Christoblog

Lors de mon séjour cannois en 2012 je suis entré dans des salles de la Quinzaine ou d'Un certain regard sans abolument rien connaître du film que j'allais voir. Ce fut parfois pour de délicieuses surprises comme Rengaine, Gimme the loot ou Gangs of Wasseypur, ce fut d'autres fois pour des expériences d'un ennui abyssal comme pour 3, chronique d'une famille singulère.

Le film s'appelait d'ailleurs à l'époque simplement 3, ce qui était un nom stupide et anti-commercial au possible. Depuis, un assistant stagiaire y a ajouté chronique d'une famille singulière, ce qui ajoute un petit air idiot à ce qui est déjà inconsistant. Pourquoi pas 2, journal d'un couple spécial ou 16, saga d'une tribu formidable ?

Tout cela est très mauvais, mais je vous le raconte quand même un peu pour vous faire sentir tout le désintérêt que peut inspirer ce film. La fille est gardien de hand. Oui, je sais, c'est déjà dur à assumer. Elle va redoubler. Elle a petit copain, mais drague un peintre. La mère tombe amoureuse d'un mec obèse. Le père, maniaque, arrête de jouer de foot car il se fait insulter. Parfois les 3 personnes se rencontrent, et dansent d'une façon un peu ridicule, comme des pingouins.

Voilà.

Sinon, le film a un avantage (et un seul), c'est qu'il est uruguayen. Et bien qu'il ne dise rien de l'Uruguay d'aujourd'hui, il me permet de cocher un pays sur ma grande mappemonde mentale du cinéma.

PS : Attention, certains essayent de vous vendre ce pensum pour une comédie. Ce sont les mêmes qui vous diront que Amour de Haneke est une comédie musicale.

Est sorti en DVD en 2013 un film d'animation à l'aura de film culte : The plague dogs, de Martin Rosen (1982).

A cette époque, il était totalement fou de réaliser un film pareil pour une distribution en salle : deux chiens montrés de façon hyper-réaliste, victimes d'expérimentation de la part de scientifiques, et dont l'histoire finit mal ! Inutile de dire que le film fut à l'époque un échec cuisant. Les enfants ne pouvaient supporter pareille noirceur, et les parents ne s'intéressaient pas à ce type de film.

Plus de trente ans après sa réalisation, The plague dogs surprend encore aujourd'hui par son approche extrêmement réaliste du comportement des deux chiens, dont les caractères sont assez extraordinairement représentés, avec une belle sensibilité. Le film est également une charge politique contre les mensonges de l'Etat, et une dénonciation plus générale de l'ethnocentrisme. Tout cela en fait une oeuvre curieuse, ambitieuse, et plutôt attachante.

Malheureusement, j'ai eu un peu de mal à m'habituer aux décors, qui ont assez mal vieilli, surtout en ce qui concerne les extérieurs (les visions initiales du labo sont par contre splendides, dans une veine un peu expressionniste). J'ai trouvé le film très sombre, pas seulement au figuré, mais aussi au sens propre, avec des passages entiers dans des tonalités presque noires. La deuxième partie du film, avec un personnage de renard un peu plus convenu et une chasse assez classique, m'a moins touchée que la première.

Pour les amateurs de films d'animation The plague dogs est certainement un incontournable, pour les autres il est surtout une curiosité.

Voir mon avis sur la sélection officielle et Un Certain Regard : En route pour Cannes 2013 (1)

Dans les sections parallèles, le trait dominant est l'irruption massive du jeune cinéma français, tel que célébré dans le dernier numéro des Cahiers du Cinéma.

Ainsi verra-t-on à la Semaine de la critique Suzanne de Katel Quillévéré / 33 ans (très remarquée avec son premier film Un poison violent), Nos héros sont morts ce soir de David Perrault / 37 ans, et Les rencontres d'après-minuit du déjà culte Yann Gonzales / 36 ans, en séance spéciale.

A la Quinzaine, c'est La fille du 14 juillet, d'Antonin Peretjatko / 39 ans qui fait le buzz.

Enfin côté ACID, Vincent Macaigne, acteur fétiche de cette nouvelle génération, apparaîtra dans La bataille de Solférino de Justine Triet / 35 ans, et Deux automnes, trois hivers de Sébastien Bedbeder / 38 ans.

