur Christoblog  : Deep end - 1970 (****) / Essential killing - 2010 (**)

Pas facile d'entrer dans ce film, qui semble de prime abord se situer quelque part entre Lady Chatterley (sans la poésie sensuelle) et Madame Bovary (sans la profondeur psychologique).

Pour tout dire, The young lady est écrit avec des moufles et filmé avec une truelle. Les effets y sont tristement surlignés (les cadres symétriques, le montage cut) et les sentiments évacués au profit d'une sorte de litanie humiliante, qui fait ressembler le film à une mécanique largement manipulatrice. A force d'acculer le spectateur dans ces retranchements (c'est une des premières fois de ma vie que je souhaitais des ellipses tout en regardant le film) The young lady finit tout de même par intriguer lors des trois dernières minutes. Dommage qu'il y en ait eu quatre-vingt six avant.

L'actrice principale joue comme un pied, la photographie est un gloubi-boulga qui mixe le pire de l'effet Vermeer et du "regarde comme je filme bien la lande brumeuse". Après, vous avez le droit d'y aller quand même : il y a au moins un truc sympa dans le film, c'est que les acteurs/trices sont sympas à regarder quand ils sont à poil.

A l'occasion de la sortie en DVD du film L'olivier, je vous propose de gagner 3 DVD.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "Pouvez vous citer un film réalisé par Iciar Bollain dans lequel joue Gael Garcia Bernal ?"

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 24 avril 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite le DVD envoyé directement par le distributeur.

Dans ce film, Jean-Stéphane Bron adopte les codes du cinéma documentaire de Wiseman (tournage dédié à un milieu donné - ici, l'Opéra de Paris, un regard a priori neutre, du temps donné au temps), et pourtant le résultat est loin de valoir celui du maître américain.

En laissant l'ennui me gagner progressivement, je me suis demandé devant le film ce qui m'empêchait de partager l'enthousiasme critique qui l'entoure. Voici donc quelques éléments de réponse.

D'abord L'opéra ouvre des pistes qu'il n'approfondit pas : le portrait du jeune chanteur russe aurait par exemple constitué un fil rouge intéressant, mais il disparaît brutalement pour ne réapparaître que dans un final un peu trop dramatisé. A l'inverse, Bron montre des scènes ou des personnages qui ne se raccordent pas au reste du film, ni dans la forme, ni dans l'approche. Par exemple les accessoiristes ne sont pas montrées sur le même plan que le Directeur. C'est d'ailleurs là le principal défaut du film, qui le distingue du travail de Wiseman : chez ce dernier, tout personnage est intéressant, quelque soit son statut social.

Bien sûr, le sujet est intrinsèquement stimulant : le film ménage donc forcément de beaux moments. Mais d'une certaine façon je ne peux m'empêcher de penser que c'est en dépit du travail du réalisateur.

A l'occasion de la sortie en DVD du film Soy Nero, je vous propose de gagner 3 DVD.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "Comment s'appelle le frère de Nero ?"

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 10 avril 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite le DVD envoyé directement par le distributeur.

De la même façon qu'on peut éprouver un plaisir coupable à retrouver chaque soir dans une série des héros médiocres, la vision de T2 Trainspotting ravive en nous le vif plaisir éprouvé lors de la vision du premier opus.

Il faut reconnaître à l'écrivain Irvine Welsh et à Danny Boyle le mérite d'avoir évité l'écueil principal de ce type de retrouvailles : 20 ans après, nos Pieds Nickelés écossais ne sont pas devenus hipsters ou bobos. Ils sont toujours en train de zoner entre drogues, prison et plans foireux, même si le physique a un peu changé (mais pas tant que ça finalement) et la nature des stupéfiants aussi.

Le vrai sujet du film est probablement le temps qui passe : répétition des mêmes motifs adaptés à l'époque (le monologue Choose life critique aujourd'hui les réseaux sociaux plutôt que la société de consommation), flashs nostalgiques vers l'enfance, reprises de scène du premier film. Cette façon de ressasser le passé est passé au tamis des quatre personnalités très différentes des protagonistes, et le résultat est pleinement convaincant, sans jamais sombrer dans le pathos.

