Christoblog

Le style de Dupontel, à la fois exubérant dans sa forme et rigoureux dans sa structure, se prête particulièrement bien à l'intrigue déjantée et pourtant crédible d'Adieu les cons.

On retrouve ici l'ambiance et la pertinence énervée de 9 mois ferme. Dupontel et la sublime Virginie Efira se donnent la réplique avec beaucoup de classe et de précision dans une intrigue au cordeau, parfaitement ramassée.

Le film est dense, inventif, rythmé. Il n'hésite pas à lorgner du côté du mélo avec une réelle grâce, à l'image de cette séquence finale devant l'immeuble et ses ascenseurs, pleine d'émotion.

On aimera plus ou moins, suivant qu'on entre ou pas dans l'univers stylisé de Dupontel. Pour ma part, j'ai été ému et j'ai pris mon pied.

Ce concours est suspendu pour cause de confinement. Rendez-vous quand les cinémas ré-ouvriront.

A l'occasion de la sortie en salle de Petites danseuses le 4 novembre, je vous propose de gagner 3 x 2 invitations valables partout en France. 

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : quel âge ont les plus jeunes danseuses du film ? 
- joignez votre adresse postale
- envoyez moi le tout par ici avant le 3 novembre 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants. Le film est diffusé par KMBO et son partenaire est Mademoiselle Danse.

NB : un des trois lots sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien)

L'alcool, à dose raisonnable, est un puissant désinhibiteur qui favorise la construction de liens sociaux. A plus haute dose, il s'avère dangereux et destructeur. Voilà le postulat peu original de Drunk, qui dans un premier temps, semble devoir se limiter à ce contenu programmatique.

Le jeu convaincant des acteurs (à l'exception de Mads Mikkelsen, un peu trop monolithique à mon goût) et la fluidité de la mise en scène permettent au film de se maintenir au-dessus de la moyenne, jusqu'à ce que le scénario décolle finalement dans la deuxième partie du film. Drunk prend alors une coloration plus sombre et beaucoup plus intéressante.

Malgré de nombreuses lourdeurs dans le scénario, qui rappelle celles de La chasse, on se laisse donc finalement prendre à ce tableau à la fois amusant et touchant des affres de la quarantaine masculine scandinave. La scène de fin emporte finalement le morceau, offrant au film une échappée bienveillante et explosive. 

A savourer donc, sans modération.  

Thomas Vinterberg sur Christoblog  : La chasse - 2012 (*) / La communauté - 2017 (**)

Kajillionaire est un objet étrange, à la fois film indépendant US typique, comédie gentiment déjantée façon Little miss sunshine, récit d'émancipation, thriller psychologique et romance amoureuse.

Le résultat est mitigé. Le début du film est plutôt plaisant, le temps qu'on découvre avec curiosité chacun des personnages. 

Le jeu stéréotypé d'Evan Rachel Wood agace toutefois rapidement, d'autant plus que le scénario tourne au ralenti au coeur du film, avant de se dynamiser à nouveau sur la fin. 

Personnellement, j'ai décroché vers le premier tiers du film sans jamais vraiment recoller tout au long des longues minutes suivantes (le film dure 1h43). Je n'ai pas vraiment ressenti l'histoire d'amour, ni été convaincu par l'arnaque finale. La mise en scène de Miranda July m'a enfin semblé poussive et terne.

Une déception.

Aurel, dessinateur de presse, passe ici avec bonheur derrière la caméra, pour produire une oeuvre sensible et poétique, à défaut d'être renversante.

L'animation n'est pas le point fort du film, qui est avant tout un film de dessinateur. Pour l'apprécier, il faut donc accepter l'aspect sommaire des mouvements, souvent réduits à une succession de trois ou quatre planches fixes, légèrement vibrantes.

Si l'animation est rugueuse, la mise en scène compense en partie cette faiblesse par une utilisation subtile des dessins (ceux d'Aurel bien sûr, mais aussi ceux, originaux, du dessinateur Josep Bartoli, personnage principal du film). Le film propose également quelques belles idées en matières de lumières, de couleurs et de transitions entre deux séquences.

Le scénario fait l'objet d'une sophistication d'une qualité variable, mais parvient globalement à maintenir notre intérêt. On croise avec plaisir Frida Kahlo et on se cultive en révisant la façon dont la France à accueilli les perdants de la guerre d'Espagne en février 1939. 

Une soirée plutôt agréable, réussie sur le plan esthétique et culturel, qui peine à générer une véritable émotion. A noter que les acteurs prêtant leur voix aux personnages sont tous très bien, avec une mention spéciale pour Sergi Lopez et François Morel, parfait en salopard.

On présente parfois The Eddy comme la série de Damien Chazelle, ce qui est abusif, car il n'en est ni le showrunner, ni le scénariste. Il est l'un des producteurs, et a réalisé les deux premiers épisodes, qui sont plutôt réussis.

La série commence donc très bien, avec un épisode formidable caméra à l'épaule, qui pose un cadre intéressant, donne à voir de la musique vivante, et se termine par un évènement étourdissant.

Certains acteurs et actrices crèvent l'écran dès le début de la série. Andre Holland, vu dans Moonlight, est assez charismatique (mais son personnage est malheureusement mal écrit et assez antipathique). La géniale Joanna Kulig (Cold war) séduit et impressionne, comme d'habitude. Tahar Rahim et Leïla Bekhti sont formidables, et enfin la jeune Amandla Stenberg est une révélation. 

Malheureusement, l'intérêt du spectateur faiblit progressivement au long de ces huit épisodes. Le principe de centrer chaque segment autour d'un personnage (comme Lost !) trouve ses limites quand le personnage n'a rien à dire (c'est notamment le cas de l'épisode 4 consacré à Jude). L'autre grand problème de la série est le manque d'évolution de chaque personnage : chacun garde obstinément sa ligne de départ, même quand celle-ci s'avère catastrophique.

