Christoblog

Lors du dernier Festival de Cannes, l'attente était grande concernant le troisième film de Jeff Nichols, très remarqué pour son deuxième film, Take Shelter, qui pour ma part ne m'avait (déjà) que partiellement convaincu.

Mud commence très bien. Deux enfants errent dans la nature sauvage (et aquatique) du Sud des Etats-Unis et découvrent une île au milieu du fleuve, dans laquelle vit un être mystérieux joué par l'inévitable Matthew McConaughey, décidément très présent en 2012 sur la Croisette (Paperboy) et ailleurs (Killer Joe).

Cette partie du film est vraiment réussie, confirmant l'exceptionnelle aptitude de Nichols à filmer la nature (on pense évidemment à Malick), l'étrangeté, l'enfance et les visages. Les deux garçons sont remarquables, agissant comme des adultes et nous emportant dans un beau voyage vers le mystère, en convoquant toute la mythologie du Mississippi (Tom Sawyer et cie).

Il est d'autant plus triste de voir le film s'affaisser progressivement dans les conventions les plus éculées du cinéma américain, et perdre ainsi son intérêt. L'intrigue se révèle finalement platement classique, tristement noire, et prévisible. On s'ennuie. On se demande où sont les surprises, où est le mystère, et à quoi rime cette fin un peu idiote, en forme de happy end. Le fim, trop long, s'égare donc en route et perd le fil de son originalité.

Au final prédomine l'impression d'un talent gâché : Jeff Nichols semble armé pour faire beaucoup mieux que ce film, à la facture finalement très classique.

Peu de films prennent comme sujet la vie des philosophes. Il faut dire que filmer la pensée en train de s'élaborer est une sorte de défi ultime, et Hannah Arendt n'évite pas entièrement l'écueil de la vacuité, en exposant plusieurs fois son personnage principal allongée, en train de méditer.

Heureusement pour nous, le film montre bien autre chose, et d'abord le portrait d'une femme, avec son histoire très exceptionnelle (avoir été l'amante d'Heidegger n'est pas rien) et beaucoup plus quotidienne (son mari qu'elle appelle Frimousse, ses amies, ses cigarettes, ses parties de billard).

Ensuite, et c'est probablement le plus instructif, on suit le procès d'Adolf Eichmann comme si on y était. Margarethe Von Trotta choisit de ne montrer le nazi qu'au travers de véritables images d'archive, et là se situe sans nul doute le coup de génie du film. Il est tout à fait fascinant d'observer le visage de cet homme, impassible, et évoquant l'honneur comme justification des horreurs commises.

Du coup, l'élaboration du concept de Banalité du mal paraît assez claire. 

La dernière partie du film est peut-être la plus intéressante : elle montre avec brio comment des groupes de personnes peuvent juger d'une oeuvre sans même l'avoir lue, ce qui constitue un phénomène tout à fait classique. L'attitude d'Hannah Arendt, qui refuse obstinément de répondre, considérant qu'elle n'a pas à entrer dans une polémique qui n'est pas de son niveau, est remarquablement rendue. La longue scène finale du discours devant les étudiants permet à l'excellente Barbara Sukowa se déployer tout son talent.

Hanna Arendt est loin d'être un chef d'oeuvre cinématographique, mais c'est sans conteste un film agréable dont on sort plus intelligent.

Après les claques des deux premiers opus Amour et Foi, le troisième volet de la trilogie d'Ulrich Seidl s'avère presque être une bleuette romantique. Enfin, presque.

Nous sommes cette fois-ci dans un camp pour enfants obèses, et nous suivons le sentiment amoureux naître chez la jeune Mélanie (13 ans), avec pour cible le médecin du camp, qui a plus de 50 ans.

La situation est donc, comme toujours chez Seidl, franchement tordue au départ, mais alors que dans les deux premières versions de la recherche du paradis les choses n'évoluaient pas du tout favorablement, on trouve ici une douceur et une lueur de bienveillance qui surprend.

Entendons nous bien : Mélanie ne trouvera pas plus son paradis qu'Anna Maria et Teresa, mais au moins aura-t-elle été respectée.

Si le réalisateur abuse ici des cadres symétriques qu'il affectionne, il faut reconnaître que sa caméra capte toujours aussi bien le frémissement des sentiments sur les visages (et peut-être encore plus sur - ou dans - les corps). L'intrigue du film est un peu faible, mais elle est sublimée par l'intensité de certaines scènes qui parviennent à nous émouvoir - ce qui n'était pas le cas dans les deux autres films de la trilogie Paradis.

