Christoblog

Quel plaisir !

Un film de femme, avec des filles, et qui plaira à tous. Enfin un film drôle, triste et puissant, qui parle sans tabou de patriarcat à la noix, et de liberté émancipatrice.

J'ai adoré, en dépit de certains bémols (et zut, je n'ai même pas envie de les citer), ce film admirable qui marque aussi bien la rétine que le cervelet.

Le tourbillon de vie de ces jeunes filles écrabouille tous les obstacles (même si, en vrai, ce n'est pas le cas). On voudrait que rien ne puisse arrêter cette force de vivre, cette furie solaire et égotiste. Quelle rigolade que ce match de foot, ce pétage de plomb généralisé (au sens propre pour ce qui concerne les fusibles de la maison), quelle beauté ouverte sur l'outre-monde que ce décor de mer Noire !

Le film huhule une sorte de chant funèbre dans sa deuxième partie, célébrant les noces de l'inconciliable et de la désespérance, mais je préfère retenir du maelstrom d'émotions que constitue Mustang cet incroyable force de vie qui bouscule l'hypocrisie salace des connards en tout genre.

Vives les filles, vive les femmes.

Il y a de plus en plus un air de Truffaut dans le cinéma de Desplechin. 

Je ne parle pas seulement de ce qui a été si souvent signalé : l'identification entre Desplechin / son personnage récurrent Paul Dedalus / son alter ego Mathieu Amalric, qui ressemble par bien des aspects au trio Truffaut / Antoine Doinel / Jean Pierre Léaud.

Je veux plutôt évoquer cette façon de faire du cinéma qui m'apparaissait souvent chez Truffaut comme anti-moderne. Alors que bien des cinéastes expérimentaient des formes plastiques radicalement modernes, Truffaut filmait tranquillement des histoires à l'ancienne, alternant simplement les sujets et les styles. 

Desplechin fait la même chose : après un épisode américain sur un sujet très spécifique (Jimmy P.), le voici de retour dans un genre qui lui colle à la peau, le drame romantique au long cours. Il y a dans Trois souvenirs de la jeunesse des afféteries passéistes qui se moquent de la modernité en souhaitant probablement nous replonger dans l'époque (ce split screen 70's, ces fermetures et ouvertures à l'iris entre les plans).

Et puis, Desplechin comme Truffaut, s'avèrent être avant tout des cinéastes de l'Amour. Si le premier et le deuxième souvenirs de ce film sont agréables à regarder (mais somme toute anecdotiques), c'est bien dans le troisième et long volet que Desplechin trouve à exprimer son souffle dramatique et romantique. 

Il faut le dire : le personnage joué par Lou Roy Lecollinet est un magnifique personnage de cinéma. D'abord sirène hyper sexuée dominant une tribu de petits cons qui paraissent avoir 10 ans de moins qu'elle, elle devient progressiment une amoureuse transie, puis une provinciale délaissée par un jeune homme qui fait son chemin intellectuellement. Ce n'est d'ailleurs pas le moindre mérite du film de donner à voir le temps qui passe, les trahisons, déceptions et tromperies qui y sont associées.

Le film de Desplechin est comme une sorte de point médian dans le cinéma français actuel : l'égocentrisme d'Assayas, un substrat générationnel qui rappelle Klapisch, et l'ombre tutélaire de Truffaut qui plane.

C'est très réussi, à défaut d'être absolument génial.

Arnaud Desplechin sur Christoblog :  Un conte de Noël (****) / Jimmy P. (**) 

On n'a jamais montré la vie (dans sa réalité administrative) comme cela.

Si le débat se focalise sur les scènes dans le supermarché ou à Pôle Emploi, je préfère insister dans cet article sur tout ce que le film montre d'autre : une vraie vie qui n'est JAMAIS évoquée au cinéma.

De ce point de vue, le film de Stéphane Brizé est d'une radicalité absolue. Je ne connais pas de films de fiction qui s'attache à montrer avec une telle acuité des scènes de la vie quotidienne en dehors de toute contextualisation dramatique. Parmi ces nombreux à-cotés, un des plus remarquable est le rendez-vous avec la personne de la banque qui propose une assurance vie. Il y a dans cette scène sur le fil une tension délicate qui est absolument remarquable. Cette tension repose sur un postulat que le film manipule souvent : l'employée de banque fait correctement son boulot (d'un point de vue rationnel sa proposition est tout à fait fondée, car la situation de la famille de Thierry serait à l'évidence catastrophique si un accident arrivait à ce dernier), mais le personnage principal le reçoit comme un coup de poing. 

Parmi les autre scènes emblématiques de ce film exceptionnel figure celle de la vente du bungalow : Qui a tort ? Qui a raison ? Quel est le bon prix de vente ? Pourquoi Thierry considère-t-il que son interlocuteur est malhonnête alors que la négociation s'effectue sur une base d'égalité ?  

Tout au long du film, on cherchera en vain un coupable, un "méchant". Chacun a ses arguments, qui ne sont pas idéologiques mais souvent de bon sens. Chacun essaye de faire au mieux, dans le contexte qui lui est donné. Le patron de supermarché ou le RRH ne sont pas inhumains, ils ne sont pas machiavéliques, tout comme le recruteur sur Skype (franchement honnête), le directeur d'école, les collègues syndicalistes.

La conjonction de cet a priori non-négatif et des partis-pris osés de Brizé (l'endroit où regarde la caméra est un miracle tout au long du film) donne au film sa tonalité si particulière qui mélange dignité humaine, pugnacité morale et épiphanie du quotidien.

Mad Max Fury road, c'est un aller à toute berzingue dans des paysages grandioses, un scénario qui tient sur un ticket de métro, et un retour qui ressemble beaucoup à l'aller, mais dans l'autre sens.

Les qualités du film de Georges Miller sont évidentes et ont été signalées par tous les spectateurs : un sens du rythme époustouflant, une inventivité visuelle de tous les instants et une direction artistique de toute beauté (décors, costumes, accessoires).

