Christoblog

A ceux qui connaissent l'oeuvre du grand cinéaste qu'est Brillante Mendoza, Ma' Rosa n'apprendra rien.

Suivant les points de vue, on pourra donc reprocher au dernier film du Philippin d'être peu original, ou considérer qu'il représente la quintessence du style de son réalisateur.

A vrai dire, le film vaut surtout pour son aspect documentaire sur Manille : sa boue, ce monde qui grouille, sa drogue et ses petites combines, sa corruption, son effervescence tranquille.

Après une introduction impressionnante dans le style classique de Mendoza (caméra à l'épaule, montage cut, éclairage faiblard), on craint un instant que le film bascule dans une violence insoutenable (comme dans l'éprouvant Kinatay). Il n'en sera rien et Ma' Rosa, loin de sombrer dans une brutalité aveugle, devient une sorte de déclinaison asiatique du néo-réalisme italien : comment trouver les 50 000 pesos nécessaires à soudoyer la police ?

Cette deuxième partie, moins énervée (inervée ?) que la première, m'a semblé aussi moins intéressante et plus convenue. Il n'empêche que le film irradie comme à l'habitude une force brute qui prend aux tripes et dont il est difficile de sortir indemne.

Brillante Mendoza sur Christoblog : Kinatay - 2009 (**) / Lola - 2009 (**) / Thy womb - 2012 (***) / Captive - 2012 (***) / Taklub - 2015 (**)

Le précédent film de Sébastien Betbeder (2 automnes 3 hivers) révélait un cinéaste prometteur, qui à l'évidence savait mélanger humour, délicatesse et fantaisie.

Toutes les promesses de ce film se concrétisent ici de la plus belles des manières.

Le sujet est pourtant sur le papier un peu mince : deux trentenaires parisiens rendent visite au père de l'un d'eux, exilé dans un petit village paumé du Groenland. On imagine à la simple lecture de ce pitch un scénario catastrophique où les locaux seraient moqués et où serait systématiquement exagéré le contraste entre les citadins et la nature hostile.

L'un des grands mérites du film est de déjouer complètement les pronostics. Le regard que pose le réalisateur sur les différents protagonistes est empreint d'une bienveillance sensible qui rend tous les effets comiques délicats et dotés d'une saveur très particulière, dont le second degré semble exclu.

Le voyage au Groenland est une oeuvre à l'équilibre précaire, sans cesse sous la menace de tomber dans l'anecdote facile ou l'inconsistance comique. Sébastien Betbeder parvient à maintenir sur la durée sa fantaisie raisonnée et sa subtile analyse des sentiments masculins. 

Si le résultat semble parfois "facile", il résulte d'un savant mélange de techniques (montage, scénario) et d'une prestation exemplaire des deux acteurs principaux (Thomas Blanchard et Thomas Scimeca), parfaits en duo de gentils citadins un peu dépassés par les évènements.

Une franche réussite, drôle et originale.

Sébastien Betbeder sur Christoblog : 2 automnes 3 hivers - 2013 (***)  

Mon boulot de blogueur, c'est aussi de vous parler des films que (presque) personne ne va voir et qui mérite pourtant l'attention des cinéphiles.

Dans cet esprit, si vous êtes à la fois curieux des cinémas du Sud et amoureux des beaux films, il ne faut surtout pas manquer ce film jordanien.

Tourné dans les décors somptueux du Wadi Rum, Theeb se déroule lors de la première guerre mondiale : deux points commun avec Lawrence d'Arabie. Mais ici on ne suit pas la destinée d'un célèbre anglais, mais la trajectoire d'un jeune garçon du cru qui va être pris dans un engrenage de violence impitoyable. 

Outre le portrait captivant de la société bédouine, le film de Naji Abu Nowar réussit le tour de force d'une narration à la fois dépouillée et extrêmement prenante, quelque part entre Akira Kurosawa et le John Ford de La prisonnière du désert. C'est à la fois beau et passionnant : pas étonnant que le film soit couvert d'éloges (il a été récompensé à Venise et représente la Jordanie aux Oscars).

Je le conseille très vivement aux amateurs de dépaysement, de déserts, de western, de bons films et de regards d'enfants.

A l'occasion de la sortie le 30 novembre du film L'ornithologue, je vous propose de gagner 5 x 2 invitations valables partout en France.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "De quel saint, né au Portugal, s'inspire L'ornithologue ?"