Le scénario n'est pas d'une originalité folle, mais la chute fait son petit effet. La mise en scène de Danny Boyle attisera comme d'habitude les critiques de ses contempteurs : effets visuels clipesques à gogo et rythme épileptique. Pour ma part, je trouve qu'aucun autre sujet ne collera aussi bien à ce style sous amphétamine.

Un plaisir simple.

Du même réalisateur, sur Christoblog : Trainspotting - 1996 (***) / Slumdog millionnaire - 2008 (***) / 127 heures - 2010 (*) 

Voilà un film que j'aurais aimé adorer. Le mélange d'onirisme et de documentaire brut, la performance des acteurs, le talent du réalisateur : tout aurait dû me conduire à l'enthousiasme.

Malheureusement, après un début tonitruant qui aligne de très jolies scènes, le film s'embourbe lentement dans une sorte de pose auteuriste.

Le mutisme obstiné du personnage principal, joué par la marmoréenne Véronique Beya Mputu, devient de plus en plus pesant. Les inserts bizarroïdes (la forêt nocturne façon Weerasethakul en super 8, la chorale, l'animal) apportent plus d'interrogations que d'émerveillement, et les tics de réalisation (très gros plans, ralentis) apparaissent comme des coquetteries.

C'est dommage, parce que Gomis parvient par moment à nous faire ressentir un sentiment d'étrangeté confondant (la visite chez le riche, les scènes de concert) : dans ces instants, je me suis pris à rêver du film parfait que le réalisateur franco-sénégalais pourrait un jour nous proposer. 

Alain Gomis sur Christoblog : Aujourd'hui - 2011 (***)

Dans la très belle série de DVD consacrée par Wild Side aux années Toho d'Akira Kurosawa, j'ai découvert récemment un film relativement peu connu du maître japonais : La forteresse cachée.

Peu connu de moi, devrais-je dire, car le film a été un grand succès au Japon, en 1958. Kurosawa reste alors sur trois échecs relatifs (Vivre dans la peur, Le château de l'araignée et Les bas-fonds, trois films très noirs), et souhaite renouer avec une audience plus large.

Il réalise donc ce curieux film d'aventure à grand spectacle dont Georges Lucas dira plusieurs fois qu'il l'a inspiré pour inventer la sage Star wars. Je ne sais pas d'ailleurs exactement pour quelle raison, les points communs ne me semblent pas légion, si ce n'est peut-être dans la similitude entre le couple picaresque de bandits Tahei / Matashichi et le duo de robots R2D2 / C3PO.

La forteresse cachée est un film d'aventure qui parvient à réveiller en nous le sens du merveilleux. En adoptant le point de vue de nos deux compères un peu limités, dont j'ai parlé plus haut, Kurosawa nous montre un monde impitoyable et en grande partie incompréhensible. Nous sommes d'abord ballotés dans une guerre à laquelle nous ne comprenons rien, illustrée par des scènes de groupe grouillantes, très impressionnantes par leur naturalisme. Kurosawa, qui filme en décors naturels tout le film, n'a pas son pareil pour nous proposer des scènes à la fois très réalistes et d'une beauté irréelle, comme celle du brouillard, ou la grande scène de l'escalier. 

Dans un deuxième temps, nous découvrons un mystérieux homme qui a la prestance d'un dieu (incroyable Toshiro Mifune) et vit dans un endroit irréel, en compagnie d'une jeune femme dont on pense initialement qu'elle est sa prisonnière, avant de se révéler être sa princesse.

La première partie du film dégage un charme fou. La précision incroyable du scénario, du montage et de la mise en scène nous conduisant à ressentir ce sentiment étrange de retomber en enfance, et de découvrir la vérité progressivement, comme notre duo de pauvre hères cupides et idiots.