Mad Max possède toutefois un certain nombre de points faibles qui m'empêche d'être aussi dithyrambique que le reste de la critique. Tout d'abord, l'émotion peine à affleurer dans le film, probablement par la faute du jeu stéréotypé et peu engageant de Tom Hardy, qui éructe péniblement sa dizaine de lignes de dialogues. 

D'autre part, si le film est visuellement bluffant, il n'évite pas une certaine répétitivité dans sa deuxième partie et une artificialité un peu kitsch dans quelques unes de ses séquences (celles de nuit notamment).

La force du film, qui n'hésite pas à tuer certains de ces personnages sans autre forme de procès, réside avant tout dans sa puissance sauvage et débridée, qu'on appréciera plus ou moins, suivant sa capacité à encaisser montage épileptique et bande-son hypertrophiée.

Chers Cahiers du Cinéma

Dans votre numéro de mai 2015, l’article Billets cannois marque l'apothéose d’une tendance qui gangrène depuis plusieurs mois votre prestigieux magazine : Les Cahiers ne sont plus un journal de critiques et d'opinions, mais un journal de préjugés.

Autrement dit, il n’est plus nécessaire pour vous de voir les films pour écrire à leur propos.

Les Vieux sont nuls

Depuis votre article publié en 2014 (« L’âge du festival », N°689), on sait que les Cahiers n’aiment pas les cinéastes quinquagénaires. L’âge des réalisateurs est donc devenu, contre toute justification morale ou esthétique, un critère d’appréciation de la sélection officielle du Festival. Ainsi écrivez-vous cette année « la compétition se rajeunit et on ne peut que s’en réjouir », comme s'il y avait dans cet état de fait un gage de qualité.

Qu’un jeune cinéaste puisse faire un film terriblement classique, vieux en d’autres termes (comme je le pense de Michel Franco par exemple), ou qu’un cinéaste âgé puisse être puissamment novateur est pourtant une évidence. Ecrire de telles énormités vous amène logiquement à cette contradiction amusante : vous n’hésitez pas à consacrer une quarantaine de pages dans le même numéro à Manoel de Oliveira ... 107 ans !

Procès d'intention et copinage

Les Cahiers adorent Weerasethakul et Gomes. Cela vous conduit d’ailleurs à appeler le premier par son prénom, Apichatpong, ce qui me laisse perplexe : comment juger objectivement des films d’une personne dont on est suffisamment intime pour qu’on ne s’astreigne même plus à utiliser son patronyme ? Dans le même article, vous n’écrivez évidemment pas Paolo au lieu de Sorrentino, mais j’y reviendrai.

Si Thierry Frémaux (une autre de vos bêtes noires) ne sélectionne pas les films de vos chouchous, c’est à cause de sa ligne éditoriale qui indiquerait que « … les aventures formelles n’ont pas la priorité, quelque soit leur résultat ».

Ce qui est un raisonnement vicié à plusieurs titres : d’abord Cemetery of splendor et Les mille et une nuits ne sont pas particulièrement novateurs d’un point de vue formel (le projet de Gomes est original dans sa démarche intellectuelle, pas dans sa forme), d’autre part Le fils de Saul, The assassin ou Tale of tales, que vous les aimiez ou pas, le sont au moins autant.

Votre volonté de défendre envers et contre tout vos chouchous vous pousse à oublier un point essentiel du travail critique : vos protégés ne font pas forcément de bons films. Si Cemetery of splendor et Les milles et une nuits ne figurent pas en sélection, la raison en est peut-être simplement que leur niveau ne le permettait pas.

Il se trouve que j’ai vu 17 des films en compétition, et 22 autres dans les sections parallèles, dont les deux sus-cités. Pour ma part, comme pour beaucoup d’autres cinéphiles, la non-sélection de Gomes et de Weerasethakul ne sont pas des scandales.

Dans ce contexte, la reconnaissance des films d'Audiard, de Brizé et de Maïwenn par les frères Coen et l’absence des deux films de Gomes et Weerasethakul dans les Palmarès respectifs d’Un certain regard et de la Quinzaine vous feront l'effet d'une gifle : et si finalement il était possible que vous vous trompiez ?

Critiquer les réalisateurs plutôt que les films

Comme on l’a vu, Les Cahiers écrivent dans cet article ne pas aimer les vieux. Mais vous n’aimez pas non plus les castings internationaux, Stéphane Brizé, Matteo Garrone et Paolo Sorrentino. Ce dénigrement arbitraire envers des individus ou des groupes relève d'un lynchage intellectuel. 

Pour le Brizé par exemple, le travail critique sur les films est remplacé par un travail critique sur les affiches. Celle de La loi du marché ressemblerait à celle de Jamais de la vie, et donc les films se ressembleraient, consacrant de plus une politique des acteurs (alors qu’on ne puisse pas vraiment dire que Lindon soit une star mondiale !). On atteint là le degré 0 de la critique.

Pour ceux qui ont pris la peine de voir les deux films, il est de plus évident que le film de Jolivet (doté d’une mise en scène classique et d’un scénario standard aboutissant à des climax) n’a rien à voir avec celui de Brizé (aux parti-pris de mise en scène radicaux et poétiques, et bâti sur un scénario pour le moins évanescent).

Le Sorrentino bashing, activité favorite des Cahiers

Je ne reproche pas aux Cahiers d’avoir leurs opinions. C’est évidemment l’essence de la critique que d’exprimer une subjectivité. Mais j’attends d’eux qu’ils le fassent par rapport aux films vus. Quand dans l’article en question Laura Tuillier écrit à propos de Youth «… Michael Caine qui, grimé en Toni Servillo, semble imiter les poses blasées du héros de la Grande belleza », elle se livre au sport préféré des Cahiers : dire du mal de Paolo Sorrentino.

Une fois qu’elle aura vu le film, il faudra pourtant que la journaliste en convienne, les deux personnages, les deux milieux, les deux scénarios n’ont rien à voir.

Plus tôt dans l’article Sorrentino s’en prend encore pour son grade (son casting « gonflerait » son film … « mais en a-t-il vraiment besoin ?") avant qu’un coup de grâce particulièrement terrible conclue ses pages : une photo de Youth avec cette légende « Un invité (toujours) envahissant ».