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 2 décembre 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite les invitations, envoyées directement par le distributeur.

D'emblée, Stéphane Brizé impose son point de vue, qui sera sévère, dépouillé et naturaliste. Il l'impose par son cadre presque carré, sa caméra à l'épaule et ses plans très rapprochés sur les personnages.

L'effet produit est dans un premier temps déstabilisant, et légèrement oppressant. J'ai été à la fois séduit par le rendu de certaines sensations (le temps qui passe, les saisons, les dilemmes) et perturbé par les ellipses systématiques et le montage temporel chaotique.

Le premier choc passé, Une vie parvient à convaincre par son ampleur romanesque et la cohérence de son esthétique. Si les performances de la jeune garde du cinéma français me laisse perplexe (Finnegan Oldfield est à baffer et Swann Arlaud plus transparent que d'habitude), les anciens (Darroussin et Moreau) sont parfaits.

La solitude, l'ennui, la rudesse de la vie au XIXe siècle dans un milieu rural est parfaitement rendu. Le film est aussi émaillé de scènes extraordinaires de violence, contenue ou pas : les conversations avec les prêtres, la scène du couvent. 

Au final, Jeanne semble bien être une cousine éloignée du Thierry de La loi du marché : écrasés tous deux par des forces immenses qui les dépassent, ils portent au plus profond de leur être une étincelle qui leur permet de continuer à espérer.

Dans le vaste monde des documentaires, L'ultima spaggia souhaiterait se creuser une petite place à côté des géants Depardon / Wiseman / Rosi.

Thanos Anastopoulos et Davide del Degan utilisent des schémas pas très éloignés de ceux des trois maîtres cités ci-dessus : ils posent leur caméra dans un endroit étrange et ils observent.

Malheureusement, il manque ici le rythme et le sens du montage qui caractérise les oeuvres de Wiseman par exemple. Après un début intéressant, le film patine sérieusement et l'ennui gagne progressivement. On peut se demander si l'étroitesse du sujet (une plage où hommes et femmes sont séparés, à Trieste) permet véritablement de nourrir tout un long-métrage. Le passé agité de la ville et les problèmes de la société italienne ne parviennent sur la plage que sous une forme très, très atténuée.

Le talent des deux réalisateurs apparait par moment, mais le montage faiblard du film l'empêche de vraiment décoller : confusion des époques, plans de remplissage sur des chats (trop mignon!), inter-titres obscurs. Il n'y a pas ici le story-telling qui caractérise les très bons documentaires.

Ajoutez à ces réserves des afféteries de cadrage qui n'ont pas leur place dans ce type de film (les plans sous-marins systématiquement montés à l'envers) et une certaine complaisance dans la façon de filmer les faibles et les excentriques, et vous comprendrez mes réserves sur un film que je juge au final très imparfait. 

A l'occasion de la sortie en DVD du film Théo & Hugo dans le même bateau, je vous propose de gagner 5 DVD.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "Quel est le point commun entre les réalisateurs du film Ducastel / Martineau et Xavier Dolan ?"

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 28 novembre 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite le DVD, envoyé directement par le distributeur.

Sing street utilise avec brio toutes les ficelles du feel good movie nostalgique.

Le film cumule ainsi la trame toujours efficace de la constitution d'un groupe de rock à celle plus classique de l'histoire d'amour a priori impossible, le tout baignant dans une bande-son des années 80 qui sent bon la naphtaline. 

Tout cela serait assez anecdotique si le film ne portait pas à haut degré d'efficacité toutes ses composantes : le rythme est échevelé, le casting impeccable, les reconstitutions de clips et de modes vestimentaires parfaitement délicieuses et les compositions originales diablement entraînantes. 

Bref, on passe finalement un très bon moment, même si Sing street ne brille ni par son originalité, ni par sa profondeur. Ceux qui avaient 15 ans dans les années 80 apprécieront tout particulièrement.

Elles ne sont pas si nombreuses les comédies françaises un peu décalées, qui savent manier l'humour et pas la démagogie, en trouvant le rythme qui sied au genre.

Le petit locataire fait partie de ces raretés. 

Le casting ébouriffant y est pour beaucoup : qui mieux que Karin Viard et Philippe  Rebbot pourraient camper des personnages de loosers sympathiques sans les rendre pitoyables ? Ils sont tous les deux magnifiques.