La deuxième partie du film, qui relate les aventures de notre quatuor (bientôt rejoint par une jeune femme sauvée de la prostitution par la princesse), en route vers une province supposée amie, a pour principal intérêt de bâtir des situations comiques sur les interactions entre les personnages, aux caractères bien différents. Kurosawa nous offre de beaux combats à la lance ou au sabre, dont on peut vaguement penser que les sabres laser de Star wars seront les lointains héritiers. Kurosawa parvient à donner à ces péripéties un cachet de réalisme qui est assez nouveau dans le cinéma japonais de l'époque.

Dans la Forteresse cachée, ce qui impressionne, c'est la façon dont le maître met son génie de la mise en scène au service d'un genre réputé mineur : le talent suinte de tous les plans, mais jamais au détriment de ce qui nous est conté.

Le film a obtenu l'Ours d'Argent du meilleur réalisateur au Festival de Berlin 1958.

Quel premier film !

On ne peut qu'être admiratif devant l'assurance de la réalisatrice Julia Ducourneau, qui cumule ici beaucoup de paris osés : un film de genre (si on admet qu'il existe un genre "cannibale"), des actrices peu connues, un scénario qui met franchement mal à l'aise, des scènes très impressionnantes.

Le résultat n'est certes pas confortable à regarder, mais assez captivant. On suit d'abord la jeune Justine lors de son intégration dans une école vétérinaire. Les pratiques humiliantes du bizutage sont montrées avec une grande efficacité, et c'est sûrement l'un des points forts du film. Justine retrouve sa soeur dans l'école, qui l'initie à certaines pratiques un peu bizarres (comme pisser debout), jusqu'au climax que représente la fameuse scène de l'épilation intime : je ne peux rien en dire, mais c'est un délice.

Dans sa première partie, le film est brillant. On ne voit pas trop vers où l'histoire va se diriger, et l'ambiance qui se construit autour de Justine est malsaine à souhait. Après la fameuse scène de l'épilation, le film se résume un peu plus à l'allégorie qu'il s'avère être : son sujet, c'est la transition d'un état à un autre, à travers une initiation (bizutage, apprentissage de la sexualité, découverte de ses appétits, exploration de son corps). La fin du film est plus convenue, plus prévisible - même si une ultime scène nous révulsera en beauté.

Agréablement dérangeant, malsain au possible, très bien dirigé et réalisé, Grave mérite le détour.

Certains n'iront peut-être pas voir ce film à la simple lecture de son pitch : un jeune du 93 qui déboule au pays des traumas crâniens, des paraplégiques et autres tétraplégiques. Il peut y avoir en effet suspicion de bons sentiments à la pelle et de tire-larmes en fauteuil.

Mais ceux qui pensent ainsi ont tort. 

Patients est d'abord, et avant tout, un bon moment de cinéma. La réalisation de Grand Corps Malade et Mehdi Idir est soignée (et même originale par moment), les acteurs sont impressionnants et le scénario est rudement malin (même s'il tire un peu trop sur la corde sensible à la fin).

On est entraîné sans aucun problème dans cette belle histoire qui navigue entre francs éclats de rire et petite larme essuyée discrètement. Le film est comme une montagne russe émotionnelle qui ne nous laisse jamais de répit, épicée par un art consommé de la punchline.

Grand Corps Malade insuffle à son histoire la justesse de ton qui fait la saveur de ses textes. Il trouve dans le jeune acteur Pablo Pauly une sorte de double juvénile, dont la performance est formidable. Bref, allez-y sans crainte et sans préjugés.

Voilà un film qui fait un bien fou.

On parle souvent des migrants, mais on ne les montrent quasiment jamais comme le fait ici Aki Kaurismaki : pour ce qu'ils sont, des hommes comme les autres, avec leur dignité, leurs valeurs et leurs espoirs. 

