Christoblog

Mes dix films préférés de 2020 (et quand vous cliquez sur l'affiche, vous avez accès directement à ma critique) :

Mise à jour : Les sept de Chicago (vu en 2021) prend la septième position.

Hill of freedom marque dans la filmographie de Hong Sang-Soo le début d'un travail intense sur la destruction de la trame logique et temporelle de la narration, qui culminera dans ses deux films suivants, Un jour avec, un jour sans, puis plus encore Yourself and yours.

Ici, le montage obéit à un concept ludique assez bien trouvé  : une femme lit une longue lettre, les feuilles tombent dans un escalier et les scènes vont être assemblées dans cet ordre aléatoire. 

Le résultat est stimulant intellectuellement. S'il n'est pas très difficile de "recoller" les différents éléments de l'histoire pour en faire un tout cohérent, le procédé apporte au film une coloration légèrement décalée, qui est très agréable, renforcée par le caractère étrange de certains dialogues métaphysiques (sur le temps par exemple). L'aspect ludique de la construction du film va jusqu'à inclure (si je puis dire) des scènes "manquantes" (comme la bagarre), ou des rêves, pour mieux nous égarer.

Le sujet du film est probablement l'incommunicabilité entre les êtres humains (et surtout entre les hommes et les femmes), comme souvent chez HSS. Tout amène ici les protagonistes à mal se comprendre : le problème de la langue (le personnage principal est japonais et ne parle pas coréen), les malentendus, les occasions manquées, les histoires avortées.

Le cinéma du coréen trouve ici une expression quasiment parfaite dans sa forme : légère comme une fugue de Bach, ne s'encombrant d'aucun effet accessoire, parfaitement maîtrisée dans sa structure dépouillée. Les personnages du film semblent être des mouches se heurtant obstinément à une vitre, et une sorte de nihilisme forcené émane de Hill of freedom. 

On peut s'intéresser à la série The crown à trois niveaux différents.

Le premier est le contexte historique de l'Angleterre, et de sa place dans le monde, au fil des années. On découvre ainsi, si on est comme moi assez ignorant sur le sujet, les subtilités de la crise du canal de Suez, la valse des premiers ministres ou le fonctionnement étrange du Commonwealth.

Le deuxième niveau, ce sont bien sûr les anecdotes à propos de la famille royale. La découverte dans ce domaine, c'est que l'histoire des Windsor est plus proche de Détective que de Point de vue. En vrac, dans ce cercle familial élargi, on découvre des cousins nazis, une mère schizofrène nonne dans un monastère orthodoxe, des handicapés mentaux déclarés morts, des alcooliques, des pulsions de mésalliance, des abdications mal digérées, des pervers malfaisants, des troubles psychologiques de différente nature, des intrusions nocturnes, des morts violentes, des adultères en tout genre.

Enfin, le troisième niveau, qui est bien sûr le sujet principal de la série, ce sombre coeur qui palpite en son centre, c'est la royauté, qui justifie tout et n'excuse rien. La série réalise ce prodige de nous faire croire que quelque chose de spécial émane de ce ramassis d'idiots méprisants et d'incapables congénitaux, un mélange d'honneur dont on ne connaît plus le sens, et d'impassibilité éternelle (la reine ne subsiste qu'en en faisant le moins possible).

La réalisation de The crown est typique des productions Netflix : un peu engoncée, très formatée et pour tout dire parfois de mauvais goût. Alors que le plus souvent ces défauts nuisent aux séries concernées (Stranger things, La casa de papel), ils l'enrichissent plutôt ici : les moeurs sont ici immorales, mais elles sont filmées avec une solennité qui colle parfaitement à l'image de la famille royale, mais non à ses pratiques dissolues.

Chaque épisode est centré sur une thématique ou une anecdote et se concentre pratiquement sur ce seul sujet. C'est une écriture très spéciale, qui a peu d'équivalent à ma connaissance dans les séries modernes, et qui donne ce résultat rare de produire des épisodes ennuyeux dont on pourrait se passer, et des chefs-d'oeuvres comme ce sublime épisode 3 de la saison 3, centré sur la catastrophe d'Aberfan au Pays de Galles, digne d'un grand film.

C'est sûrement ce mélange étonnant de profondeur historique, de roman-photo, de film noir et de belles images (les voyages de Philip sont en particulier magnifiquement filmés) qui rend la série si addictive. Le casting est également impérial, Claire Foy et Olivia Coleman en tête. Les spécificités de la saison 4, avec l'introduction de deux personnages majeurs (Margaret Thatcher et Lady Diana), ne modifient en rien ce que je pense de la série.