Ce que sous-entend cette légende, c’est que Sorrentino a fait et fera toujours des films qui n’ont pas leur place à Cannes. C’est une sorte de mise à mort critique de nature fascisante : nous souhaiterions que tu n’existes pas, nous te détestons et nous préférons même utiliser la surface utile de notre magazine pour le dire plutôt que pour dire du bien d’un film que nous aimons.

Si le bouton rouge permettant de tuer professionnellement un cinéaste existait, nul doute que les journalistes des Cahiers l’utiliseraient.

Parler des films qu’on n’a pas vu amène à écrire de grosses bêtises

Pour finir, je relève cette phrase ignoble de Stéphane Delorme à propos du (superbe) film de Laszlo Nemes (au passage rabaissé au rôle d’assistant de Bela Tarr, ce dont on se contrefout, le film n’ayant en plus rien à voir avec l’œuvre du maître hongrois) : « le seul premier film en compétition … n’est visiblement pas là pour sa poésie, mais promis comme un film choc sur Auschwitz ».

Il s’avère au final que le film est une merveille, un acte cinématographique qui porte justement en lui une poésie immense et douloureuse, que le jury a justement récompensé.

Parler des films en les ayant vus, dire plutôt du bien des films qu’on aime que du mal des films qu’on aime pas, ne critiquer que les œuvres et non les cinéastes : un retour aux bases s’impose, messieurs et mesdames des Cahiers.

Il y a une grande qualité dans le film d'Emmanuelle Bercot, rare dans le cinéma français : La tête haute parvient à donner l'exacte mesure du temps passe.

Bien sûr le film possède bien d'autres atouts, à commencer par une mise en scène énergique et une interprétation hors pair du jeune acteur (sensationnel Rod Paradot) et des autres personnages, mais sa force subtile c'est bien de montrer l'évolution lente et erratique des différents protagonistes.

Catherine Deneuve campe une juge patiente, mais qui sait faire évoluer ses options. Benoit Magimel, solide comme un roc dans les premières scènes, peut péter les plombs. Sara Forestier oscille entre démission dépressive, amour larmoyant et niaiserie blessante. Rod Paradot lui-même progresse par oscillations successives : tour à tour trublion explosif, blessé épidermique, amant violent, boule de nerf qui se raisonne.

On assiste à son évolution comme à un combat de boxe. Sonné par les coups échangés, abasourdi par la violence des émotions, rivé à l'entretien d'une faible lueur d'espoir qui ne semble être vue que par les proches de Malony.

Le film est une ode énergisante à la ferme bienveillance et à la résilience, un film d'amour gonflé à l'adrénaline, comme on en voit peu.

Palme d'or : Dheepan, de Jacques Audiard

Le film d'Audiard est fabuleux dans sa première partie avant de verser dans sa toute fin dans ce que je trouve être une faute de goût. Mais ce n'est pas une Palme scandaleuse.

Grand Prix du jury : Le fils de Saul, de Laszlo Nemes

Mérité, ce film extraordinaire aurait pu prétendre à la Palme.

Prix du jury : The lobster de Yorgos Lanthimos

Le jeune grec fait une proposition de cinéma hors norme, très plaisante, et ce prix est mérité lui aussi, même s'il était le candidat idéal pour le prix du scénario.

Prix de la mise en scène : The assassin de Hou Hsiao Hsien

C'est un des deux films de la compétition que je n'ai pas vu.

Prix d'interprétation masculine : Vincent Lindon dans La loi du marché

Si un point réunissait tous les spectateurs de la Croisette, c'est bien celui-ci. Indiscutable et indiscuté.

Prix d'interprétation féminine : Emmanuelle Bercot dans Mon roi, et Rooney Mara dans Carol

Même si je n'aime pas le film de Maïwenn, il faut bien reconnaître qu'Emmanuelle Bercot y est formidable (bien meilleure que le cabotin Vincent Cassel). Quand à Mara, c'est un peu curieux de reconnaître sa performance dans ce qui est finalement un second rôle, mais là encore, la décision du jury n'est pas scandaleuse.

Prix du scénario : Michel Franco pour Chronic

C'est toujours le prix dont on ne sait pas trop quoi faire. Curieux de le donner à un film dont le scénario ne semble justement pas le point fort, et qui se termine par une solution de facilité démontrant un manque de maîtrise.

Conclusion

Le jury a visiblement privilégié des films novateurs et puissants dans leur forme : le Audiard bénéficie d'une mise en scène efficace et souvent impressionnante, le Nemes est un objet radical, comme le Brizé ou le Maïwenn dans leur genre, et The lobster est l'histoire la plus originale vue depuis longtemps au cinéma. 

On comprend mieux à travers cette grille de lecture pourquoi les deux autres films qui avaient largement séduit la critique (dont votre serviteur) sont absents du Palmarès : Mia Madre de Nanni Moretti et Mountains may depart de Jia Zhang Ke sont d'une facture plus classique que les films récompensés.

A ce bémol près, le Palmarès est équilibré et plutôt satisfaisant. Le jury a aussi évité de donner des prix aux films dont la sélection même pouvait être critiquable, comme le Van Sant ou le Donzelli.

A l'année prochaine.

Retrouvez l'intégralité de mes chroniques cannoises 2015 : Journal de Cannes 2015.

23 mai

Dernier film en compétition, MacBeth, de Justin Kurzel, est un Shakespeare à la sauce heroic fantasy, genre Seigneur des anneaux. Je n'ai pas accroché au film, mais Michael Fassbender y est formidable. En sortant de la salle on me jette quasiment à la figure une invitation pour la projection des courts-métrages en compétition. J'y vais et je ne le regrette pas : 8 sur 9 sont vraiment très bons, tour à tour drôles, poétiques, cruels ou inquiétants. Un beau panomara du cinéma mondial en deux heures.