A la fin de Paradis : espoir, on se rend compte avec une pointe de surprise que la petite tribu d'enfants que nous avions découvert au début (avec circonspection, car on craignait de verser dans une sorte de voyeurisme malsain) nous est devenue proche. Le résultat, une fois de plus, de l'incroyable précision de la direction d'acteur d'Ulrich Seidl, qui donne ici deux rôles remarquables à ses acteurs : celui de Mélanie et celui du médecin.

Un beau film.

Ulrich Seidl sur Christoblog : Paradis : amour / Paradis : foi

Une interview passionnante d'Ulrich Seidl sur le site d'Arte

Je suppose qu'on pourra détester le cinéma d'Ulrich Seidl. Il y a dans ses films, et en particulier dans celui-ci, une sorte d'intransigeance sèche et de jusqu'au boutisme qui pourront rebuter.

Anna Maria est amoureuse ... de Jésus. Son amour est sans limite et se concrétise de plusieurs façons (mortification, prosélytisme forcené, rejet de la luxure). Elle est plus que bigote, mais malheureusement pas mystique. Quand son mari musulman revient d'Egypte, le choc est évidemment frontal. L'un et l'autre s'entredéchirent, et comme le mari est handicapé, la brutalité des situations conflictuelles est parfois quasi insupportable.

A partir de cette matière riche, Seidl réussit une sorte de tour de force : on n'est jamais complètement révulsé par le comportement d'Anna Maria. On l'observe comme on observerait un insecte dans un vivarium. Chez Seidl, les comportements sont toujours montrés dans leur cohérence, de telle façon qu'il paraissent naturels, même s'ils sont intrinséquement déviants, ou désespérés. C'est la grande force du cinéma de l'autrichien : donner à voir un pan de l'âme humaine comme le ferait un ethnologue, mais avec les moyens d'un peintre.

Je ne l'ai pas encore dit, mais le travail de mise en scène (au sens large, en incluant la direction d'acteur et le montage) est ici impressionant de virtuosité, par exemple dans la façon dont l'appartement quelconque de l'héroïne est filmé comme un monde à part entière. Les cadres de Seidl sont toujours une merveille.

Peut-être moins brillant que Paradis : amour, parce que parfois un peu trop démonstratif, le deuxième opus de la trilogie s'avère être toutefois une expérience de cinéma durablement marquante.

Ulrich Seidl sur Christoblog : Paradis : amour / Paradis : espoir

S'il y a bien un film que je m'attendais à ne pas aimer, c'est bien celui-là. Une certaine froideur, un sujet désagréable, un réalisateur autrichien, le mot Amour dans le titre : mon esprit sentait l'ombre maléfique du grand faiseur prétentieux et doublement palmé s'allonger sur le film.

En réalité, et c'est ce que je vais essayer de démontrer, l'approche de Seidl est à l'opposé de celle de Haneke, appelé MH dans la suite de cet article.

Le sujet n'est pas rigolo, rigolo : on suit une cinquantenaire autrichienne, Teresa, en vacance au Kenya, dans des pratiques de tourisme sexuel montrées très crûment.

Teresa se laisse entraîner par une amie plus délurée qu'elle. La première évocation de ces sujets a d'ailleurs lieu lors d'une très belle scène lors de laquelle Teresa glousse un peu comme une jeune fille. On voit dans ces yeux, à ce moment là, qu'elle nourrit VRAIMENT l'espoir de trouver l'amour. Elle est naïve (le film le montre à de multiples reprises, lors de la longue tirade sur les yeux ou lorsqu'elle découvre que son amant est marié, etc). Elle est bête, raciste, mais elle tend vers l'amour. Le film porte donc merveilleusement son titre : l'amour n'est nulle part alors que Teresa voudrait qu'il soit partout.

La démarche de Seidl, on le voit, est donc à l'opposé de celle de Haneke. Seidl dit : la vie est une merde, je vais vous le montrer simplement et sans chichi, et puis je vais vous montrer aussi que certains espèrent. MH dit : je vais vous montrer que la vie est une merde, mais je vais vous faire croire autre chose en vous égarant dans des circonvolutions issues de mon esprit supérieur, et puis à la fin, je vous filerai à tous une baffe en vous démontrant, en plus, qu'il n'y a aucune raison d'espérer.

Côté mise en scène, j'ai été littéralement bluffé par l'aisance de Seidl que je ne connaissais pas. Ses plans fixes sont souvent somptueux, dignes de tableaux de Lucian Freud ou de Hockney (on est loin de l'esthétisme petit bourgeois de MH), son sens du rythme est étourdissant (le film est une alternance de petites scènes rapides et de longs plans sidérants), la photographie est magistrale.

Impossible de passer sous silence la performance de l'actrice Margaret Tiesel, qui joue sûrement une partie considérable de son être le plus intime dans cette aventure, mais qui le fait avec une sensibilité et une maestria qui m'ont donné les larmes aux yeux.