A ce titre, la scène durant laquelle Khaled raconte son périple de Syrie en Finlande est un moment de cinéma superbe, un des plus émouvant de ce début d'année. Que cet aspect presque documentaire rencontre le cinéma tellement typé de Kaurismaki est un petit miracle. Le résultat est empreint d'une poésie douce et parfois peu engageante, qui séduit tout au long film - en même temps qu'elle tient un peu l'empathie à distance.

L'autre côté de l'espoir est une leçon de mise en scène : éclairages magnifiques, méticulosité du cadrage et du montage, extrême précision de la direction d'acteur. L'esprit finlandais du réalisateur (pour simplifier une sorte de bizarrerie apparemment guindée, mais qui ne se prend pas au sérieux) insuffle dans ce conte moral une fantaisie très agréable.

Ceux qui ont déjà vu un des films précédents du duo Abel / Gordon ne seront pas dépaysés.

La recette est en effet toujours un peu la même : univers décalé, gags visuels poétiques et burlesques, incroyable prouesse physique de Fiona Gordon. La machine tourne rond, mais c'est toujours la même musique : pas désagréable, mais déjà connue.

Les autres découvriront probablement avec surprise et délice ce curieux croisement de Buster Keaton et Solveig Anspach, qui manie avec une méticulosité rare l'art du contre-pied, et qui marie comme nul autre la réalité la plus plate à l'élucubration la plus bizarre.

Le film est rehaussé par l'apparition subtile d'Emmanuelle Riva et de Pierre Richard, par l'utilisation très habile des décors parisiens (moins convaincants toutefois que ceux du Havre dans La fée).

On peut regretter que Paris pieds nus ne creuse pas plus la veine de noirceur loufoque qu'on voit apparaître lors de la belle scène de l'oraison funèbre, parfaitement politiquement incorrecte.

Je résume : pas désagréable, mais pas strictement nécessaire si vous êtes déjà connaisseur.

Le duo Abel / Gordon sur Christoblog : La fée - 2011 (**)

Grand film classique (et très sage), The lost city of Z séduit avant tout par sa modestie.

On imagine le barouf qu'auraient immanquablement produit bon nombre de cinéastes avec un tel sujet : descente super spectaculaire de rapides, vision fugace de cités toute d'or recouvertes, indiens particulièrement combatifs.

James Gray a le grand mérite de présenter une vision douce de cette histoire rocambolesque : les rapides sont tout riquiqui, les traces de civilisation réduites à de simples tessons de poterie, et les indiens sont plutôt bienveillants.

Cette façon très délicate de conter une histoire est servie par une photographie sublime de Darius Khondji (pour une fois pas trop jaune), un casting épatant (idée géniale de prendre un visage assez peu connu pour tenir le rôle principal) et un scénario tout en circonvolutions, alternant raccourcis osés et étirements de scène signifiants.

Le résultat est un film dans lequel on pourra peut-être avoir un peu de mal à s'impliquer, mais qui dégage un charme indéfinissable, comme s'il se situait en dehors de toute époque. La mise en scène de James Gray est d'une intelligence et d'une sensibilité rare, à l'image du dernier plan, d'une immense beauté.

Avant de découvrir la suite sur grand écran, je me suis payé le DVD de Trainspotting, qui ressort à cette occasion.

J'avais du film deux images qui s'avèrent aussi fausses l'une que l'autre : je pensais que Danny Boyle frimait à mort, et provoquait par plaisir.

En réalité, le film est plutôt la chronique sensible d'un groupe de jeunes à la dérive. S'il montre les ravages de l'héroïne, il le fait finalement sans emphase particulière. C'est probablement le style déjà très personnel de Danny Boyle (speed et tape à l'oeil) appliqué à un sujet plutôt sérieux (la drogue et le SIDA...) qui a dû choquer les spectateurs des années 90.  

Aujourd'hui le film a plutôt bien vieilli. J'ai apprécié sa vivacité et sa brièveté, l'évolution psychologique des personnages, l'âpreté un peu sèche du propos. Le casting est renversant : Ewan McGregor méconnaissable, Ewen Bremner attendrissant, Johnny Lee Miller flippant.