Fin de Festival à la Quinzaine pour la reprise des films primés. Mustang, de la réalisatrice franco-turque Deniz Gamze Erguven est pour moi un coup de coeur (et je ne suis pas le seul). Cinq soeurs en proie au conservatisme et au machisme turc du côté de Trabzon : énergisant et émouvant. Quarantième et dernière séance avec le film colombien El abrazo de la serpiente, aride randonnée dans la jungle amazonienne, en noir et blanc et en mode Apocalyse now art et essai. Pas inintéressant, mais un peu dur pour un dixième jour de festival à 17h.

Merci à ceux (et celles) qui m'auront lu jusqu'au bout, et à l'année prochaine.

22 mai

Michel Franco est un Haneke mexicain. Son Chronic utilise les mêmes ficelles que l'Autrichien : on montre l'humiliation des personnages avec complaisance (ici des malades en phase terminale) et on prend les émotions du spectateur en otage. C'est sec et pauvre en idées de cinéma, avec une fin honteuse. Mauvaise matinée, puisque le film suédois que je décide d'aller voir à la Quinzaine (Le lendemain, de Magnus von Horn) est un pensum lourdingue et très balisé, sur une idée grotesque : un jeune étudiant qui a étranglé une camarade réintègre la même classe en sortant de détention.

Heureusement, les choses s'éclairent dans l'après-midi. Je n'attendais rien de bon de la montée des marches de Valley of love, de Guillaume Nicloux, en compétition. Finalement le film est une bonne surprise avec un duo Depardieu / Huppert magistral, dans des paysages magnifiques. Notre Gégé national se paye une ovation avant et après la projection, il faut avouer que sa présence écrase toutes les autres sans exception.

Après ce bon moment, détente avec une séance de rattrapage de la Semaine : Les deux amis, premier long-métrage de Louis Garrel. C'est sans prétention mais délicieux, une sorte de croisement entre Marivaux et Christophe Honoré (qui a co-écrit le scénario). Garrel, Macaigne et Golshifteh Farahani sont excellents.

21 mai

Ce matin grasse matinée jusqu'à 9h, après m'être couché vers 3h20. Début de journée pépère avec Le trésor, film roumain de Corneliu Porumboiu, présenté à Un certain regard. Décalé, inattendu, assez fin.

J'enchaîne avec le film de Jacques Audiard en compétition, Dheepan, qui s'avère plutôt beau, très bien réalisé, mais avec un scénario un peu court à mon sens pour viser la récompense suprême. Un prix de la mise en scène serait mérité  : celle-ci est souvent de toute beauté. Toute la première partie du film est exceptionnelle.

Après avoir dormi durant la projection d'Oka de Souleymanne Cissé que je n'ai donc pas vu (j'ai honte), fin de soirée salle Debussy pour un documentaire magnifique et écrasant sur les exclus d'une certaine Amérique et sur les brigades para-militaires de rednecks au Texas : The other side. Ahurissant. Longue standing ovation pour le réalisateur italien, Roberto Minervini, un nom à retenir à l'évidence.

20 mai

Deuxième grosse journée qui commence avec Youth, de Paolo Sorrentino. Même qualités et même défauts que ses autres films (La grande belleza...) : certains détestent, d'autre adorent.  En ce qui me concerne, je trouve le film distrayant. Deuxième film en compétition, Mountains may depart, du chinois Jia Zhang Ke est une élégie sur 3 décennies et deux continents. Le film se dessine sur la fine trame du temps, c'est très beau. A Un certain regard je vois Lamb, premier film éthiopien à Cannes. Photographie admirable, paysages à couper le souffle, ce premier long métrage vaut surtout pour son aspect documentaire.

A la Quinzaine, très beau Fatima de Philippe Faucon (La désintégration), avec une actrice non-profesionnelle remarquable : longue ovation dans la salle pour l'équipe du film.

Pour finir, je fais la queue à partir de 23h pour la séance de minuit du très attendu Love, du sulfureux Gaspar Noé (Irréversible), film d'amour pornographique en 3D. Ambiance électrique à 0h40 lorsque la projection commence dans une salle archi comble (2300 personnes), mais qui devient vite atone car le film est ... très mauvais.

19 mai

Début de journée avec les deux films en compétition. Sicario, du canadien Denis Villeneuve est un thriller racé et efficace. Un scénario épuré, une mise en scène solide, des images magnifiques. Un très bon divertissement. Ensuite le nouveau film de Valérie Donzelli, dont j'avais adoré La guerre est déclarée et détesté Main dans la main. Las ! Marguerite et Julien fait partie de la deuxième catégorie : le film est un naufrage esthétique, dramaturgique, moral. L'accueil de la Croisette est glacial.

Je passe à Un certain regard. Taklub, de Brillante Mendoza, raconte le quotidien des sinistrés du typhon Haiyan, qui dévasta les Philippines en 2013. C'est une fiction, mais qui veut se donner un air de documentaire et qui y parvient très bien. Dur mais nécessaire. Fin de journée à la section que je n'avais pas encore visité : ACID. Dans la salle des Arcades (la seule où on peut étendre ses jambes à toutes les places) je vois The grief of others, deuxième film de l'américain Patrick Wang. Tourné en 2 semaines en Super 16, sans vidéo, le film parvient à émouvoir par son extrême sensibilité. Dans cette ambiance de ciné club de quartier très particulière, on discute pendant 30 minutes avec l'équipe du film.

18 mai

Grosse journée aujourd'hui. Début en fanfare avec La loi du marché, de Stéphane Brizé, en compétition. Le film montre une certaine réalité du monde du travail rarement exposée au cinéma avec autant de véracité. Vincent Lindon y est exceptionnel. J'entre ensuite sur un coup de chance dans la salle pour un des films les plus attendus du Festival, Cemetery of splendour, du thaïlandais déjà palmé, Apichatpong Weerasethakul. La salle est pleine comme un oeuf, et le jury doit même se pousser au bord du rang, Tahar Rahim et Isabella Rossellini compris. Le film, admirable visuellement, me laisse par ailleurs complètement froid. Toujours dans la continuité, j'enchaîne immédiatement avec le troisième film du réalisateur norvégien Joachim Trier, en compétition, Louder than bombs. J'avais adoré Oslo, 31 août, mais je suis déçu par ce film : la magie d'Oslo semble s'être évaporée au-dessus de l'Atlantique.