La population kenyane n'est montrée qu'au travers de ses beach boys, prostitués inavoués qui donnent leur plaisir aux sugar mamas. Le tableau n'est donc pas très séduisant, mais il donne au film toute une dimension politique supplémentaire : formidable retour de bâton du colonialisme, le film nous inflige aussi une grosse claque de ce côté là.

Comme pour toutes les grandes oeuvres, il me semble que je pourrais écrire des paragraphes entiers sur certains aspects du films, mais comme je prête attention à maintenir l'intérêt du lecteur, je ne le ferai pas. Simplement, à titre d'avant-goût pour un deuxième article, je pourrais écrire longuement sur : la scène d'ouverture qui montre Teresa en Allemagne dans son activité professionnelle, l'utilisation géniale des décors naturels, le sens du grotesque (le noeud rose, l'orchestre, la scène avec les singes), l'absence de musique, la sexualité féminine.

Au final, un beau film sur la laideur, puissant, signifiant et qui se coltine franco avec la réalité des classes moyennes. L'inverse de MH.

Vivement la suite de la trilogie.

Ulrich Seidl sur Christoblog : Paradis : foi / Paradis : espoir

Vu au Festival du film asiatique de Deauville en 2013. Le film n'est pas sorti en France.

Ce film étonnant de Brillante Mendoza ne ressemble en rien à ses précédents.

Thy womb est tourné parmi les populations musulmanes de petites îles complètement isolées au large des Philippines. On suit plus particulièrement un couple assez agé sans enfants.

La femme décide que son mari mérite une descendance et se met en quête d'une femme pour lui.

Mendoza commence à dresser un tableau quasi-documentaire de la vie très rude de ces peuplades éloignées de tout, ce qui donne au film un étrange aspect de tableau vivant aquatique qui rappelle tout à fait un autre film se déroulant dans le même type d'environnement : le mexicain Alamar.

Progressivement on s'attache au personnage joué par la formidable actrice Nora Aunor (une star aux Philippines), et alors qu'on s'attend à s'ennuyer ferme, on est progressivement surpris par les développements d'une situation un peu ubuesque, et qu'on n'imagine pas du tout pendant la première partie du film.

Si la progression de l'intrigue est très lente, il règne dans le film une atmosphère un peu magique, envoûtante, que Mendoza zèbre d'éclairs d'inquiétude ou de violence (la menace sourde de groupes terroristes est permanente). Thy womb constitue au final le tableau poignant d'humanité d'une femme force de la nature. La mise en scène, bien que plus discrète que dans les autres films de Mendoza, reste absolument limpide.

Brillante Mendoza sur Christoblog : Kinatay / Lola / Captive

Comme beaucoup d'autres l'ont dit, le nouveau film de Gus Van Sant ne ressemble en rien à du Gus Van Sant. Il faut attendre un des derniers plans du film pour voir un homme en train de marcher et filmé au ralenti : c'est dire !

Passé ce préliminaire, et tentant donc de considérer le film uniquement pour ce qu'il est, je dois avouer qu'il m'a paru plutôt agréable.

Loin d'être le pensum anti gaz de shiste qu'on pouvait craindre, Promised land s'avère être un tableau très juste de la campagne américaine, loin des habituels clichés : les habitants n'y sont pas tous nuls, ni tous sympas, ni tous red neck.

L'avancée de l'intrigue est sympathiquement rythmée par la connivence qui règne entre un Matt Damon décidément excellent dans ce type de rôle de mec mal dégrossi, et une Frances McDormand à croquer.

Les enjeux économiques, moraux, écologiques, commerciaux, sont esquissés avec une grande subtilité, et toujours incarnés à travers un personnage, c'est la grande force du film. Si le coup de Trafalgar qui secoue le film m'a agréablement surpris (je mets quiconque au défi de le voir arriver), la toute fin m'a paru assez fade.

Au final, le film est tout de même recommandable. A noter qu'on entend pour la deuxième fois en peu de temps la chanson de Springsteen Dancing in the dark comme marqueur de l'Amérique profonde (après The place beyond the pines).

Gus Van Sant sur Christoblog : 2007 - Paranoid park (**) / 2008 - Harvey Milk (***) / 2011- Restless (****)

La belle endormie est construit autour d'un fait divers qui a divisé l'Italie : l'histoire d'Eluana Englaro, jeune fille plongée dans le coma depuis 17 ans, que son père a décidé de "débrancher", provoquant la colère du Vatican et moult débats, y compris au Parlement, tenté de légiférer en urgence.