Il plane sur ce portrait d'une famille déjantée l'ombre d'Affreux, sales et méchants, la causticité en moins, et le rythme en plus. Les personnages s'habillent mal et parlent mal, la grand-mère est indigne, les mâles évitent le travail autant que possible, les jeunes mères fuient leur responsabilités : c'est à la fois réjouissant et bienveillant.

Une comédie solide, enlevée et dynamique. Je la conseille pour une soirée déprimante, quand il est nécessaire de se remonter le moral.

Tour de France est le parfait exemple du film sympatique et raté.

Donner le rôle d'un beauf raciste à Gégé et celui d'un gentil rebeu à un rappeur à la gueule d'ange est une idée de casting à la fois brillante et somme toute assez évidente.

Le scénario, d'une faiblesse insigne, ne fait que dérouler paresseusement le contraste fondateur du film : ces deux-là vont bien sûr s'engueuler, puis se rapprocher, puis s'entraider sur l'air de "On est tous les deux Français". 

Le film est politiquement d'une correction irréprochable. Cinématographiquement, il ne vaut pas tripette, et présente la triste caractéristique de nous infliger l'image d'un Depardieu bien poussif, improvisant un rap sur ... la Marseillaise. 

Emaillé d'effets de styles incongrus (la peinture verte) et de gentils clichés, le film ne vaut (un peu) que par l'idée d'insérer le peintre Claude Joseph Vernet dans l'intrigue. Il est très loin d'égaler le premier film de Rachid Djaïdani, Rengaine, beaucoup plus inventif et percutant.

Rachid Djaïdani sur Christoblog : Rengaine - 2012 (***)

13 novembre

Dernière journée à Arras. Le dimanche est pluvieux mais il commence par deux très bons films. Le voyage au Groenland (5/5) de Sébastien Betbeder est une comédie parfaite, qui concrétise toutes les qualités qu'on devinait dans les films précédents du réalisateur (notamment 2 automnes 3 hivers). C'est drôle, tendre et grave à la fois.

Dans la foulée, Noces (5/5), du belge Stephan Strecker est un drame remarquable, d'une densité dramatique exceptionnelle, qui traite des mariages arrangés dans la communauté pakistanaise de Belgique. Le film évite tous les clichés et dresse le tableau touchant d'une jeune femme moderne qui cherche la liberté. Un personnage qui entre bizarrement en résonance avec l'héroïne de La raggazza del mondo, vu en début de festival.

J'attendais beaucoup ensuite du Neruda (4/5), de Pablo Larrain. Le film est d'une ambition folle, il fait parfois preuve d'une maestria étourdissante, mais il perdra une grande partie de ses spectateurs en route.

La cérémonie de clôture est comme toujours très sympathique, et se termine par un très mauvais film, Un jour mon prince (1/5), de Flavia Coste, dont la vision n'est supportable qu'à la fin d'une journée éprouvante comme celle-ci. Ce n'est pas très grave et ça n'entache pas les excellents moments passé un fois de plus au Cinémovida et au Casino. 

A l'année prochaine.

12 novembre

Paula Modershon-Becker est décidément à la mode. Après le livre que lui a consacré Marie Darrieussecq (Etre ici est une splendeur) et la rétrospective au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, voici donc le film Paula (3/5), de l'allemand Christian Schwochow. 

Le film est d'une facture très académique, mais il présente l'avantage de montrer le travail d'un peintre à l'écran, y compris ses tableaux, ce qui est assez rare. 

L'actrice Carla Juri est parfaite et incarne très bien la détermination mutine de son personnage. On croise aussi un Rainer Maria Rilke formidable. Un film qui permettra à ceux qui ne connaissent pas l'oeuvre de Paula Modershon-Becker de la découvrir.

11 novembre

Début de matinée aux parfums berlinois, avec le film tunisien Hedi (3/5), qui a brillé à la dernière Berlinale, raflant un ours d'argent (pour la performance de son acteur Majd Mastoura) et le prix du meilleur premier film. Hedi montre l'émancipation d'un jeune homme, dans une Tunisie en grande difficulté économique. C'est un beau film sensible et remarquable de maîtrise.

Dans la foulée, j'enchaîne avec Nightlife (2/5), le nouveau film du jeune réalisateur Damjan Kozole, qui a été remarqué pour son premier film Slovenian girl. Ca part formidablement bien, avec une proposition de cinéma forte et glaçante, avant de se perdre dans les méandres d'une absence de scénario dommageable. Le film tourne en rond pendant toute sa seconde moitié, semblant chercher la sortie sans la trouver. Dommage. 