Après une pizza avalée vers 15h, détente avec le feel-good movie de la Quinzaine, Le tout nouveau testament, pochade belge fort agréable de Jaco Van Dormael. Dieu habite Bruxelles et a une fille qui veut faire aussi bien que son frère, JC. Très agréable. Fin de soirée à La Bocca, instructive et émouvante, avec le documentaire Amy, de Asif Kapadia, sur la chanteuse Amy Winehouse : un destin hors norme pour un talent exceptionnel.

17 mai

Baisse du niveau général de la compétition aujourd'hui. Mon roi, de Maïwenn, brille par certains éclats, mais l'ensemble du film est démonstratif, répétitif et vulgaire. Cet aspect énergique et mal dégrossi collait bien au sujet de Polisse, ce qui n'est le cas ici. Vincent Cassel est à baffer, mais c'est le rôle... Carol, de Todd Haynes, raconte de façon plate et peu empathique un amour lesbien au début des années 50. C'est froid et bien filmé, mais le film m'a laissé de marbre. C'est pourtant le film le plus apprécié à ce jour par la critique étrangère.

Dans l'après-midi, le film du croate Dalibor Matanic, Zvizdan (Soleil de plomb) est une oeuvre intéressante sur les conflits de l'ex-Yougoslavie, vus à travers 3 histoires différentes jouées par les mêmes acteurs. Surprenant et très maîtrisé. En soirée, impossible d'entrer à la Quinzaine pour Le tout nouveau testament de Jaco Van Dormael, la foule est impressionante. Du coup, au dodo avant minuit aujourd'hui !

16 mai

Très bon début de journée avec Mia madre, de Nanni Moretti : fin, intelligent, très bien réalisé. Après la sélection officielle, direction la Quinzaine avec le nouveau film de Miguel Gomes, le prodige portugais. Le premier volet des Mille et une nuit est un film bricolé et foutraque, mais le projet est impressionant et force le respect : raconter sur 3x2 heures une année du Portugal. J'y reviendrai en détail.

A la Semaine de la Critique, Ni le ciel ni la terre, premier film de Clément Cogitore est une claque. On suit des soldats français en Afghanistan et le film emprunte des chemins inusités dans le cinéma français. J'y reviendrai, mais c'est un premier film de toute beauté. Pour finir la journée (et comme je fais l'impasse sur le Van Sant) direction Un certain regard pour le deuxième film d'Alice Winocour (Augustine) : Maryland. Diane Kruger et Mathias Schoenaerts jouent d'une façon trop monocorde pour enflammer le film qui accumule pas mal de poncifs, tout en étant très bien fait. Du beau monde dans la salle : Céline Sciamma, Noomi Rapace.

15 mai

Beau début de journée avec The lobster de Yorgos Lanthimos, fable dystopique dans laquelle les célibataires sont condamnés à être transformés en animaux s'ils ne trouvent pas l'âme soeur en moins de 45 jours. C'est grinçant, cruel, amusant et parfois émouvant. Dans la foulée, le nouveau Woody Allen, Irrational man, s'avère un bon cru. Racé, inattendu et porté par une immense Emma Stone.

Changement total d'ambiance avec le deuxième film en compétition de la journée, Le fils de Saul, du jeune hongrois Laszlo Nemes, dont c'est  le premier film. Il n'y avait probablement qu'une seule façon de filmer les chambres à gaz, et c'est celle ci. Un film coup de poing, terrifiant, mais qui ne prête le flan à aucune polémique. Fin de soirée glamour à la Quinzaine avec le nouveau Desplechin, Trois souvenirs de ma jeunesse. Anecdotique, mais plaisant, à mi-chemin entre Klapisch et Assayas. Du beau monde dans la salle : Fleur Pellerin, Emmanuelle Devos, Céline Sciamma et toute l'équipe du film.

14 mai

Mon Festival 2015 commence par un long plan fixe sur Adèle Exarchopoulos, en écho à 2013, et à La vie d'Adèle. Malheureusement, Les anarchistes, le deuxième film d'Eli Wajeman, est engoncé dans un formalisme froid auquel je n'adhère pas du tout. Triste ouverture pour la Semaine de la Critique, dans une salle pourtant bondée. J'enchaîne avec le premier film en compétition, le nouveau Matteo Garrone (Gomorra, Reality). Tale of tales est un conte pour adulte, à la fois sucré et piquant. Son esthétique pourra être de qualifiée de pompeuse (Fellini 2.0) ou de somptueuse suivant le point de vue. Le film m'a bluffé par moment, amusé à d'autres. A la sortie, le juré Guillermo del Toro discute tranquille avec les spectateurs, en sweat à capuche noir et rouge.

Dans l'après-midi, une seule séance pour le Kore-Eda (comme pour le Ceylan en 2014, ce qui ne l'a pas empêché de décrocher la Palme), et donc j'assiste à la montée des marches. J'aime beaucoup ce réalisateur et je pense que Notre petite soeur est une Palme d'Or potentielle. C'est un film magnifique, qui donne la pêche et qui est d'une délicatesse innomable. Fin de soirée pénible à Un certain regard. J'attendais beaucoup de L'étage du dessous, du roumain Radu Muntean (Mardi après Noël). L'intrigue du film est beaucoup trop légère et trop floue. Un court-métrage de dix minutes aurait suffit. La séance commence en retard et je rentre à l'hôtel vers 1h15 du matin...

L'Emmanuel Mouret de la période d'Un baiser s'il vous plait me plait tellement que cela me fait un peu mal de voir son cinéma évoluer vers des facilités dans la période 2008/2018.

Dans Caprice, que Mouret acteur puisse séduire à la suite Virgine Elfira, puis Anaïs Demoustier, avec ses airs de Droopy indécis et trop honnête, n'est simplement plus crédible. Caprice est un film de jeunesse réalisé par un acteur/réalisateur de 45 ans.