Pour ma part, j'essaierai de voir également à la Semaine Les amants du Texas de David Lowry avec (excusez du peu) Rooney Mara et Casey Afleck, et à la Quinzaine Le congrès d'Ari Folman, qu'on a longtemps annoncé en compétition officielle, ainsi que les nouveaux films de Yolande Moreau et Raphael Nadjari. A noter enfin Tip top, comédie de Serge Bozon avec Sandrine Kiberlain.

Cannes c'est aussi des stars sur la Croisette. En vrac et dans le désordre, devraient défiler sur le tapis rouge cette année les acteurs et actrices suivants :

Michael Douglas, Robert Redford, Marion Cotillard, Leonardo di Caprio, Joachim Phoenix, Matt Damon, Léa Seydoux, Ryan Gosling, Bérénice Béjo, Mads Mikkelsen, Sergi Lopez, Bruno Ganz, Céline Sallette, Louis Garrel, Justin Timberlake, Carey Mulligan, Orlando Bloom, Forest Whitaker, Mathieu Amalric, Benicio del Toro, Emmanuelle Seigner, Mila Kunis, Clive Owen, Matthias Schoenaerts, Charlotte Rampling, Frédéric Pierrot, Toni Servillo, Luis Tosar, Tahar Rahim, Jeremy Renner, Emma Watson, Vincent Lindon, Chiara Mastroiani, Lola Creton, Casey Affleck, Nicole Kidman, Daniel Auteuil, Isabelle Huppert, Rooney Mara, Sandrine Kiberlain, Eric Cantona, Béatrice Dalle, Emily Browning, François Damiens, Harvey Kietel, Paul Giamatti, Denis Ménochet, Olivier Gourmet, Golshifteh Farahani, James Franco, Audrey Tautou, Tilda Swinton, Kim Novak...

Impressionnant, non ?

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La question était : Park Chan-wook, le délirant réalisateur coréen, allait-t-il perdre de sa superbe en tournant aux Etats-Unis ?

La réponse est non. Le style est toujours le même, flamboyant, du genre à avoir une idée par plan. On n'en finirait pas de lister les figures de styles plus ou moins novatrices qui parsèment le film. Deux moments seulement, magnifiques, qui sont deux exemples parfaits d'enchaînement de plans : celui où un oeuf apparaît en surimpression sur l'oeil de la jeune fille, et celui où cette dernière marche dans une rue, puis sur une route, dans la continuité.

Park Chan-wook, c'est un peu les montagnes russes de l'imagination derrière une caméra. Nul doute que certains pourront du coup ressentir une impression de trop-plein.

Le fond, lui, est fortement empreint de perversion, comme souvent chez Park Chan-wook. Bien plus que le triste pensum de Brian de Palma (Passion), c'est bien dans Stoker qu'on pourra voir un ultime hommage au cinéma de Hitchcock. L'intrigue, bien qu'un peu trop flottante pour faire réellement référence, rappelle assez certains films de sir Alfred. Nicole Kidman est aussi une héroïne hitckockienne en diable. Alors bien sûr, la virtuosité de Park lui fait assez souvent perdre de vue la vraisemblance de l'intrigue, mais on est toutefois dans un registre infiniment plus maîtrisé que celui du délirant Thirst.

Stoker est un film brillant, que certains trouveront trop superficiel pour être marquant, et que d'autres adoreront comme on peut se laisser entraîner par un feu d'artifice particulièrement réussi.

Printemps... fut le film qui fit connaître Kim Ki-duk au public européen et en particulier français, alors que son film suivant, moins connu, Samaria, décrochait simultanément l'Ours d'argent à Berlin, en 2004.

Rien d'étonnant à ce que ce film, pétri de philosophie, symbolique à plusieurs niveaux, et littéralement imbibé de la présence de la nature ait été plébiscité au milieu des années 2000 : il a un petit côté new age qui entrait parfaitement en résonance avec l'époque.

Aujourd'hui le film a plutôt bien vieilli, si l'on excepte l'affreuse musique pas toujours en harmonie avec les images, et le jeu parfois artificiel des enfants. Pour le reste, après la première "saison" un peu inquiétante (est-on en train de voir un reportage animalier ou un ersatz du National Geographic ?), le film prend son envol romanesque. Eté est captivant, Automne bouleversant, et Hiver impressionnant.