Un régal.

A l'occasion de la sortie en salle de Un printemps à Hong-Kong le 13 janvier, je vous propose de gagner 5 x 2 invitations valables partout en France. 

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : combien de long-métrages le réalisateur a t il rélaisé avant celui-ci ? 
- joignez votre adresse postale
- envoyez moi le tout par ici avant le 8 janvier 20 h.
 
Un tirage au sort départagera les gagnants.

NB : un des cinq lots sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien)

Le Festival des Arcs m'a gentiment donné la possibilité de voir l'intégralité de son programme en ligne, je vais donc me faire une orgie de films jusqu'au 26 décembre. Vous pouvez vous-même regarder des films en ligne, soit en les payant à l'unité (4€), soit en achetant un pass intégral (25€). Pour cela allez sur le site du Festival. A noter que vous pouvez accéder à l'excellente sélection de courts-métrages gratuitement.

Beaucoup de promesses alléchantes dans les différentes section. J'essaierai de voir tous les films en compétition, dont le très attendu Quo vadis, Aida ?, qui a déjà triomphé à Arras.

Allez, c'est parti.

12 décembre

Le film d'ouverture, Slalom (4/5), qui devait sortir le 16 décembre, est un premier film au contenu très balisé et linéaire, mais dont la force tient dans l'interprétation de Noé Abita (l'inoubliable Ava, du film éponyme) et de Jérémie Renier, formidables tous les deux. Ce premier film de Charlène Favier, à la mise en scène fluide et acérée, est une franche réussite.  

After love (4/5), premier film du britannique Aleem Khan, est également une oeuvre très solide, qui ouvre dignement la compétition. Sur un sujet un peu rebattu (la découverte de la double vie d'un homme par sa veuve), il réussit à être profondément émouvant, grâce à une interprétation exceptionnelle de l'actrice Joanna Scanlan et à une photographie lumineuse qui magnifie les décors naturels de part et d'autre du Channel. Le film était dans la sélection de la Semaine de la Critique 2020, et on comprend pourquoi.

13 décembre

Grosse journée aujourd'hui qui commence avec (encore) un premier film : Preparations to be together for unknown period of time (3/5) de la hongroise Lili Horvat, qu'on a vu actrice dans White god, de Kornell Mundruczo. Une histoire d'amour originale, réalisée classiquement et solidement, servie par une bonne actrice qui est pratiquement de tous les plans : Natasa Stork. La réalisatrice parvient à maintenir son récit tout au long du film sur une étroite ligne de crête, située entre la romance et le suspense psychologique. Une curiosité à découvrir.

J'enchaîne avec The whaler boy (4/5) de Philipp Yuryev. Ce film nous entraîne vers le détroit de Bering, juste en face de l'Alaska. On suit la vie quotidienne d'un adolescent de l'extrême-orient russe, qui fantasme sur une jeune femme qui vend ses charmes sur internet. Sans être révolutionnaire, le film propose une immersion tout à fait dépaysante et pleine de charme dans un endroit du monde qu'on ne voit pas si souvent au cinéma.

Nightlife (3/5) est une comédie allemande de Simon Verhoeven, déjantée et sympathique, qui mêle avec vivacité romance, buddy movie, mafia russe et tableau de la vie nocturne berlinoise, passablement agitée, comme chacun sait. Plaisant, le film change radicalement ma vision du cinéma allemand !

Enfin pour clore cette riche journée Cigare au miel (1/5), de Kamir Aïnouz, est ma première vraie déception. A travers ce portrait d'une jeune fille issue d'une famille bourgeoise, d'origine berbère et laïque, la réalisatrice essaye d'embrasser trop de thématiques : l'éveil à la sexualité, la nostalgie du bled, un tableau des écoles de commerce, le poids des traditions qui justifie un viol. La mayonnaise ne prend pas, et les personnages ne sont ni sympathiques, ni intéressants. Une réalisation insipide au service d'enjeux insignifiants.

14 décembre

Last days of spring (3/5), de Isabel Lamberti, est une fiction tournée dans un bidonville de Madrid, avec des acteurs non professionnels. Ce film attachant nous fait découvrir la vie d'une famille pauvre qui vit dans ce quartier, alors que la maison qu'elle occupe va être démolie. Il se situe à mi-chemin entre fiction et documentaire, et l'intérêt ténu qu'il présente est tout entier contenu dans cette ambiguïté.