The Eddy reprend un peu de poil de la bête dans les épisodes 7 et 8, avec quelques jolies séquences (l'ouverture musicale de l'épisode 7 est excellente) et un sursaut de l'intérêt de l'intrigue, même si les péripéties criminelles restent au final assez peu crédibles.

En conclusion, la série de Netflix n'est pas désagréable dans son ensemble, formidable par moment (la scène des funérailles par exemple), et plombée par quelques défauts structurels.

A noter que Houda Benyamina (Divines) a réalisé deux épisodes.

A l'occasion de la sortie en salle de Une vie secrète le 28 octobre, je vous propose de gagner 5 x 2 invitations valables partout en France. 

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : en quelle année se déroule l'action du film ? 
- joignez votre adresse postale
- envoyez moi le tout par ici avant le 25 octobre 20 h.
 
Un tirage au sort départagera les gagnants.

NB : un des cinq lots sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien)

Désireux de découvrir le cinéma du jeune Jacques Audiard (je ne connais aucun de ses quatre premiers films)  j'ai enfin profité de mon abonnement OCS en visionnant Sur mes lèvres.

Je ne vais pas tourner autour du pot : j'ai ressenti un véritable choc esthétique à la vue de cette chronique à la fois sensuelle et poétique. 

La mise en scène est d'abord incroyablement inventive et cohérente. Les effets de manche que certains peuvent juger vulgaires chez Audiard trouvent ici leur pleine justification à travers la matérialisation des problèmes d'audition de Carla. Le film parvient miraculeusement à faire ressentir son handicap par des astuces dans la bande-son et dans l'image, mais aussi dans la mise en scène.

Le casting est l'autre point fort du film : Vincent Cassel, Emmanuelle Devos et Olivier Gourmet trouvent ici tous les trois peut-être leur meilleur rôle. Devos compose un personnage emprunté et sensuel qui ne ressemble pas du tout à ceux qu'elle jouera abondamment par la suite, Cassel dégage une énergie et une animalité rare et Gourmet est inquiétant comme jamais.

Sur mes lèvres brille enfin par son scénario redoutablement efficace, au rythme tour à tour alangui et haletant. Du grand art, et pour moi le meilleur Audiard.

Jacques Audiard sur Christoblog : Un prophète - 2009 (***) / De rouille et d'os - 2012 (****) / Dheepan - 2015 (***) / Les frères sisters - 2018 (**)

Avec Stripped, Yaron Shani conclut après Chained et Beloved une série de trois films consacrés à l'amour, ou si l'on veut être plus précis, à la douleur causée par l'absence d'amour.

Par son ampleur, la cohérence de son projet artistique et sa force évocatrice, cette trilogie d'impose comme un des moments marquants de 2020.

Comme dans les deux volets précédents, et même si ici le propos est un peu moins percutant et surprenant que dans les deux autres opus, c'est la capacité qu'a Shani de s'approcher au plus près des âmes qui frappe le spectateur. Ce sentiment de proximité extrême, on l'éprouve rarement au cinéma : Kieslowski, Cassavetes, Ceylan, dans des genres très différents, sont capables de faire naître ce sentiment.

Stripped est un double portrait destructuré qui nous bouscule et nous interroge. Il a même déclenché une polémique d'une rare bêtise sous la plume des Cahiers du Cinéma et des Inrocks, qui tentent de distinguer une intention morale au film, qui en est totalement dépourvu. Les intentions des deux protagonistes résultent d'un ensemble d'éléments qui dépassent la bien-pensance consensuelle pour nous faire approcher la complexité de l'âme humaine : un personnage principal n'a évidemment pas le devoir d'être sympa pour qu'un film soit intéressant.

Un immense réalisateur est en train de s'installer dans le paysage mondial, et c'est une bonne nouvelle.

Yaron Shani sur Christoblog : Ajami - 2010 (****) / Chained - 2020 (***) / Beloved - 2020 (***)

Dès les premières images de Honeyland (une femme progresse dans des paysages magnifiques), on sait qu'on va assister à un grand moment de cinéma documentaire. Tout est en effet parfait dans cette première séquence : la photographie, les cadrages, le montage et la progression dramatique jusqu'au vertigineux passage dans la falaise.

Il n'y a qu'à se laisser guider par la main bienveillante du couple de réalisateurs pour pénétrer dans la vie quotidienne de Hatidze et de sa vieille mère, qui vivent dans un dénuement total au milieu de nulle part. On est ému, intrigué, fasciné par cette vie simple et l'élan vital qui se dégage de ces deux femmes, malgré des conditions de vie très difficiles.

L'arrivée d'une bruyante famille turque et de leur vaches dans le village abandonné apporte tout à coup une dimension picaresque au film, déjà admirable. Honeyland devient alors une sorte de thriller psychologique : comment la cohabitation va t elle se passer ? Les deux mondes (celui paisible de Hatidze, et celui agité de la famille) vont-ils pouvoir se rencontrer ?

Je ne vais pas déflorer les ressorts dramatiques puissants qui vont découler de cette confrontation, mais je vous assure qu'ils sont aussi forts que ceux qui pourrait naître dans le cerveau d'un scénariste particulièrement imaginatif.

Le film aborde nombre de sujets importants d'une façon plus ou moins directe (la mort, le désir d'enfant, l'amour, la joie de vivre, le rapport à la nature), avec une grâce admirable. Sa densité et sa dureté permettent de le classer au même niveau que les chefs d'oeuvre de Wang Bing.

A ne pas rater.