Marco Bellocchio ne montre à aucun moment Eluana ou sa famille, mais construit une fiction ample et romanesque autour de plusieurs personnages en rapport avec cette affaire, mais sans liens entre eux : un sénateur, sa fille, un couple de frères dont un est bipolaire, un médecin, une droguée, une actrice dont la fille est également dans le coma (splendide Isabelle Huppert).

On suit avec intérêt l'évolution de tous ces personnages, qui en quelques jours traversent plusieurs états d'âme, et doivent faire face à des décisions fondamentales, de plusieurs types.

Même si les histoires sont d'intérêt très inégal, j'ai été franchement séduit par la mise en scène de Bellocchio (on pense parfois à l'Almodovar de Parle avec elle, évidemment), et par l'intensité qu'il réussit à donner à certaines scènes. Alba Rohrwacher m'a tapé une fois de plus dans l'oeil, son interprétation est à la fois fine et dense.

Le film est aussi clairement politique, et profondément critique envers l'influence de la religion catholique. Certaines scènes sont édifiantes, comme celle dans laquelle on voit les sénateurs suivre les débats de leur sauna, comme directement sortis de la Rome antique.

Bellocchio parvient à évoquer bien d'autres sujets que l'euthanasie, et réussit un film bancal, singulier, un peu trop éparpillé, mais finalement aimable.

L'année dernière à Cannes, la Colombie était particulièrement à l'honneur, avec La playa présenté à Un certain regard, et La Sirga à la Quinzaine.

Pas facile de parler de ce film autrement qu'en disant qu'il s'agit d'une sorte de Désert des Tartares lacustre, ce qui n'incitera probablement personne à aller le voir.

Les paysages sont sublimes, comme la photo ci-contre le montre. On suit une jeune indienne fuyant la guerre civile, qui se réfugie chez le dernier membre de sa famille qui tient une auberge : La Sirga.

Le véritable personnage du film est d'ailleurs peut-être cette maison de bois, à la fois branlante et solide, qui semble posséder une personnalité propre. Le film, lent et aquatique, taiseux, semble vouloir porter des valeurs panthéistes. On a du mal à s'attacher à l'actrice principale qui ne sourit jamais. Le comportement de l'ensemble des personnages paraît hermétique et difficile à comprendre.

Les 1h30 du film s'écoulent tranquillement, dans une relative indifférence, au milieu des roseaux, en attendant les touristes, qui ne viendront jamais, et d'éventuels brigades armées, jusqu'à une fin improbable.

Si le film possède de vraies qualités (quelques beaux mouvements de caméra, une réelle aptitude à capter l'essence de la nature), cela ne suffit pas pour vous le conseiller.

L'annonce de la sélection officielle a eu lieu jeudi. Le détail est ici, sur le site officiel.

Le programme semble sur le papier meilleur que celui de l'année dernière.

Prenons par exemple les asiatiques. La sélection regroupe 3 pointures : les japonais Hirokazu Kore-Eda (Nobody knows, Afterlife, Still walking, Air doll) et Takashi Miike, qu'on ne présente plus, ainsi que le chinois Jia Zhangke (Still life), probablement un des cinéastes les plus doués de sa génération.

Côté français, on attendait Asghar Farhadi (La séparation), Addellatif Kechiche, Roman Polanski, et Arnaud Desplechin. Beaucoup moins François Ozon et Arnaud des Pallières, que je ne connais pas.

Mais c'est surtout la sélection américaine qui est bien plus alléchante que les Cogan, Sur la route et autre Lawless de 2012 : la projection du film de James Gray devrait être un grand moment, comme celle du film de Soderbergh, son dernier d'après lui... Cette bio de la star gay Liberace, que les studios américains ont refusé de produire, trouve donc asile à Cannes, terre d'accueil. Les frères Coen et Winding Refn, ce dernier dans une veine semble-t-il ultra violente, étaient également prévus, à l'inverse du nouveau film de Alexander Payne, Nebraska, proposé au dernier moment.

Si l'Espagne n'a pas de représentant cette année, on parlera quand même espagnol avec le mexicain Escalante (collaborateur de Reygadas). L'Italie présente Paolo Sorrentino, chouchou de Thierry Frémaux qui l'invite pour chaque film, et Valeria Bruni-Tedeschi, seule femme en compétition.

Egalement dans la course à la Palme d'Or, Mahamat-Saleh Haroun (auteur du très beau Un homme qui crie) représentera l'Afrique et Alex Van Warmerdam, réalisateur hollandais passablement iconoclaste (Les habitants), sera le seul réalisateur d'Europe du Nord.

En dehors de l'Espagne, le Royaume-Uni, la Roumanie, la Russie et la Corée sont les autres grands absents.

Hors compétition, on sera très impatient de voir le nouveau film de JC Chandor (Margin Call) avec un seul acteur, Robert Redford, le film américain de Guillaume Canet, Blood ties, et aussi Blind Detective de Johnnie To en séance de minuit.