Les ficelles sont certes un peu grosses, mais le film fonctionne comme un bulldozer narratif et sensuel, entremêlant les perceptions changeantes du temps, les ellipses géantes, la symbiose avec la nature. Le déplacement du temple sur le lac place les personnages autant hors du temps que de l'espace. Il est impossible de résister à la puissance du film qui emporte tous les petits bémols sur son passage.

Drôle de projet que de porter à l'écran l'aventure de ce marin islandais, seul rescapé d'un naufrage, qui parvint en 1984 à survivre dans l'eau glacée pendant 6 heures, en contradiction totale avec toutes les certitudes scientifiques sur le sujet.

Un peu dubitatif avant le début du film, j'ai été complètement happé par sa justesse de ton. La première partie montre les difficiles conditions de vie sur ces petites îles volcaniques avec un sens aigu du raccourci, et se conclut par la scène très réaliste du naufrage.

Le réalisateur parvient ensuite à retranscrire les pensées du nageur d'une façon extrêmement subtile, grâce à de pseudo vieux films au format carré et aux coins arrondis. Il parvient à susciter l'émotion sur un sujet assez austère, là où échouait dans des conditions similaires Danny Boyle dans 127 heures.

L'après-naufrage est un petit peu moins intéressant à mon goût, mais le film continue toutefois de dérouler sa chronique sans aucune faute de goût.

Le réalisateur Baltasar Kormakur est certainement promis à un grand avenir, si Hollywood ne le mange pas tout cru : il filme en ce moment un polar avec Denzel Washington et Mark Wahlberg.

Curieux de découvrir pour la première fois un long métrage du réalisateur culte Sono Sion, auquel Deauville Asia a rendu hommage cette année, j'attendais beaucoup de The land of hope.

Le film est une réflexion autour de Fukushima. L'action se déroule quelques années après la catastrophe, dans une ville fictive appelée Nagashima (contraction de Nagasaki et de Fukushima ?), qui revit les mêmes évènements : tremblement de terre, tsunami, catastrophe nucléaire.

Le début du film est très prometteur : il peint habilement le tableau d'une famille d'agriculteur traditionnelle. Le patriarche est magnifiquement joué par un acteur de 72 ans, Isao Natsuyagi, particulièrement charismatique. La mère souffre d'une maladie mentale, le fils surjoue un peu dans l'hystérie typique des jeunes japonais, la belle-fille est migonne à croquer.

Quand la catastrophe survient, le village où habite la famille est partagée en deux par une ligne d'exclusion délimitant le rique de radiation : le caractère ubuesque de la situation est considérable et fournit un ressort dramatique très efficace au film. Cette ligne inspire à Sono une série d'allégories sur les pieux (y compris sonores) particulièrement originale et inspirée. Le travail sur la bande son du film est dans son ensemble très recherché.

Malheureusement, The land of hope s'égare ensuite sur la longueur en tentant de suivre des personnages annexes sans grand relief (le couple qui erre dans les ruines), et en multipliant des effets un peu lourds (l'arbre en feu, le jeu vraiment exagéré du jeune homme).

Au final, le film me laisse donc très sentiments contrastés, entre curiosité étonnée et énervements passagers.

Lors du dernier Festival de Cannes, l'attente était grande concernant le troisième film de Jeff Nichols, très remarqué pour son deuxième film, Take Shelter, qui pour ma part ne m'avait (déjà) que partiellement convaincu.

Mud commence très bien. Deux enfants errent dans la nature sauvage (et aquatique) du Sud des Etats-Unis et découvrent une île au milieu du fleuve, dans laquelle vit un être mystérieux joué par l'inévitable Matthew McConaughey, décidément très présent en 2012 sur la Croisette (Paperboy) et ailleurs (Killer Joe).

Cette partie du film est vraiment réussie, confirmant l'exceptionnelle aptitude de Nichols à filmer la nature (on pense évidemment à Malick), l'étrangeté, l'enfance et les visages. Les deux garçons sont remarquables, agissant comme des adultes et nous emportant dans un beau voyage vers le mystère, en convoquant toute la mythologie du Mississippi (Tom Sawyer et cie).