Hors compétition, Gaza mon amour (2/5), présenté à Toronto et à Venise, m'a déçu. Il juxtapose deux histoires sans grand rapport (un pêcheur d'un certain âge trouve un bronze antique, et il cherche à se marier avec une femme de son âge qui travaille dans un magasin de vêtement). Le film, plan-plan, est assez roublard pour passer pour le film "qui montre Gaza sous un autre jour", avec tous les attributs du film d'auteur pour festival. Mais aucune émotion n'y circule. 

15 décembre

L'affaire collective (4/5) est un formidable documentaire roumain sur le tragique incendie du Colectiv Club, discothèque de Bucarest, et sur la gestion calamiteuse des suites de cet évènement par le gouvernement roumain, qui entraîna sa chute. Même si le sujet peut paraître rébarbatif, le film est passionnant et donne à voir de véritables "justes", politiques et journalistes, filmés au plus près de leur action. Les rebondissements sont dignes d'un synopsis de film de fiction.  

Autre film en compétition, Shorta (3/5) est un film danois qui lorgne du côté de La haine ou des Misérables. On suit un duo de policiers pris dans le piège d'une cité, sans véhicule et sans aide, lors d'un épisode insurrectionnel. C'est prenant, efficace, un poil maladroit par moment mais globalement plutôt réussi. 

16 décembre

On pourra reprocher beaucoup de chose au film bosniaque Quo vadis, Aida ? (5/5) : son aspect rouleau compresseur qui ne s'embarrasse pas de fioritures, sa sécheresse accusatrice, sa progression accablante, ses maladresses scénaristiques. Il n'en demeure pas moins que le résultat est d'une efficacité rare et qu'on ne peut qu'être emporté par cette expérience de cinéma, dont le réalisme intransigeant frappe au coeur. 

Avant-dernier film en compétition, Vaurien (4/5), premier film de Peter Dourountzis, montre comment on peut tomber amoureux du pire criminel. Son ton décalé, ses ellipses subtiles, son ambiance agréable et son casting impeccable rendent le film très sympathique, même si son synopsis peine un peu à tenir la distance d'un long-métrage. Pierre Deladonchamps est fantastique et c'est un énorme plaisir de retrouver Ophélie Bau aussi rayonnante que dans Mektoub, my love. Le film fait partie de la sélection Cannes 2020 et sort en janvier.

17 décembre

Le dernier film de la compétition est pour moi un pensum un peu barbant. Apples (2/5) est le prototype du film mené par l'intellect plutôt que par le coeur ou les yeux. On y suit l'itinéraire d'un homme touché par une mystérieuse maladie épidémique qui rend ses victimes amnésiques. Dans un décor grisâtre, notre homme, qui ne sourit jamais, suit un traitement expérimental qui consiste à vivre sa vie... en la prenant en photo.

Le réalisateur, Christos Nikou, fait partie de la nouvelle vague du cinéma grec ayant émergé dans les années 2010. Il a été assistant réalisateur sur Canine de Lanthimos, mais il n'a pas la nervosité joueuse de ce dernier, et on s'ennuie beaucoup en regardant son premier film, par ailleurs intéressant dans sa conception et sa réalisation. Encore un film de festival typique (Telluride, Venise, Toronto). 

Le dernier film vu ne marquera pas les esprits. Thou shalt not hate (2/5) de l'italien Mauro Mancini est fondé sur une fausse bonne idée : un médecin juif ne fait pas les gestes qui sauvent quand il découvre que son patient a une croix gammée tatouée sur la poitrine. Le film est fastidieux, multiplie les pistes sans en choisir aucune, et au final est assez ennuyant. Cela m'étonnerait qu'il soit diffusé en France.

Palmarès

Le palmarès me convient parfaitement, les films qui m'ont le plus plu sont récompensés (à l'exception de Vaurien) :

A l'année prochaine !

A l'occasion de sa sortie, je vous propose de gagner 2 exemplaires du DVD du film de Sophie Deraspe, Antigone.

Pour ce faire :

Un tirage au sort départagera les gagnants. Vous recevrez ensuite le DVD envoyé par le distributeur. NB : un des deux DVD sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien)

La femme est l'avenir de l'homme suit dans la filmographie de Hong Sang-Soo son manifeste de jeunesse, Turning gate.

Il reprend une partie des thèmes du film précédent (trio amoureux, femmes très entreprenantes sur le plan sexuel, spleen généralisé chez les hommes), sur un mode un peu moins dense et poétique.