La sélection Un certain regard accueille des réalisateurs qui feraient le bonheur de Venise ou Berlin : Sofia Coppola, Claire Denis, James Franco, Alain Guiraudie, Rebecca Zlotowski (Belle épine), Rithy Panh, Mohammad Rasoulof (auteur du très beau Au revoir). Cette section est un bon marqueur des cinématographies les plus vivantes, avec pour cette année, deux films philippins et un mexicain. A noter aussi, comme l'année dernière avec Les bêtes du Sud sauvage, la présence du grand prix de Sundance : Fruitvale station, de Ryan Coogler.

J'en salive d'avance...

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Difficile d'émettre des critiques face à une oeuvre aussi démesurée que le dernier film de Wong Kar Wai, cinéaste adulé des cinéphiles, et qui sur ce terrain là ne connaît que Terence Malick comme concurrent sérieux. Rappelons quelques chiffres sidérants : 10 ans pour que le film se concrétise, de nombreuses interruptions dans le tournage (Tony Leung a appris le kung-fu pendant 4 ans et s'est cassé le bras deux fois), la scène initiale sous la pluie a nécessité un mois de tournage, le combat entre Ip Man et Gong Er aussi (et plus de deux ans de montage pour cette seule scène), la construction du bordel a duré 6 mois, etc...

La somme des talents réunis sur ce film, que ce soit pour les chorégraphies, la musique ou la photo, est aussi considérable, comme le nombre de références que convoque WKW (Sergio Leone, Alira Kurosawa).

Bref, si je cite tous ces éléments, ce qui n'est pas mon habitude, c'est parce que le film donne cette sensation d'écrasement, de trop-plein. Les images sont belles, les ralentis sont toujours magnifiques, mais je suis resté relativement insensible devant cet étalage de virtuosité.

C'est d'abord très difficile de comprendre les enjeux qui se jouent en début de film entre les différentes écoles de kung-fu. On comprend vaguement qu'il y a une philosophie derrière les valeurs que véhicule chacune d'entre elles, mais je suis resté sur ma faim.

La deuxième partie, plus intéressante à mes yeux, donne à sentir le poids du temps qui passe, et comme à son habitude WKW excelle à filmer la nostalgie.

Certains éléments m'ont tout de même déçu, notamment les gros plans un peu convenus (gouttes d'eau, sang, flammes), presqu'indignes dans leur facilité d'un grand cinéaste comme WKW. Très étonnant également, les images d'après générique de fin, pas du tout dans l'esprit du film.

Difficile à conseiller à ceux que les arts martiaux laissent indifférents, The grandmaster est un film qui impressionne plus qu'il émeut.

Faire un film pour une actrice présente toujours un risque : que le reste soit nul.

Et c'est effectivement ce qui se passe ici.

Prenons Gabriel Byrne : il est passablement ridicule dans son costume un peu trop cintré, passant d'obscurs coups de fil, légèrement ventripotent, avec le charisme d'une huître en fin de vie. Qui peut raisonablement tomber amoureux d'une barrique aux cheveux pas net, à l'élocution difficile, au sourire rare et qui au plus fort de l'amour ne condescend qu'à déboutonner le deuxième bouton de sa chemise ? Personne.

Et la musique ! Pourquoi ponctuer certaines scènes d'une musique classique bien signifiante ? Autant embaucher un figurant qui viendra ajouter un panneau  "Emotions, pleurez" sous le nez de la caméra, ce sera plus simple.

Quand aux décors de la fête de la musique, il sont passablement ridicules, et notre couple d'amoureux écoute les concerts de musique exotique avec autant de conviction que le Pape un concert de heavy metal. Tout sonne faux dans le film, des grosses ficelles du scénario (ah, l'oubli opportun de la batterie de portable) jusqu'aux seconds rôles.

Alors oui, Emmanuelle Devos est bien, mais pour le coup je souhaitais plutôt voir un film que contempler une icône patiemment dessinée par un cinéaste amoureux.

Je ne pensais plus devoir attendre quelque chose d'agréable de la part de Soderbergh, surtout après le lénifiant, et lui aussi médical, Contagion.

Erreur ! Autant Contagion souffrait d'une intrigue lâche et d'approximations coupables, autant Effets secondaires renoue avec une solidité scénaristique de premier ordre. Le film évolue d'une chronique de la folie vers un thriller criminel, tout en multipliant les fausses pistes (le film-procès contre les labos, le film-thèse sur la responsabilité morale et juridique).

J'ai pris un plaisir primaire à me faire manipuler avec autant de brio, quitte à gober quelques renversements de points de vue dans l'absolu improbables, mais finalement très cohérents au sein du film.