Portrait sensible d'un petit gars écossais qui est prêt à tout pour s'en sortir (ce sujet est le coeur vibrant du film, mais il faut toute sa durée pour s'en rendre compte), Trainspotting est aussi le manifesto d'un réalisateur qui émergeait alors sur la scène internationale avec sa façon de filmer unique, mélange parfois indigeste de réalisme sordide et de visions complètement barrées.

Danny Boyle, c'était à l'époque du Jean-Pierre Jeunet sous acide.

Du même réalisateur, sur Christoblog : Slumdog millionnaire - 2008 (***) / 127 heures - 2010 (*) 

C'est toujours difficile de voir un auteur qu'on respecte se planter. Je suis donc triste de dire que le dernier opus de Kiyoshi Kurosawa est vraiment très mauvais. 

Le réalisateur japonais rejoint la longue liste des réalisateurs étrangers dont le talent semble s'affadir irrésistiblement quand ils viennent tourner dans des productions françaises, avec des acteurs français (Kieslowski, Kiarostami, Hou Hsiao Hsien, Farhadi, etc).

Certes, la mise  en scène de Kurosawa reste d'une fluidité et d'une élégance souveraine. On le constate dès les premiers plans, d'une grande beauté. Mais malheureusement, le film se gâte progressivement, par l'effet conjugué de ses deux défauts principaux : des erreurs de casting majeures et un scénario approximatif.

En terme de casting, je vais être clair. Tahar Rahim est nul, confiné une fois de plus dans ce rôle de petite frappe limitée et un peu sotte, dont il ne sait (peut ?) pas sortir. Olivier Gourmet est moins bon que d'habitude. Il semble très mal dirigé, à l'image de cette scène où il joue un état d'ivresse avec beaucoup d'approximations. Constance Rousseau est transparente à force d'être diaphane.

Le scénario, quant à lui, semble écrit à la truelle. Rien ne tient, tout est critiquable. L'évolution psychologique des personnages est hautement improbable et les histoires de fantômes ne répondent à aucune logique (vu la fin du film, il faudra qu'on m'explique la scène du début durant laquelle Marie rencontre un recruteur au Jardin Botanique).

Ajoutez à tout cela des effets indignes de Kurosawa (portes qui grincent, parquets qui craquent, chuchotement des morts qui flottent dans l'espace) et vous aurez bel et bien le pire opus du maître japonais.

Kiyoshi Kurosawa sur Christoblog : Kairo - 2001 (**) / Shokuzai - 2012 (****) / Real - 2012 (**) / Vers l'autre rive - 2015 (**)

Avec Paula, le réalisateur allemand Christian Schwochow réussit un petit exploit : signer un film hyper-académique sur un personnage qui a fait souffler un vent de modernité effrontée sur son époque.

Le film est photographié comme une publicité pour des yaourts bio (paysages enneigés, feuilles mortes et Paris de carton-pâte) et la mise en scène est d'une platitude abyssale, si je puis dire. 

Le film ne tire donc son intérêt que du charmant portrait qu'il dessine de la fabuleuse artiste peintre Paula Modersohn-Becker, décidément très à la mode en ce moment (cf le livre de Marie Darrieussecq, Etre ici est une splendeur, et l'exposition au Musée d'Art Moderne en 2016). La pétillante actrice Carla Juri prête ses traits avantageux à la jeune Paula.

Le film a une autre qualité : il montre, fait assez rare, la véritable peinture de Paula se faire à l'écran, et d'une façon assez réaliste et convaincante. Le talent, la vocation, cet irrésistible élan qui pousse à peindre et à peindre encore est assez subtilement montré.

Entre ses qualités attachantes et quelques défauts (les décors sonnent parfois faux, certains personnages secondaires sont ridiculement traités), je ne sais pas trop si je dois vous conseiller Paula. Pour ma part, c'est l'intérêt pour les personnages qui a attisé mon plaisir : le film propose notamment un portrait édifiant de Rilke.