La femme est l'avenir de l'homme est un Hong Sang-Soo très léger dans sa structure. Le film est court, avance rapidement et parfois même abruptement, ose des flashbacks qui éclairent brillamment le présent, et propose mêmes des scènes imaginées par les personnages. Il annonce ainsi nombre des films suivants, dans lesquels la trame temporelle sera malmenée avec une apparente désinvolture par le cinéaste.

Le film est aussi un des plus pessimiste de HSS. Pas beaucoup d'espoir dans la quête minable menée par ces deux hommes amoureux de la même femme, qui vivent nombre de situations embarrassantes tout au long du film.  Une fois retrouvée, la dite femme s'avère à la fois charmante et insaisissable, s'offrant curieusement et sans engagement aux deux jeunes hommes. La narration du film est d'une grande liberté, et le décor romantique de Séoul enneigé (qui sera magnifié plus tard dans Matins calmes à Séoul) forme un écrin parfait à ce film d'une grande noirceur.

Un bon cru.

Ce quatrième film de Hong Sang-Soo suit la trilogie initiale qui fit connaître le cinéaste coréen en France, et marque la mise en place des grands thèmes que HSS va ensuite développer durant toute sa carrière.

Nous avons donc ici des hommes qui cherchent l'amour, des femmes séduisantes et insaisissables, un simulacre d'amitié, des phrases qui se répètent dans la bouche de plusieurs personnages, des scènes de beuverie et de restaurant, des allusions sexuelles directes, des artistes plus ou moins ratés, des coïncidences, des situations qui rendent mal à l'aise, des défauts de mémoire, des objets symboles et un récit en deux parties.

Les seuls éléments vraiment nouveaux qui apparaîtront dans la suite de la filmographie de Hong Sang-Soo seront les déformations de la trame temporelle de la narration, complètement inexistantes ici.

Dans ce film fondateur de la grande période classique du coréen, on suit la trajectoire d'un beau personnage masculin, Gyung-Soo, qui promène sa grande carcasse dans la campagne coréenne : une vraie curiosité pour le coup, puisque Séoul est le théâtre habituel utilisé par HSS. Il rend visite à un ex-ami, couche avec la petite copine de celui-ci qui le manipule, rencontre ensuite une fille avec qui il était au collège et dont il ne souvient plus, en tombe amoureux, et se fait larguer.

On voit que tout cela n'est pas très gai, et l'acteur Kim Sang-Kyung interprète à merveille ce pauvre gars à la fois maladroit et poète (très jolie scène où il écrit une déclaration posée dans la rue à l'aide d'un kaki).

Turning Gate est une très bonne introduction à l'univers de Hong Sang-Soo, donnant à voir à la fois l'incroyable habileté du réalisateur à saisir les plus petits mouvements de l'âme, et sa capacité à parfois égarer le spectateur dans les méandres de plans plus ou moins utiles. Le film est à cet égard remarquablement long pour un HSS (1h55) : il semble rempli à ras bord des intentions de son réalisateur.

Mank souffre d'un trop-plein.

Trop de plans, trop de dialogues, trop de sous-entendus, trop d'intentions.

Quand le personnage de Mank cite approximativement Blaise Pascal : "Je n'ai fait cette lettre-ci plus longue que parce que je n'ai pas le loisir de la faire plus courte " (Les Provinciales) on a vraiment envie de dire à Fincher qu'il pourrait pu lui-même abréger. Après tout, il a eu six ans depuis Gone girl pour préparer ce film.

Certes, comme d'habitude, la mise en scène est propre, voir virtuose. Fincher essaye de retrouver la qualité des films hollywoodiens du passé : on a donc le droit à des trucages à l'ancienne, une musique et un générique rétros, un noir et blanc de circonstance (un peu sombre à mon goût) et divers tics qui démontrent l'inutile méticulosité du réalisateur (des défauts qui singent l'ancien usage des bobines de pellicule par exemple).

Les dialogues fusent, les plans aussi, les flashbacks se multiplient dans une intrication parfois néfaste à la dramaturgie du film, et les références se multiplient. A moins d'être un fin connaisseur de la vie politique américaine et du Hollywood des années 40, on est souvent un peu perdu, par exemple dans la constitution de l'actionnariat de la MGM.

Bien sûr, les à-côtés du film ravissent les critiques : les différents parallèles qu'on peut faire (ou pas) entre la situation de Fincher père / Fincher fils et Fincher / Welles sont intéressants pour la petite histoire du cinéma, mais ne rendent pas le film plus agréable ou plus profond.