La mise en scène de Soderbergh est extrêmement maîtrisée, très classique dans sa forme et ses effets visant tous à amplifier le suspense ou à l'inverse l'explication. On est proche ici de l'esprit du meilleur de Hitchcock. Soderbergh impose ici un style dépouillé, sobre, et en même temps expressif, qui le place dans une longue et noble lignée de cinéastes classiques, prenant plaisir à raconter une histoire complexe et plaisante.

Jude Law est tout bonnement époustouflant, et le reste du casting est proche de la perfection. La musique est remarquable.

Difficile de trouver un défaut au film, qui procure du plaisir en flattant l'intelligence, ce qui est de moins en moins courant.

Ayant raté le film à sa sortie, j'ai profité du Festival du Film Espagnol de Nantes 2013 pour aller voir le deuxième film de Juan Antonio Bayona (L'orphelinat).

Le sujet du film est limpide : c'est l'histoire vraie d'une famille espagnole victime du tsunami en Thaïlande (on voit d'ailleurs une photo de la famille dans le générique de fin). La mère est emportée avec le plus grand des trois garçons, alors que le père parvient miraculeusement à sauver les deux plus jeunes, puis à retrouver sa femme.

La première partie du film m'a enthousiasmé. L'atterrisage, les jeux et les cadeaux de Noël dans le village-vacance, les petits tracas liés au travail : tout cela est très bien montré, et Bayona parvient à ménager un vrai suspense, à peu de frais. On sait que la vague peut arriver à tout moment, VA arriver, et le sentiment éprouvé de l'imminence de la catastrophe est très intense.

D'ailleurs le tsunami lui-même est filmée magnifiquement, cela fait bien longtemps que je n'avais pas ressenti un telle impression de réalisme au cinéma. La façon dont Bayona peint l'attitude de la mère, gravement blessée, force l'admiration. Naomi Watts et le garçon sont remarquables. Cette partie du film, absurdement réaliste et totalement sans pathos, est parfaite.

Las ! Le passage de relais à Ewan McGregor gâche le plaisir, car d'une description saisissante de réalisme le film passe alors à une mièvrerie sentimentale dont on se serait bien passé, d'autant plus que l'enjeu du père paraît bien dérisoire : pourquoi met-il en danger ses deux plus jeunes fils pour rechercher sa femme et son aîné alors qu'à l'évidence la santé de ces deux derniers est indépendante du fait qu'il soient avec lui (ils seraient plus en sécurité dans un hôpital) ?

Le film dégringole dans sa deuxième partie une à une les marches de l'escalier de la facilité.

Dommage.

Les lendemains, premier film de Bénédicte Pagnot, est un film modeste.

Modeste dans son propos : Audrey est une jeune fille sans histoire, qui vient d'avoir son bac, et qui part en fac à Rennes. Elle rencontre des squatters, et partage leur expérience, de plus en plus radicale.

Dans la première partie, Audrey a les cheveux longs et un magnifique sourire. Elle regarde le monde avec un regard qui est encore émerveillé. Dans la seconde partie, elle a les cheveux courts, et son regard s'obscurcit à mesure qu'elle entre en action.

Les lendemains est aussi un film modeste dans ses moyens : une mise en scène sensible, très proche des acteurs, mais sans esbroufe, un montage resserré, des décors quelconques. Tout dans le film respire l'économie de moyens, mais aussi la profondeur de réflexion, l'attention aux détails. Le film a été imaginé, produit et tourné en Bretagne, ce qui lui donne un vernis absolument provincial.

Construit sur des thèmes assez proches d'Après mai (le passage à l'âge adulte, l'extrême gauche, les utopies de la vie communautaire), le film est diablement plus fin que le pensum nombriliste d'Assayas.

Les lendemains révèle enfin une actrice formidable, la jeune Pauline Parigot, qui prend en charge sur ses frêles épaules une bonne partie des risques contenus dans le scénario (une relative passivité du personnage principal, des tatonnements qui font se demander où va le film). Les scènes qu'elle joue avec son amie d'enfance (Pauline Acquart) sont très belles, à l'instar de celle qui ouvre le film.

Un beau film a découvrir, qui a remporté le Prix du public au Festival Premiers Plans d'Angers.

Vu ce soir au Katorza, en présence de Bénédicte Pagnot et de son producteur Gilles Padovani, qui ont longuement répondu aux questions des spectateurs. Où l'on a eu confirmation que tourner un long-métrage est souvent le fruit d'une obstination durable : le projet s'est étiré sur 10 ans....

