La filmographie de Sergei Loznitsa est pour l'instant pratiquement irréprochable, et en même temps pas facile d'accès.
Après son remarquable Une femme douce, véritable trip visionnaire sous anxiolytique, Loznitsa nous embarque cette fois-ci dans un voyage dans le Donbass occupé par l'armée russe qui emprunte à la fois à Kafka et au cique Zavatta.
Après plusieurs séquences un peu fades, le film devient brutalement très déstabilisant à travers une série de vignettes plus dérangeantes les unes que les autres : peloton de garde perdu dans la neige, abris souterrains surpeuplés, tableau du racket organisé par l'armée d'occupation, mariage célébré par une députée de la Nouvelle Russie. Dans son escalade grotesque et glaçante, le film est à ce moment-là assez désagréable à regarder et pleinement édifiant.
Du point de vue de la mise en scène, c'est magistral (Prix de la mise en scène à Un certain regard à Cannes 2018), et on est scotché par la dernière scène, contrepoint sinistre de la première. Du grand art, pas forcément facile à regarder.
Bien qu'il ne cherche pas à l'être, le film de la Kényane Wanuru Kahiu est d'abord un film politique : premier film kényan sélectionné à Cannes, rare film africain LGBT, interdit dans son pays, puis cyniquement autorisé une semaine en salle pour pouvoir être présenté aux Oscars.
Drôle de carte de visite pour une oeuvre volontairement modeste, avant tout manifeste pop : un générique qui claque comme un clip, des couleurs pimpantes sur les vêtements et les murs, une musique entraînante. Malgré une intrigue particulièrement mince (un amour, sa naissance, les obstacles qu'il surmonte), Rafiki parvient à convaincre grâce notamment au jeu des deux actrices, qui sont splendides.
Le travail sur les lumières, les gros plans sur les visages et l'inventivité du montage rendent le film plaisant et diablement attachant. Il y a un petit quelque chose de La vie d'Adèle à Nairobi dans cette belle histoire d'amour, y compris dans la façon dont le temps s'écoule. A découvrir.
Difficile de dire du mal de ce petit film mignon qui tente de renouer avec une certaine comédie française enlevée : on pense par exemple aux films de Philippe de Broca, et Dujardin a des airs de Bébel.
Si ce dernier s'en sort à merveille en goujat amoureux, Mélanie Laurent est encore meilleure. On savoure sa verve imaginative, et le film peut d'ailleurs s'envisager comme une ode à l'écriture, qui finit pas façonner la réalité.
Malgré ces qualités sympathiques, il faut bien reconnaître par ailleurs que Le retour du héros souffre de quelques faiblesses criardes : péripéties téléphonées, scènes d'action ratées (la charge héroïque), essoufflement de l'intrigue, dialogues parfois lourdingues.
Le film se laisse toutefois regarder avec un plaisir coupable, un dimanche soir pluvieux par exemple.
Tout est plutôt bien fait, dans le dernier film de Jacques Audiard, comme d'habitude, et pourtant j'ai vainement attendu le grand frisson.
L'image est belle, le choix des décors (très américains, mais pas souvent vus au cinéma) est parfait, la reconstitution de l'ambiance du far-west au moment de la ruée vers l'or est admirablement rendue. On croit à ce qu'on voit, sans jamais avoir l'impression de décors en carton pâte.
Les acteurs sont formidables. Joaquin Phoenix est magnétique en bad boy à tendance suicidaire, Riz Ahmed épatant en idéaliste charismatique, et Jake Gyllenhaal très juste en détective pensif. Mais le meilleur de tous, c'est John C. Reilly, tour à tour attendrissant, violent, protecteur, affaibli. Il parvient par son jeu subtil à balayer toute une palette d'émotion.
Malgré toutes ces qualités (on pourrait y ajouter la curiosité de découvrir l'invention de la brosse à dent), le film parvient difficilement à susciter l'intérêt. Si certaines scènes portent bien la marque de son réalisateur (je pense par exemple à l'expressionnisme nocturne de la fusillade d'ouverture), il lui manque la vivacité du scénario de la première partie de Dheepan par exemple, ou le charme des visions oniriques qui parsemaient De rouille et d'os.