6 novembre

Matinée très "actualité française", avec pour commencer Maman a tort (4/5) de Marc Fitoussi. Je n'attendais pas grand-chose de ce film qui sort mercredi prochain, mais j'ai été agréablement surpris. Si le début a semblé confirmer mes craintes par un certain nombre de maladresses, le jeu d'Emilie Dequenne (peut-être mon actrice préférée) et de la jeune Jeanne Jestin emporte le morceau. Un film sensible et profond. Critique détaillée dans quelques jours.

Dans la foulée, Le petit locataire (3/5), de Nadège Loiseau, est une comédie sans grande originalité, mais menée tambour battant par un casting de choc (Karine Viard / Philippe Rebbot / Hélène Vincent). Un parfait film de samedi soir pour se détendre sans honte, à partir de la semaine prochaine.

En début d'après-midi, changement radical de tonalité avec Enclave (3/5) du serbe Goran Radovanovic, qui nous projette dans une enclave serbe au Kosovo, quatre ans après la fin de la guerre. Le film, dépouillé mais beau, montre à la perfection la précarité de la paix dans une région où les haines religieuses et ethniques ne demandent qu'à refleurir. L'histoire est racontée à hauteur d'enfant, ce qui lui donne une tonalité originale. Il représentera la Serbie pour les Oscars, je ne sais pas s'il sortira en France.   

5 novembre

Début de journée en douceur avec en avant-première le nouvel opus du couple déjanté Fiona Gordon / Dominique Abel (Rumba, La fée) : Paris pieds nus (3/5). C'est toujours aussi méticuleux, décalé et poétique, quelque part entre Solveig Anspach et Jacques Tati. Un bon moment pour ceux qui aiment le style inimitable des auteurs. Le film sort en mars 2017. Pierre Richard y fait une apparition délicieuse.

A 14h, le film italien La ragazza del mondo (5/5) s'avère être une excellente surprise. Très remarqué à la Mostra de Venise, le film du jeune réalisateur Marco Danieli nous fait pénétrer dans l'intimité des témoins de Jéhovah. Une première au cinéma, en tout cas en ce qui me concerne. Le film est très bien écrit, parfaitement réalisé, et joué à la perfection par un acteur et une actrice charismatiques. Le film sortira sur les écrans français, et c'est une bonne nouvelle.

A l'occasion de la sortie le 23 novembre du film Une vie, je vous propose de gagner 5 x 2 invitations valables partout en France.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "Comment s'appelle le premier long-métrage de fiction de Stéphane Brizé ?"

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 22 novembre 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite les invitations, envoyées directement par le distributeur.

Je le dis tout net pour qu'il n'y ait aucun doute sur mon manque d'objectivité : j'adore Emilie Dequenne. Je trouve qu'elle peut illuminer un film (le touchant Pas son genre par exemple) et même parfois le transcender (comme elle le fait dans A perdre la raison).

Elle incarne ici, comme souvent, la parfaite girl next door, la maman attentionnée pas trop maquillée. 

Le prétexte qui fournit l'entame du film est intéressant : Cyrielle, suite à un fâcheux concours de circonstances, doit accueillir sa fille dans sa propre entreprise, pour le fameux stage d'observation de troisième. J'ai beau essayé de me souvenir, je ne vois pas de films qui ait évoqué cet évènement, pourtant commun à beaucoup de salariés.

Le regard décalé et mûr de la petite Anouk (formidablement interprétée par la jeune Jeanne Jestin) sur le monde du travail est amusant, bien que parfois un peu caricatural. La tournure que prend ensuite le film est très différente : l'intrigue devient plus sérieuse, plus profonde. Marc Fitoussi fait évoluer son film d'une gentillette comédie à un récit d'initiation (devenir adulte par la déception), teintée d'une noire chronique sociale sur un mode qui fait penser à celui de La loi du marché, en montrant l'abaissement que les invisibles dirigeants peuvent imposer à leurs employés.

Les films français à la fois intelligent et agréable ne sont pas si courants, vous auriez tort de rater celui-ci.

Le client ressemble par bien des aspects à Une séparation : un évènement central dont on ne sait pas tout, une observation des rapports de classe, un scénario virtuose, une mise en scène subtile.