Dans la catégorie des cinéastes qui font un film en forme de documentaire sur leur propre famille je connaissais le génial Jonathan Caouette (Tarnation, Walk away Renée), l'impayable Maïwenn qui a glissé nombre d'éléments autobiographiques dans Pardonnez-moi, et l'incroyable inconnu Jan Raiber (Tous mes pères). Il faudra désormais ajouter à cette liste la jeune canadienne Sarah Polley.

Dans Stories we tell, elle part à la recherche de ses origines : son père (introverti), sa mère (force de la nature), ses frères et soeurs.

Rapidement un mystère sur l'identité exacte de son père surgit, et commence une quête pour répondre à la question de la paternité.

Le film, comme tous les bons documentaires qui se respectent, fontionne par la grâce d'un montage profondément manipulateur, qui démontre la puissance de cet outil au cinéma. Sugar man est un autre exemple récent de documentaire monté comme une fiction.

Le souci, c'est qu'ici la narration est un peu répétitive, et souvent trop démonstrative. Le film connaît vers son milieu une grosse panne, une fois la révélation principale dévoilée, et peine à trouver un second souffle. Il manque à Sarah Polley le lyrisme poétique et foutraque de Caouette, ou l'amateurisme burlesque de Raiber.

Si on comprend bien pourquoi et comment Sarah Polley mène son film (une quête intime, une analyse publique...), on se demande tout à coup ce que cette histoire peut avoir d'exemplaire, ou même d'intéressant.

Malgré ses réserves, l'expérience n'est pas inintéressante et reste irradiée par la personnalisité incroyablement solaire de la mère, dont on finit par se dire qu'elle est le véritable coeur du film - les pères étant au final (qu'ils m'excusent) un peu fades.

Les films de SF des années 2010/2013 (Prometheus, Tron : l'héritage) cumulent en gros les mêmes qualités esthétiques et les mêmes défauts structurels qu'Oblivion.

Au rayon des qualités, il faut reconnaître au film de Kosinski une certaine beauté plastique, dûe en grande partie aux décors, notamment à celui de la station perchée dans les cieux. Les vêtements, les meubles et la déco rétro-futuriste font leur petit effet. D'autres aspects sont plus disscutables, comme les flingues en carton-pâte, la combi en papier sulfurisé et la moto playmobil.

Deuxième intérêt du film : le pouvoir de séduction des deux actrices. Andrea Riseborough est renversante en glaciale beauté rousse, et Olga Kurylenko n'a pas grand-chose à faire pour capter l'attention.

Au rayon des éléments moyens je mettrais volontiers le scénario. Somme toute prévisible et franchement lourdingue par moment, on ne peut nier qu'il possède un certain charme et surtout une vraie cohérence, ce que ne possédait pas celui de Prometheus.

Toujours dans la catégorie "moyen" j'ai beaucoup de mal à me prononcer sur la performance de Tom Cruise, qui, s'il n'est pas mauvais, ne donne pas l'impression d'avoir adapté son travail au contexte de la SF. Il bouge, sourit et porte des lunettes de soleil comme dans les Mission Impossible, et c'est un peu dommage.

Quand aux défauts du film, je synthétiserai en disant que le film manque singulièrement de personnalité. Son rythme est trop lent, certains détails sont franchement ridicules (oh, la petite cabane et son panier de basket, gloire aux Etats-Unis éternels), et les ruptures de ton nuisent à la cohérence du film. Des personnages ne sont qu'esquissés et certaines péripéties semblent franchement artificielles. On ne peut s'empêcher de penser au détour d'un décor ou d'un costume à d'autres films de SF, autrement plus convaincants, comme Star Wars, Alien ou 2001. C'est mauvais signe.

Au final, je déconseille donc. En matière de SF les derniers films marquants restent donc le Star Trek de JJ Abrams et la partie futuriste de Cloud Atlas.

Pieta, Lion d'or au dernier festival de Venise, est un film sparadrap.

Vouliez-vous en oublier le propos, l'ambiance ou le souvenir, que le film de Kim Ki-Duk vous poursuivra au plus profond de vos nuits, sans rémission. Car le film est ainsi : sec, aride, violent comme un coup de poing, peu aimable, comme du Pialat trash à la sauce coréenne, un objet qu'on pense détester avant de se rendre compte, avec horreur, qu'il a pris possession de votre âme.

Deux mots du pitch, avant d'aller plus loin, et sans spoiler, ce qui serait suprêmement dommageable (mais dire cela c'est déjà spoiler) : Kang-do recouvre des dettes. Il n'hésite pas à estropier ses victimes pour cela, afin qu'elles touchent une assurance (et parfois, comble de l'horreur, avec leur bénédiction). Un jour une femme se présente, qui est la mère de Kang-do, et entreprend de le sauver du mal...