J'ai donc suivi avec une politesse un peu gênée toute la première partie du film, qui ressemble à du Mouret faisant du Mouret : dialogues distanciés et très écrits, scènes de burlesque visuelles (la tasse de café) et situations improbables (l'amour sous le bureau). Cette partie ressemble aux premiers films du réalisateur marseillais, comme Laissons Lucie faire ! par exemple.

Mon intérêt s'est un peu réveillé dans la deuxième partie. L'aspect primesautier de l'intrigue disparait au profit de réflexions un peu plus plus profondes et sombres : quel est la véritable nature de l'amour, aime-t-on pour les bonnes ou les mauvaises raisons, peut-on et faut-il réparer ses erreurs ?

Au final, la tendresse que j'ai pour Mouret m'empêche d'être trop dur avec le film, mais Caprice doit tout de même être réservé aux admirateurs du réalisateur. 

Belle réussite que ce film présenté à Cannes l'année dernière, qui marque (avec quelques autres) l'entrée en force de l'Inde dans le paysage de la cinéphilie mondiale.

Titli est d'abord une chronique sociale très impressionnante. La vie quotidienne indienne y est montrée avec une acuité cruelle : pauvreté, détresse morale, corruption généralisée, police gangrenée, mariage arrangé, folie immobilière. 

Dans ce décor très sombre, Kanu Behl nous montre le parcours de trois frères, dominé par le plus agé des trois, véritable brute à sang-froid. Le cadet, timide et rêveur, aimerait se sortir de ce milieu immoral et criminel. Y parviendra-t-il ? Je ne vous le dirai évidemment pas.

Le film possède beaucoup de points forts : un scénario très puissant, une direction d'acteurs virtuose, une facilité à installer les ambiances psychologiques de chaque scène en quelques plans. Les scènes de violences sont rares, mais elles éclatent comme des orages après d'énormes moments de tension, exactement comme dans le cinéma de Scorsese. 

D'une façon générale, Kanu Behl n'hésite pas à filmer au plus près de ses personnages. Peur, colère, frustration, espoir, gêne : l'intensité des sentiments est souvent exacerbée.

Un film dur, mais remarquable. A découvrir absolument.

Comme chaque année, programme alléchant à la Quinzaine.

D'abord Edouard Waintrop a débauché trois oeuvres qui avaient été souvent annoncées en compétition : Trois souvenirs de ma jeunesse d'Arnaud Desplechin, L'ombre des femmes de Philippe Garrel et les trois films de deux heures constituant Les mille et une nuits du portugais Miguel  Gomes. 

Sont également très attendus A perfect day de l'espagnol Fernando Leon de Aranoa, avec un casting d'enfer (Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry, Fedja Stukan, Benicio Del Toro), Le tout nouveau testament du revenant Jaco Van Dormael (avec Benoit Poelvoorde, Yolande Moreau et Catherine Deneuve), Fatima, le nouvel opus de Philippe Faucon et Much loved de Nabil Ayouch.

Pour ma part, j'aurai un oeil tout particulier sur Les cowboys, film français de Thomas Bidegain avec François Damiens et le deuxième film chromatique de Jeremy Saulnier, Green room, dont j'avais beaucoup apprécié Blue ruin.

Pour le reste ce sera franchement l'aventure, en provenance de Lituanie, de Suède, de Colombie, du Chili, de Turquie et des USA.

En clôture, il y aura le feel-goodie de la Quinzaine, Dope de l'américain Rick Famuyiwa (qui était à Sundance, prix du montage) et en séance spéciale le nouvel OVNI de Takashi Miike, au nom évocateur : Yakuza apocalyse. 

A noter dans la sélection courts-métrages le premier film de Reda Kateb, Pitchoune.

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Ce film m'a tellement énervé que je vais me faire un plaisir de spoiler abondamment. Ne lisez donc pas plus loin si vous voulez ne pas savoir.

Dans les tout premiers plans du film, il y a cette image bizarre, parmi d'autres qui n'ont rien à voir : un concombre revêtu d'une capote.

Le réalisateur Eskil Vogt nous donnera l'explication plus tard, mais pour faire court : Ingrid est aveugle, obsédée sexuelle (grave !), dépressive et elle écrit un roman. Le film insère donc des images du roman qu'elle est en train d'écrire dans quelques images du présent.

Cela pourrait être une bonne idée, mais la réalisation du film gâche une intention louable. Là où il faudrait entretenir l'ambiguité, Vogt sème la confusion. Là où il faudrait rendre ses personnages empathiques, il les éloigne de nous.

Le résultat est assez pédant, plein d'aspérités désagréables et au final franchement ennuyeux. 

J'ai vu récemment en DVD un film méconnu sur le fait d'être aveugle, bien plus intéressant que celui-ci : Imagine.

J'attendais beaucoup de ce film, précédé par la réputation avantageuse qu'entretenaient les admirateurs des deux premières oeuvres de Roy Andersson. 

Vous connaissez peut-être le principe : 39 plans fixes, présentant des personnages tous lamentables, tristes et figés.

Au rayon des points positifs, il faut reconnaître que la capacité d'Andersson à dessiner de véritables tableaux vivants est remarquable. Les perspectives, les personnages qui se meuvent dans les seconds plans et les mini-histoires qui irriguent certaines scènes parviennent parfois à captiver. 

Au rayon des points négatifs, le problème n'est pas tant que le film est très pessimiste sur la nature humaine (comme c'est aussi le cas chez Franco, Haneke ou Seidl), mais plutôt qu'il l'est sur un mode un peu niais. Oui, la guerre c'est moche, l'esclavage c'est pas bien, la solitude c'est triste, et la mort c'est pas cool. Mais on le savait déjà.

Le film est bourré de tics qui m'ont aussi dérangé par leur caractère répétitif : la phrase que plusieurs personnages disent au téléphone, la musique qui revient tout le temps, le sketch des deux représentants de commerce qui se répète plusieurs fois.

Une curiosité donc, qu'on peut voir comme l'illustration d'un univers très personnel, intéressant mais pas captivant.