A vous de voir.  

Il est parfois de délicieux de revoir un film qui nous a marqué étant enfant ou adolescent. La vision la semaine dernière sur Arte du premier film américain d'Alfred Hitchcock m'a procuré un grand plaisir.

Non pas que le film soit un chef d'oeuvre : certaines de ces caractéristiques (le jeu très typé des seconds rôle, comme la servante par exemple) sont un peu datées, et le film est au global trop démonstratif pour être vraiment génial.

Le plaisir que procure Rebecca est d'un ordre qui dépasse l'esthétique.

Il nous rappelle :

1 - Que la puissance d'un bon scénario peut être à proprement jouissive, quand elle se double d'une véritable évolution des personnages au fil du film. On ne sait plus aujourd'hui faire un film dans lequel un personnage féminin évolue de façon crédible du statut de charmante gourde à celui de solide complice amoureuse. Les transformations physiques de Joan Fontaine et de Laurence Olivier sont stupéfiantes.

2 - Le génie d'un réalisateur transcende les limites techniques de son époque. Le film est éclairé avec magie, et propose des mouvements de caméra incroyablement inspiré. Le montage semble calculé pour ne pas laisser une seule séquence inutile.

L'expérience me donne furieusement envie de revoir Notorious, La mort aux trousses et beaucoup d'autres. A suivre...

Alors oui, c'est long. Mais croyez-moi, les 2h42 passent plutôt bien : disons que le film donne l'impression de durer 2h bien tassées. D'ailleurs, la salle 4 du Majestic de Lille, bourrée à craquer, n'a pas moufté pendant toute la séance.

Si le film est agréable à regarder, c'est d'abord parce que son sujet est instructif. Il s'agit de suivre deux missionnaires jésuites et portugais en mission d'évangélisation au Japon. Scorsese réussit à nous intéresser en nous montrant comment les néo-convertis japonais sont prêts à mourir pour leur foi (c'est quand même curieux quand on y pense, même les jésuites semblent surpris). Dans un deuxième temps, les deux héros sont séparés, et on s'intéresse plutôt à l'un des deux, joué par le transparent mais agréable Andrew Garfield. Le sujet devient alors plutôt la façon dont les redoutables japonais tentent habilement de faire renier son Dieu au jeune (mais naïf) religieux.

Le film ne donne alors pas seulement à voir des dilemmes moraux classiques, mais explore véritablement toutes les facettes du problème, avec notamment une prestation très subtile de Liam Neeson, en ancien jésuite intégré à la société japonaise.

C'est souvent intellectuellement très stimulant, et aussi parfois très beau. La mise en scène de Scorsese, classique et géométrique, trouve ici un champ qui lui convient parfaitement : il y a dans la civilisation japonaise ce sens de la symétrie et de la pureté qui est aussi celui de Scorsese. De rares fois, ce dernier est tellement formaliste que le film devient un peu ampoulé, mais ce n'est pas très grave

Malgré un tout dernier plan qui nuit à l'âpreté jouissive du film, Silence est une expérience qui vaut le déplacement.

En entrant dans la salle pour voir ce film, je ne m'attendais à rien. Je n'en avais pas entendu parler, et je ne connaissais pas les réalisateurs.

Les premières scènes montrent caméra à l'épaule un Pigalle sans fard. On ne comprend pas vraiment ce vers quoi va nous mener le film, et ce sentiment est plutôt ... agréable.

Reda Kateb campe un personnage attachant (même si on a vite envie de lui mettre deux baffes) : il trouve ici à mon avis son meilleur rôle. Le reste du casting est formidable.

Plus le film avance, plus il nous captive. Outre le tableau assez sidérant d'un quartier parisien qui semble filmé comme jamais auparavant (sauf peut-être dans le film Neige de Jean Henri Roger et Juliet Berto), les réalisateurs élaborent un drame fraternel qui n'est pas sans rappeler la dureté de Scorsese.

Au final, le film est très bon : il est à la fois doux et sec, puissant et concis.