L'intérêt majeur de l'intrigue, c'est de distiller le doute du début à la fin. On se pose toute une série de questions qui s'avèrent progressivement ne pas être le coeur du film : L'immeuble va-t-il s'effondrer ? Que contiennent vraiment les affaires que la femme a laissé ? Etc.

Les ressorts du film sont donc approximativement les mêmes que ceux d'Une séparation, avec ici une construction moins rigoureuse, plus flottante, que dans le plus grand succès de Farhadi. 

On admire dans Le client le talent du réalisateur iranien pour diriger ses acteurs, et sa subtilité dans l'approche des dilemmes moraux, ici autour du thème de la vengeance : peut-elle s'exercer contre l'avis de la victime ? On pourra aussi s'amuser à rechercher dans le scénario les circonvolutions illogiques dues au fait que les femmes doivent toujours être voilées à l'écran.

Comme toujours dans le cinéma de Farhadi, la stimulation intellectuelle et la beauté de la mise en scène se complètent parfaitement, avec peut-être un tout petit manque d'intensité. Je n'ai pas non plus parfaitement compris l'intérêt de montrer de si nombreux passages de la pièce d'Arthur Miller (si j'exclus le fait que Farhadi a réalisé sa thèse de fin d'étude sur l'auteur britannique).

Ces quelques (petites) réserves ne doivent pas vous empêcher d'aller voir Le client.

Asghar Farhadi sur Christoblog : Les enfants de Belleville - 2004 (***) / A propos d'Elly - 2009 (***) / Une séparation - 2010 (****) / A propos d'Une séparation : le vide avec un film autour / Le passé - 2013 (**)

Quelle splendeur !

Visuellement, le nouveau film de Park Chan-Wook est une merveille. Perfection des mouvements de caméra, montage au cordeau, photographie admirable, virtuosité et précision dans tous les domaines, c'est du grand art.

Au niveau du scénario, le film est d'une complexité rare. Il est basé sur un effet Rashomon à étage : alors qu'habituellement, les films basés sur ce principe nous font voir des choses différentes à chaque version de la même histoire, on a ici l'impression que chacune des trois versions est la même que la précédente, mais complétée.

Le maître coréen nous promène donc de faux-semblants en tromperie, pour déboucher finalement sur une version qui fait étonnamment figure de brûlot féministe. Après avoir été martyrisées, humiliées et sous-estimées par toutes sortes de personnages masculins, les deux femmes du film sortent grandies de leur aventure.

Mademoiselle est ponctué de morceaux de bravoure ahurissants (comme les lectures érotiques par exemple). On pourra estimer qu'il est un peu froid pour être vraiment génial, à l'image des scènes de sexe qui ne sont pas d'une folle sensualité, mais le plaisir intellectuel et sensoriel que procure le film en fait un des grands moments cinématographiques de l'année.

Cette année je reviens à l'Arras Film Festival avec beaucoup de plaisir, du 4 au 13 novembre, pour retrouver ce mélange unique de ferveur populaire, de programmation grand public et d'exigence artistique.

Au programme cette année :

- un hommage en sa présence à Stéphane Brizé

- des avant-premières attendues : Loving de Jeff Nichols, La fille de Brest d'Emmanuelle Bercot, Neruda de Pablo Larrain, et beaucoup d'autres  

- une compétition de films européens en provenance de Géorgie, de Norvège, de Bulgarie, de Slovénie, d'Allemagne, de Hongrie, de Croatie, des Pays-Bas et de République Tchèque

- une très jolie sélection de films d'Europe de l'Est et du reste du monde, avec beaucoup de rattrapage cannois possibles, comme le très beau film israélien Une semaine et un jour, d'Asaph Polonsky, très remarqué cette année à la Semaine de la Critique.

L'intégralité du programme sur le site du festival.

Disons le tout de suite : le fait que Moi, Daniel Blake ait obtenu la Palme d'Or va fausser la plupart des appréciations le concernant.

La question traditionnelle de l'apprenti critique ("Que vaut le film ?") se transformera bien souvent en "Mérite-t-il la Palme d'Or ?", avec au passage un très probable coup de rabot sur ses qualités intrinsèques.

Ceci étant dit, je vais essayer de ne pas tomber dans ce travers.