La planète cinéma est curieusement riche en fratries de réalisateurs(trices). Pour ne citer que ceux qui me viennent immédiatement à l'esprit : Coen, Taviani, Larrieu, Dardenne, Coulin, Wachowski, Farrelly. Et il y en a beaucoup d'autres...

Sollicité par DVDtrafic pour tester ce DVD, je me suis dit que c'était l'occasion rêvée de découvrir le cinéma d'action de la fratrie hongkongaise Oxide et Danny Pang (Bangkok dangerous).

Bien mal m'en a pris. Le film se révèle être un hommage tristement sirupeux aux soldats du feu. Sensiblerie, coups de théâtre téléphonés, et larmes de crocodile sont en effet au programme de cette tour infernale à l'eau de rose.

Si je m'attendais un peu au manque de subtilité du scénario, je pensais au moins assister à du grand spectacle. Que nenni ! Les effets spéciaux sont d'une nullité effarante, reléguant le statut du film à un spectacle de télévision à peine correct. La fumée qui s'échappe du building semble avoir été photoshoppée en vitesse par un stagiaire alcoolisé.

Mises à part ces graves réserves, le film respecte tout de même certains attendus du genre avec des scènes assez bien menées, même si totalement irréalistes, comme celle de l'évacuation  de rescapés par une grue de chantier. Les acteurs sont corrects, mais pas de quoi s'échauffer non plus, si je puis dire.

Bref, un film que je ne recommande pas.

Pulp est un groupe de rock des années 90, mais vous n'avez pas besoin d'être fan pour apprécier cet excellent documentaire de Florian Habicht.

D'abord parce que la star du film est avant tout la ville de Sheffield, cité industrieuse du nord de l'Angleterre, d'où est originaire le groupe. Le film montre superbement la ville à l'occasion du dernier concert du groupe en 2011 : son aspect quelconque, ses kiosques à journaux, ses friches industrielles, ses terrains de foot. 

Il montre aussi ses habitants, qui connaissent presque tous le groupe, quelque soit leur âge, leur sexe ou leur origine. Leur propos sont souvent délicieux, et on oubliera pas de sitôt le jeune aux cheveux teints, la chorale locale (irrésistible Help the aged) et les deux enfants assénant un message définitif à tous les parents de la planète.

Tous ces gens sont attachants et leur admiration raisonnée pour l'intelligence de Jarvis Cocker emporte l'adhésion.

Loué par des amis aussi sensibles, le chanteur de Pulp, à la fois dandy charismatique et grande asperge dégingandée, paraît irrésistible et foutrement intelligent. Drôle, inspiré, complètement possédé sur scène, il emporte le coeur du public dans un concert renversant.

Une magnifique découverte, qui n'a pratiquement pas été distribuée en France, comme malheureusement beaucoup d'excellents documentaires.

Du 13 au 24 mai 2015, vous pourrez suivre le Festival de Cannes en direct, tous les jours, sur Christoblog, mais aussi pour plus de réactivité encore sur Facebook et Twitter.

En compétition 

Cette année, grosse présence française en compétitiion officielle, respectant parfaitement la parité : 2 réalisateurs (Jacques Audiard avec Dheepan, et Stéphane Brizé, auteur du merveilleux Quelques heures de printemps, avec La loi du marché) et 2 réalisatrices (Maïwen avec Mon roi, et Valérie Donzelli avec Marguerite et Julien, tiré d'un scénario écrit pour Truffaut mais jamais tourné).

Thierry Frémaux a même ajouté un cinquième film en complément, tourné aux USA par Guillaume Nicloux : Valley of love, avec Gérard Depardieu et Isabelle Huppert. 

L'autre pays très présent sera l'Italie avec trois poids lourds habitués des palmarès cannois : Nanni Moretti avec Mia Madre cherchera sa deuxième Palme d'Or, Paolo Sorrentino avec Youth poursuivra une série exceptionnelle de sélection (rappellons que tous ses films ont été présentés en compétition à Cannes) et Matteo Garrone risque d'affoler la Croisette avec Tale of tales, film fantastique sanglant et libertin. 

En 2014 j'avais espéré la Palme pour Nuri Bilge Ceylan : je parierais cette année sur une Palme pour un de mes deux réalisateurs préférés : Jia Zhang-Ke avec Mountains may depart ou le délicieux Hirokazu Kore-Eda avec Notre petite soeur, dont les premières images fixes m'émeuvent déjà aux larmes. A noter le retour du grand taïwanais Hou Hsiao Hsien avec un film d'art martial déjà culte au vu de son incroyable durée de tournage (quatre ans) et de ses dépassements budgétaires : The assassin.

Modeste sélection américaine cette année : Gus Van Sant cherchera une seconde Palme d'Or avec The sea of trees, tourné au Japon, et Todd Haynes présentera une histoire d'amour lesbien dans les années 50 : Carol. Cate Blanchett et Rooney Mara seront-elles les Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos de 2015 ? Le canadien Denis Villeneuve a tourné aux USA Sicario, un thriller avec Benicio del Toro.

J'attendrai énormément de Louder than bombs du norvégien Joachim Trier, dont j'avais adoré Oslo, 31 août.

Enfin, trois outsiders peu connu : le grec Yorgos Lanthimos, fer de lance de la nouvelle vague de cinéastes grecs, présentera The lobster (un film "auquel on ne comprend pas tout" a dit Thierry Frémaux), l'australien Justin Kurzel, très remarqué pour son premier film ultra violent Les crimes de Snowtown, présentera un Macbeth avec Marion Cotillard. Enfin, un premier film se déroulant dans un camp de concentration, Le fils de Saul du jeune hongrois Laszlo Nemes, va à coup sûr relancer le débat sur la représentation de la Shoah au cinéma.

L'Amérique latine sera représentée par Chronic du mexicain Michel Franco.

A noter l'absence d'Arnaud Desplechin et de Miguel Gomes, relégués à la Quinzaine, et de Weerasethakul, Mendoza et Kawase, exilés à Un certain regard. On remarquera également l'absence de films espagnols, anglais, africains et allemands.