Le film est remarquable de plusieurs points de vue. D'abord sa photographie, d'une beauté sur-réelle, qui rend les horreurs décrites presque aimables. Pieta, c'est un peu Léonard de Vinci qui illustre Sade ou Bataille. La mise en scène de Kim Kim-Duk est souveraine, aérienne, précise, cruelle. Le jeu des deux acteurs principaux est absolument magistral : lui est charismatique avec sa lippe boudeuse et sa lente transformation, elle est rayonnante. Quant au scénario, il est d'une complexité étonnante, la seconde visite à chacune des victimes s'avérant beaucoup plus ambigüe qu'il n'y paraît.

Ajoutez à cela l'incroyable génie des décors qui caractérise le film, et le tableau saisissant d'un quartier de Séoul qui se meure, et vous obtiendrez une pièce marquante du cinéma coréen contemporain.

Le film, qui ne présente aucune image gore, est considéré par certains comme extrêmement violent (témoins ces vagues de spectateurs bon chic bon genre quittant la salle à Deauville lors d'une fameuse scène qui s'avérera - ironie du script - autre chose que ce qu'elle paraît être, mais ceux qui ont quitté la salle ne le sauront jamais). Il ne l'est que par ce que nous pensons, nous spectateurs, de ce que nous voyons. Où est la bassesse, où est la raison, où sont les tords des uns et les raisons des autres ? Pieta est doistoievkien en diable et c'est pour cela que je l'aime.

Un oeuvre forte à déconseiller aux âmes chastes.

Au milieu de ma semaine cannoise 2012, j'ai eu la surprise de voir ce joli film, dans une petite salle repassant en fin de soirée des films de la Quinzaine. Merzak Allouache était là, avec une bonne partie de ses acteurs, qui, disons-le, sont tous excellents.

Il y avait dans l'air une atmosphère de gravité et d'émerveillement, lié au sujet du film, que je ne dévoilerai que très partiellement, pour ne pas gâcher votre plaisir de spectateur. Difficile dans ses moments d'émotion d'imaginer qu'Allouache est aussi le réalisateur de Chouchou.

D'abord, saluons le procédé narratif, très malin : un personnage donne une info à un autre lors d'une conversation téléphonique. On ne saura qu'à la fin du film la teneur, évidemment dramatique, de cette info, autour de laquelle tout le film va graviter.

Dans le contexte de l'histoire algérienne récente, de sa guerre civile et de ses horreurs, Le repenti traite avec un certain brio de la notion d'amnistie, et de pardon (la "Concorde civile" qui permit à certains islamistes de se réinsérer dans la société). Le début du film est particulièrement réussi, avec un côté naturaliste très plaisant. Il se développe ensuite sur un mode un peu trop lent, parfois opaque, avant un final particulièrement spectaculaire. Comme un bon vin il possède une belle longueur en bouche.

Le film a été très mal reçu en Algérie, ce qui révèle beaucoup de la profondeur des plaies encore ouvertes.

Une découverte.

Il arrive qu'on sorte d'une salle de cinéma en pensant simplement : "Quel beau film".

Cela n'est pas si fréquent, les films étant souvent ratés, impressionnants, amusants, affreux, hilarants, légers, intenses, surprenants... mais rarement simplement beaux.

C'est pourtant bien l'adjectif qui vient à l'esprit après la projection du premier film d'Antonio Méndez Esparza, tourné au Mexique.

De quoi s'agit-il ? D'un musicien mexicain qui a été contraint de s'expatrier aux USA, et qui revient dans sa famille. Il retrouve sa femme, qui est enceinte et va accoucher, et ses deux filles, qui ne l'ont pas vu depuis longtemps. Il cherche du travail, monte un groupe de musique, et cherche simplement à vivre une vie douce et heureuse.

Le film n'est pas plus qu'une tentative de filmer le bonheur, mais il l'est intégralement. Le jeu des acteurs et actrices respire la sincérité et la sensibilité. La mise en scène est superbe, à base de plans assez larges et souvent fixes. L'acuité, la douceur, la tendre exigence du regard que le réalisateur pose sur son histoire et ses personnages rendent le film unique.

Si parfois on pourra trouver Aqui et alla un peu lent, c'est parce qu'il prend son temps pour décrire les sentiments des uns et des autres. Les moments de joie ou de tension sont captés par une caméra hyper-sensible, et donnent des moments d'intense beauté, comme ce long plan-séquence durant lequel Pedro joue de la guitare, où un de ces derniers plans où l'on voit les deux jeunes soeurs converser à propos du départ de leur père.

Au final, Ici et là-bas est un film à conseiller à tous ceux qui aiment un cinéma calme et attentif. Le jury de la Semaine de la Critique 2012, présidé par Bertrand Bonello, ne s'y est pas trompé, en lui discernant son Grand Prix.