La promenade que propose Audiard dans l'Ouest américain est donc plaisante, mais c'est probablement parce que le scénario est un peu évanescent que le film ne décolle que très rarement. Les dernières scènes dans la maison familiale résument ce que je pense du film : elles sont admirablement filmées, et ennuyeuses.
A l'occasion de sa sortie le 26 septembre, je vous propose de gagner 2 exemplaires du magnifique coffretThe seven ups, qui regroupe DVD, Bluray et livre.
L'occasion pour vous de découvrir ce classique oublié du film policier, réalisé dans les 70s par Philip d'Antoni, le réalisateur d'un seul film, mais le producteur de Bullit et The french connection.
Pour ce faire :
- répondez à la question suivante : " Qui joue le rôle de Vito Lucia ? "
Vous recevrez ensuite le coffret envoyé directement par le distributeur.
NB : un des deux coffret sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aiméma page FBou mon compteTwitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).
J'aurai rarement eu au cinéma autant l'impression de monter dans un grand huit sensoriel qu'en regardant Climax.
Unité de temps, de lieu, d'action : Gaspar Noé tourne en 15 jours une descente aux Enfers à la facture très classique. Après quelques minauderies un peu vaines bien qu'amusantes (des logos détournés, le générique de fin au début, des interviews de danseurs et la pile de DVD de Noé), le film commence vraiment. S'enchaînent alors de fabuleux plans séquences pendant plus d'une heure.
On commence par des chorégraphies hip hop (pour simplifier) démentes qui donne envie de voir Gaspar Noé tourner une comédie musicale. Le rythme et l'énergie des danseurs perforent littéralement l'écran. Petit à petit, la sangria arrangée rend les danseurs un peu dingues en révélant leurs mauvais penchants. La caméra sort alors de la salle de danse pour s'égarer dans les locaux techniques, la cuisine et les chambres, et nous montrer dans un flamboyant et sinueux cauchemar toute la noirceur de l'âme humaine.
Pour une fois, Noé ne montre pas les délires vécus par ses personnages de l'intérieur (en caméra subjective), comme il le faisait dans Into the void par exemple, mais adopte un point de vue distancié, de l'extérieur, sans aucun effet spécial. Son cinéma y gagne une densité nouvelle : l'horreur ne résulte pas d'effets frelatés mais de l'acuité distanciée avec laquelle les comportements de la bande sont montrés.
On peut ainsi voir une jeune femme prendre littéralement feu suite à une mauvaise manipulation, puis s'éloigner pour s'intéresser à d'autres personnages tout en sachant qu'une fille est en train de brûler quelque part dans les pièces voisines. Multiplié tout au long de cette nuit violente, le procédé crée un maelström d'une grande beauté : Climax est un feu d'artifice à combustion lente, mêlant corps, bassesses et drogues.
Le film captive sans finalement choquer : une première pour Gaspar Noé, et pour moi son meilleur film.
Ce premier film de la réalisatrice marocaine Meryem Benm’Barek a de nombreux atouts, propres à séduire spectateurs et critiques : des sujets de société traitant âprement du Maroc contemporain (répression des relations sexuelles hors mariage, violence faites aux femmes, différences de classes), une réalisation brute qui colle à son sujet et un twist surprenant en milieu de film.
Malheureusement, le film (qui ne dure pourtant que 1h20) semble avoir été étiré un peu artificiellement pour constituer un long-métrage. Il en résulte quelques plages un peu molles ici ou là. L'organisation de toute la narration autour du twist central nuit aussi au rythme du film : le mutisme initial de l'actrice principale, un peu énervant, ne s'explique que dans la deuxième partie.
Sofia aurait constitué un excellent moyen-métrage de 50 minutes. Il peine dans son format final à tenir la distance.