Un certain regard

Ces dernières années, la section Un certain regard semblait servir de séance de Ligue 2 pour de grands auteurs non retenus (Sofia Coppola, Claire Denis, Pascale Ferran...). Thierry Frémaux confirme cette année avec sa liste complémentaire : AN, de Naomi Kawase, Rak ti Khon Kaen d'Apichatpong Weerathekakul et Taklub du philippin Brillante Mendoza étaient tous les trois annoncés en compétition. 

La sélection comporte cependant beaucoup de découvertes pures avec des films en provenance de Roumanie, de Corée, d'Inde (deux films pour chacun de ces trois pays, ce qui dessine une belle cartographie de la vitalité cinéphilique mondiale), d'Islande, de Croatie, d'Iran, d'Ethiopie (pour la première fois à Cannes) et du Mexique. 

Même élan de fraîcheur pour les deux films français sélectionnés : le premier film de Laurent Larivière (Je suis un soldat) et le deuxième film d'Alice Winocour, très remarquée pour son premier, Augustine (Maryland). Ce dernier promet une montée des marches classieuse avec Diane Kruger et Matthias Schoenaerts.

Deux films un peu à part. The other side, un documentaire de l'italien Roberto Minervini, qui montre les dessous du rêve américain et arrive avec un buzz incroyable et Vers l'autre rive, film de fantômes, du très élégant Kiyoshi Kurosawa.

Hors compétition

Les films en sélection, mais hors compétition, fleurent bon les USA et le box office : Pete Docter de Disney/Pixar pour Vice-Versa, George Miller pour Mad Max Fury Road, Mark Osborne (Kung fu Panda) pour un film d'animation tiré de Saint Exupéry, Le petit prince, et Woody Allen pour Irrational man.

Quelques autres films seront projetés à Cannes, qui feraient le bonheur de n'importe quel festival au monde : le premier film de Natalie Portman (Une histoire d'amour et de ténèbres) et les derniers films de Samuel Benchetrit (Asphalte), Souleymane Cissé (Oka), Barbet Schroeder (Amnesia) et Robert Guédiguian (Une histoire de fou).

Qu'il est agréable parfois de voir un bon film académique ! Dans Le labyrinthe du silence, vous chercherez en vain une quelconque originalité du point de vue cinématographique. L'histoire qu'il raconte est par contre passionnante, les acteurs excellents, et le scénario formidablement écrit.

Nous sommes en 1958 en Allemagne, et peu d'Allemands connaissent le nom d'Auschwitz. Un jeune procureur va être amené, par un concours de circonstances improbable, à s'intéresser au sujet. Cette quête menée au départ par ambition va se transformer peu à peu en réflexion sur son pays, sa famille et ses valeurs.

Le film brille par de nombreuses facettes : il refuse obstinément de sombrer dans le sentimentalisme de bas étage, évite soigneusement toute une série de défauts inhérents à ce type de reconstitution (les intrigues privées sur-représentées, les arrangements avec l'histoire, les raccourcis faciles) et propose une reconstitution du début des années 60 admirable.

Le labyrinthe du silence est beau, émouvant, et diablement intéressant. Allez-y de ma part.

Que Peter Bogdanovitch revienne à la réalisation après plus de 10 ans de silence pour réaliser un film à la Woody Allen a quelque chose d'irréel.

Petite musique jazzy, ambiance new-yorkaise, dès les premières images on se croit dans le nouvel opus allenien. Owen Wilson semble d'ailleurs frappé de mimétisme : il a le phrasé, les intonations et l'air faussement candide de maître Woody. Si sa composition est assez plaisante (on le méprise au début, pour finalement l'apprécier), elle n'apporte pas grand-chose de neuf. 

Heureusement que les autres personnages apportent une touche un petit peu originale à cette screwball comedy. Je pense bien sûr en premier lieu à Jennifer Aniston, qui campe une psy ravagée et violente absolument craquante. Mais aussi à Imogen Poots, en gourde très convaincante, ou à l'excellent Will Forte, parfait en beau gosse faux-cul.

Broadway therapy est un film d'acteurs, bien servi par une mise en scène solide et un montage au rythme métronomique. Pas inoubliable, mais qui se laisse regarder.

Jauja est un film apprêté.

Rien n'y est naturel, tout y est calculé.

Prenez le cadre. Non seulement le film est au format carré, mais Alonso ajoute un raffinement totalement inutile : les coins sont arrondis. Du coup, on a l'impression de regarder une vieille photo pendant 1h50.

Le scénario est squelettique et tourne assez vite au n'importe quoi fantastico-mystique. Le réalisateur déclare lui-même dans une interview dans Libération : "Aujourd'hui encore, je ne comprends pas tout de Jauja". Et nous encore moins, évidemment...

Les critiques s'extasient devant une photographie qui n'est pas si extraordinaire que ça, même si les paysages de Patagonie sont assez photogéniques. Le grain du film est un peu gros, ce qui donne à certaines images un aspect granuleux assez désagréable.

Beaucoup de spectateurs prendront le film pour une provocation, et le détesteront. Que représente par exemple cette jeune fille des derniers plans : une réincarnation ? Une vision ? On cherche en vain un sens à cet exercice poseur et sans intérêt.

Un film de festival, qui creuse le fossé entre la critique ampoulée et les spectateurs, même bienveillants, même cinéphiles.

Difficile de trouver quelque chose de bon dans le dernier film de Wim Wenders.

La mise en scène est pachydermique, le montage semble fait à la tronçonneuse, la musique est une sorte de brouet néo-hitchcockien.

La photographie est souvent d'une laideur absolue (des lumières trop bleues, trop rouges, trop oranges).

Les acteurs semblent enfermés dans une gangue qui les cantonne stictement à leur rôle. James Franco inspire ainsi deux sentiments différents : l'envie de lui botter le cul, et celui de lui donner des baffes.

Le scénario ressasse sans originalité les thèmes du deuil et de la culpabilité, suite à un accident de la route.

Seules lueurs dans le film, la scène initiale de l'accident et celle de la fête foraine, dans lesquelles Wenders parvient à instiller un soupçon de malaise, et à ressembler (de loin) à du bon Polanski.