Si finalement le dernier film de David Fincher n'est pas complètement ennuyeux, c'est principalement grâce à l'interprétation de Gary Oldman, bien que ce dernier me paraisse nettement trop vieux pour son personnage.

Le film est impressionnant techniquement et suffisamment bien fabriqué pour générer un minimum d'intérêt, mais aucune véritable émotion n'affleure à sa vision. 

David Fincher sur Christoblog : The game  - 1997 (**) / Panic room - 2002 (***) / L'étrange histoire de Benjamin Button - 2008 (***) / The social network -2010 (**) / Millenium - 2011 (**) / Gone girl - 2014 (**) / Mindhunter - 2017 2019 (***)

A voir sur Arte.tv

Comme dans ses films précédents, Sébastien Lifshitz déploie ici ses incroyables qualités de documentariste, qui lui permettent de s'immiscer avec une facilité fascinante dans l'intimité de ses sujets. 

Petite fille n'a certes pas l'ampleur d'Adolescentes qui s'étendait sur plusieurs années et s'infiltrait dans plusieurs milieux, mais il constitue une sorte de perle qui synthétise l'art de Lifshitz : de la patience, du respect, un sens affirmé du montage, un talent aigu pour concentrer les émotions dans les caractéristiques d'un plan (choix du cadre, de la durée, de la focale, des lieux et des objets filmés).

Le propos de Petite fille n'est pas militant. Il expose une situation particulière, sur laquelle la pédo-psychiatre pose d'ailleurs des mots simples et éclairants, avec un tact renversant. La vie de Sasha est simplement montrée, et ne peut entraîner aucun débat tellement l'exposition des faits est objective et factuelle. 

On mesure pleinement la souffrance de Sasha, au travers certaines scènes bouleversantes, alors que sa famille est une merveille de bienveillance et d'équilibre : Petite fille nous fait ainsi mesurer avec éclat quel enfer ce serait pour elle de grandir dans un milieu qui la rejetterait, ce qui doit malheureusement arriver bien souvent.

A voir absolument. 

Sébastien Lifshitz sur Christoblog : : Les invisibles - 2012 (***) / Adolescentes - 2020 (****)

Mode d'emploi : la plupart des films cités ci-dessous sont disponibles en DVD ou en achat VOD. Les indications entre parenthèses indiquent les possibilités de voir ces films gratuitement ou en location pour un prix généralement inférieur à 3 euros. Les films ne sont pas classés par ordre de préférence. Il y a une seule entrée par réalisateur.

Un simple clic sur le titre vous amène à la critique du film sur Christoblog.

Premier confinement (17 mars / 11 mai 2020)

Cette année, Covid oblige, le sympathique Poitiers Film Festival, consacré à la jeune création, se déroule en ligne. Vous pouvez voir tous les films gratuitement en vous connectant sur le site du Festival.  

Au programme, comme chaque année, une ribambelle de courts-métrages de fin d'études, documentaire ou fiction, dans lesquelles se cachent peut-être un futur grand réalisateur. Le Festival a ainsi découvert Asif Kapadia, Franco Lolli ou Léo Karman, auteur du très bon La dernière vie de Simon. 

Il est toujours agréable de voyager à travers le monde et les genres, au travers les petites capsules de 3 à 30 minutes qui sont proposées. Vous passerez ainsi potentiellement d'un joli film d'animation français tendrement agité (A l'Ouest / Jérémie Cousin / La poudrière / 4 minutes) à un scène de vie dans un bus qui rend très mal à l'aise (22:47 Linie 34 / Michael Karrer / Zurich University / 10 minutes).

Le Festival propose également cinq longs-métrages.

J'ai pu visionner le film de l'uruguayen Alex Piperno, Chico ventana tambien quisiera tener un submarino (3/5). Ce film, présenté à la dernière Berlinale dans la section Forum, est aussi bizarre que son nom à rallonge, dont on imagine qu'il a du rendre fous les producteurs et distributeurs du film.

Le principe est aussi vieux que le fantastique. Des portes relient magiquement des endroits différents : une cabane qui apparaît soudainement près d'un petit village aux Philippines, un appartement où se trouve une jeune fille dans une grande ville sud-américaine et la soute d'un paquebot en croisière en Patagonie.

L'approche est ici à la fois naturaliste et minimaliste. Le film n'explique rien, ne détaille pas le passé ou les sentiments des protagonistes, étonnamment peu curieux, qui franchissent ces portes. C'est un peu figé et conceptuel, mais Piperno arrive pourtant à générer dans ses plans une ambiance poétique dotée d'un charme certain, et même par instant captivante. Original et prometteur.