Excellente surprise que ce nouveau film d'Emmanuel Mouret, qui s'était un peu perdu au fil du temps dans un monde de radotage libertin et contemporain.
En transposant son goût pour la dialectique subtile et parfois perverse au XVIIIème siècle, Mouret réalise un coup de maître.
Sa langue châtiée et déliée à la fois se marie admirablement avec l'époque, et Cécile de France et Edouard Baert, tous deux excellents, semblent se délecter des dialogues, il faut le dire, absolument brillants.
Le scénario est suffisamment subtil pour intriguer, séduire, surprendre et enfin renvoyer chacun à sa conscience quand il s'agira à la fin du film de savoir quel personnage est aimable. Ce n'est d'ailleurs pas le moindre mérite de Mouret de donner à voir des émotions profondes à travers le filtre de propos légers, et d'habiller la cruauté du plus beau des sourires.
Une franche réussite, de plus très joliment filmée.
Dans le paysage du film indépendant américain, on a l'habitude de moquer l'omniprésence du film typé "Sundance" : réalisé proprement, un peu noir mais pas trop, et avec beaucoup de bons sentiments (et mieux encore : des enfants).
Thunder road détonne totalement dans ce cadre : le personnage est horripilant (voire antipathique selon votre sensibilité), la mise en scène n'a rien de lisse, et le sujet est à la fois quelconque (un tableau de l'american way of live) et déstabilisant (idem).
Le film dresse le portrait d'un homme, Jimmy Arnaud, policier texan, en train de tout perdre. Mère, femme, enfant, métier, famille, maison. Jimmy est profondément décalé par rapport à la réalité, à tel point qu'on doute souvent de sa santé mentale : il adopte des comportements que l'Amérique promeut tous les jours (l'héroïsme, le respect de l'autorité, un certain type de virilité), tout en étant constamment en léger décalage avec ce qu'il conviendrait de faire. Jimmy dérape donc régulièrement, sur plusieurs plans. Il dit ce qu'il ne faut pas quand il ne le faut pas, adopte le mauvais ton ou la mauvaise attitude, montre trop ses émotions.
Ce décalage perpétuel entre le drame que vit le personnage et son inaptitude à le gérer génère chez le spectateur des sentiments ambivalents de malaise, de pitié et de sidération. Le film est alternativement un drame, une comédie grotesque, un film noir et une chronique sociale.
Si Thunder road ne paraît pas complètement tenir la distance d'un long-métrage, il est suffisamment original pour mérité d'être vu.
Qu'un humoriste choisisse pour sujet de son premier film le portrait sans fard d'un chanteur ringard et vieillissant, c'est déjà curieux. Qu'il décide de l'interpréter lui-même, fardé et grimé, c'est un pari supplémentaire. Qu'il lui donne une forme aussi spécifique que le faux reportage réalisé par un fils naturel ignoré, c'est quasiment, du moins sur le papier, un suicide artistique.
Il faut donc vraiment voir le film pour mesurer à quel point l'exercice d'équilibriste d'Axel Lutz est maîtrîsé. D'un sujet pour le moins rébarbatif (se coltiner la vieillesse d'un chanteur déjà niais quand il était jeune), le réalisateur parvient tout doucement à tirer une leçon de vie qui ne porte pas son nom : le mauvais goût est finalement assez relatif, et la pulsion de vie lui est de toute évidence bien supérieure.
Le spectateur bobo, confortablement engoncé dans ses certitudes (les chansons "d'époque" sont d'une ringardise absolue) se voit à la fin du film presque obligé de reconnaître que la version chantée de Je reviendrai à Montréal est magistrale. Il aura fallu, dans l'espace du film, déployer tout un arsenal de ruses scénaristiques (la scène avec Julien Clerc et Dani) pour y parvenir.
Plus qu'une curiosité, Guy est un délicieux bonbon à la guimauve un peu amère, d'une originalité confondante.
Vous recevrez ensuite les invitations, envoyées directement par le distributeur.
NB : un des deux lots sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aiméma page FBou mon compteTwitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).