D'abord, première évidence difficilement contestable, les deux acteurs principaux sont exceptionnels. Dave Johns compose un personnage qu'on n'oubliera pas de sitôt, une sorte d'incarnation de la dignité terrienne et bienveillante. Hayley Quires est une belle découverte, dans un rôle qui la voit s'exposer dans une composition difficile, mélange de fragilité et de ténacité. La scène du magasin alimentaire est à ce titre un des plus beaux moments de cinéma de l'année.

Deuxième point, le film aborde frontalement un sujet que je n'avais pas encore jamais vu traité au cinéma : la difficulté, devenue radicale, de vivre aujourd'hui dans notre société sans avoir la pratique de l'informatique en général et d'internet en particulier. Ken Loach ne se contente pas ici de creuser confortablement le sillon qui est le sien depuis le début de sa carrière (la misère sociale), il peint un monde dans lequel tout le monde (ou presque) est sympa, et qui pourtant se révèle être un enfer. Par là-même, Moi, Daniel Blake réussit un tour de force étonnant : nous montrer la méchanceté de notre société sans nous désigner les méchants. Il peut de ce fait avoir par moment des aspects de film d'anticipation, de dystopie.

La mise en scène de Ken Loach est d'une rigueur exemplaire. Le scénario de son complice de toujours, Paul Laverty est très très bon au début du film (quelle idée géniale que la conversation téléphonique initiale, qui finalement s'avère être le coeur palpitant du film), avant de fournir dans la deuxième partie quelques traits trop appuyés à mon goût. Ce n'est pas très grave au regard du poids émotionnel que charrie le film.

Moi, Daniel Blake est finalement un beau portrait, qui s'affranchit de son terreau social par la grâce de ses interprètes. A voir.

Vu du spectateur, Captain Fantastic commence bien et finit mal. Pour les personnages, c'est en gros l'inverse.

Dans sa première partie, j'ai été tour à tour séduit (la mise en scène est sacrément efficace, comme la première scène le prouve), intrigué (mais vers où le film va-t-il nous entraîner ?) et perturbé (faut-il penser que cet homme est fou, ou qu'il est génial ?).

La partie centrale du film (le road trip) confirme la première impression favorable. Le tableau dressé de l'Amérique est cruel mais cinglant, les situations parviennent à être retorses, à l'image de la scène de drague qui emmène l'aîné de la famille dans un quiproquo très bien amené.

Malheureusement, la troisième et dernière partie de Captain Fantastic verse dans une sensiblerie et des facilités qu'il avait habilement évité jusque là. On ne peut que regretter que Matt Ross, qui parvient à faire du réalisme et de la vérité exposée aux enfants un ressort efficace de son film nous expose une péripétie mortuaire absolument irréaliste. 

Même si la fin gâche un peu le plaisir que procure le film, Captain Fantastic s'avère tout de même être un moment plaisant et stimulant intellectuellement.

PS : Comme souvent, Viggo Mortensen est très bon.

Vu le dernier jour de mon séjour cannois 2016, on ne peut pas dire qu'Olli Mäki m'ait vraiment enthousiasmé, malgré son prix à Un certain regard.

En mai dernier le film portait encore le doux nom de Hymyileva mies, et je me souviens avoir été intrigué devant ce morne exotisme : un nom à coucher dehors, un noir et blanc grisâtre, une histoire dont on se contrefout. Dans l'effervescence cannoise, on apprécie le contretemps. 

Il y a chez le réalisateur Juho Kuosmanen une sacrée dose de folie pour souhaiter raconter l'histoire d'un obscur boxeur finlandais qui concourt pour le titre de champion du monde à Helsinki en 1962, et échoue lamentablement au deuxième round, peut-être parce qu'il est tombé amoureux, mais peut-être aussi parce qu'il n'a pas envie de gagner.

Le film est beau comme les premiers Jarmusch, intéressant comme le Courir de Jean Echenoz, et totalement inutile, bien que servi par des acteurs formidables et une photographie superbe.

Olli Mäki est proche de la perfection esthétique (peut-être trop, rapporté à son sujet : la loose), mais j'hésite quand même à le conseiller, tant le sujet est anecdotique et le plaisir qu'il procure spécifique.

A l'occasion de la sortie en DVD du film de Carlos Saura  Argentina, je vous propose de gagner 5 DVD.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "Qu'est ce que la chacarera ?"

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 2 novembre 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite le DVD, envoyé directement par le distributeur.