Les habitués de Christoblog trouveront peut-être étrange que je commente la sortie de ce documentaire en DVD, dont la qualité en terme de cinéma n'est pas exceptionnelle.
La première raison qui me pousse à le faire, c'est l'intérêt du sujet, pour peu qu'on s'intéresse un minimum au football, ou peut-être encore plus au management.
Comme l'image ci-contre le suggère discrètement, le véritable sujet du film est plus la façon dont Didier Deschamps a réussi à faire d'une bande de jeunes écervelés une équipe soudée que la recension méthodique de leurs exploits sportifs.
Il y a donc un véritable point de vue dans le travail des réalisateurs Emmanuel Le Ber et Théo Schuster : il s'agit de montrer le travail en profondeur du coach, basé sur un discours simple (ténacité, performance, solidarité) et des postures managériales parfaitement maîtrisée (attention à tous, renforcement positif, exigence, exemplarité).
Le film possède même des caractéristiques esthétiques très particulières qu'on pourra apprécier (l'usage des focales, l'étirement de certaines scènes) ou moins (le montage kaléidoscopique des scènes de matchs).
Le résultat est le portrait évanescent d'une tribu qui se construit, dans une sorte de brume beckettienne parfois presque métaphysique (tout le monde semble attendre toujours quelque chose : un train, un massage, un avion, un match, une nouvelle chambre). Le travail de montage montre les egos se dissoudre dans une quête obsessionnelle de l'objectif commun : chacun est à la fois concentré en lui-même (les innombrables plans du "regard perdu au loin avec les écouteurs sur les oreilles", l'exercice abrutissant du panier de basket) et absorbé par la masse du collectif (chacun semble toujours vouloir toucher l'autre à tout instant).
Parfois ennuyeux à dessein, il faut reconnaître au film la faculté d'éviter tout pathos excessif (pas de brosse à reluire pour Macron, pas de scènes sur la visite des familles) pour se concentrer sur la problématique centrale de son sujet : l'alchimie subtile qui a permis à ce groupe très jeune de renverser méthodiquement tous les obstacles.
De ce tableau collectif une personnalité exceptionnelle ressort tout de même. Paul Pogba crève en effet l'écran. Tour à tour tribun inspiré, mémorialiste consciencieux (quand il visionne la finale de l'euro 2000), slameur meneur (quand il salue tous les joueurs dans ce qui semble être une improvisation géniale), Pogba révèle dans le film une personnalité bien plus complexe et attachante que son image bling bling projette.
Pour les amoureux de foot, donc, et pour les autres aussi.
Si le premier film de Romain Gavras m'avait passablement énervé par sa prétention mal dissimulée, je dois avouer que celui-ci m'a plutôt plu.
Le monde est à toi n'est certes pas un chef-d'oeuvre, mais c'est une comédie plutôt bien troussée, qui vaut avant tout par la qualité de son casting. Karim Leklou confirme son immense talent, Vincent Cassel est excellent dans son rôle (à contre-emploi) de gangster timide obsédé par les Illuminati, Isabelle Adjani est (peut-être un peu trop) impériale, et les caméos de Philippe Katerine et François Damiens sont impayables.
On apprécie aussi un scénario bien écrit, des personnages secondaires dessinés avec précision, et des décors utilisés à la perfection (Benidorm, mon Dieu !). Gavras a également bénéficié d'une belle production qui ne lésine pas sur les moyens.
La particularité du film est de recycler des thématiques actuelles (les migrants, les théories du complot, le terrorisme) sans avoir peur du mauvais goût. Cela fonctionne, et donne une des meilleures comédies de l'année.
/image%2F0894743%2F20140129%2Fob_3371b8_pas.jpg)
/https%3A%2F%2Fassets.over-blog-kiwi.com%2Ft%2Fdelicate%2Fimages%2Fheader%2Fheader.jpg)
: Non, et non, et non !
: Mouais, pourquoi pas
: A découvrir
: Dans le top 20 annuel