Il est d'autant plus triste de voir le film s'affaisser progressivement dans les conventions les plus éculées du cinéma américain, et perdre ainsi son intérêt. L'intrigue se révèle finalement platement classique, tristement noire, et prévisible. On s'ennuie. On se demande où sont les surprises, où est le mystère, et à quoi rime cette fin un peu idiote, en forme de happy end. Le fim, trop long, s'égare donc en route et perd le fil de son originalité.

Au final prédomine l'impression d'un talent gâché : Jeff Nichols semble armé pour faire beaucoup mieux que ce film, à la facture finalement très classique.

Peu de films prennent comme sujet la vie des philosophes. Il faut dire que filmer la pensée en train de s'élaborer est une sorte de défi ultime, et Hannah Arendt n'évite pas entièrement l'écueil de la vacuité, en exposant plusieurs fois son personnage principal allongée, en train de méditer.

Heureusement pour nous, le film montre bien autre chose, et d'abord le portrait d'une femme, avec son histoire très exceptionnelle (avoir été l'amante d'Heidegger n'est pas rien) et beaucoup plus quotidienne (son mari qu'elle appelle Frimousse, ses amies, ses cigarettes, ses parties de billard).

Ensuite, et c'est probablement le plus instructif, on suit le procès d'Adolf Eichmann comme si on y était. Margarethe Von Trotta choisit de ne montrer le nazi qu'au travers de véritables images d'archive, et là se situe sans nul doute le coup de génie du film. Il est tout à fait fascinant d'observer le visage de cet homme, impassible, et évoquant l'honneur comme justification des horreurs commises.

Du coup, l'élaboration du concept de Banalité du mal paraît assez claire. 

La dernière partie du film est peut-être la plus intéressante : elle montre avec brio comment des groupes de personnes peuvent juger d'une oeuvre sans même l'avoir lue, ce qui constitue un phénomène tout à fait classique. L'attitude d'Hannah Arendt, qui refuse obstinément de répondre, considérant qu'elle n'a pas à entrer dans une polémique qui n'est pas de son niveau, est remarquablement rendue. La longue scène finale du discours devant les étudiants permet à l'excellente Barbara Sukowa se déployer tout son talent.

Hanna Arendt est loin d'être un chef d'oeuvre cinématographique, mais c'est sans conteste un film agréable dont on sort plus intelligent.

Après les claques des deux premiers opus Amour et Foi, le troisième volet de la trilogie d'Ulrich Seidl s'avère presque être une bleuette romantique. Enfin, presque.

Nous sommes cette fois-ci dans un camp pour enfants obèses, et nous suivons le sentiment amoureux naître chez la jeune Mélanie (13 ans), avec pour cible le médecin du camp, qui a plus de 50 ans.

La situation est donc, comme toujours chez Seidl, franchement tordue au départ, mais alors que dans les deux premières versions de la recherche du paradis les choses n'évoluaient pas du tout favorablement, on trouve ici une douceur et une lueur de bienveillance qui surprend.

Entendons nous bien : Mélanie ne trouvera pas plus son paradis qu'Anna Maria et Teresa, mais au moins aura-t-elle été respectée.

Si le réalisateur abuse ici des cadres symétriques qu'il affectionne, il faut reconnaître que sa caméra capte toujours aussi bien le frémissement des sentiments sur les visages (et peut-être encore plus sur - ou dans - les corps). L'intrigue du film est un peu faible, mais elle est sublimée par l'intensité de certaines scènes qui parviennent à nous émouvoir - ce qui n'était pas le cas dans les deux autres films de la trilogie Paradis.

A la fin de Paradis : espoir, on se rend compte avec une pointe de surprise que la petite tribu d'enfants que nous avions découvert au début (avec circonspection, car on craignait de verser dans une sorte de voyeurisme malsain) nous est devenue proche. Le résultat, une fois de plus, de l'incroyable précision de la direction d'acteur d'Ulrich Seidl, qui donne ici deux rôles remarquables à ses acteurs : celui de Mélanie et celui du médecin.

Un beau film.

Ulrich Seidl sur Christoblog : Paradis : amour / Paradis : foi

Une interview passionnante d'Ulrich Seidl sur le site d'Arte

Je suppose qu'on pourra détester le cinéma d'Ulrich Seidl. Il y a dans ses films, et en particulier dans celui-ci, une sorte d'intransigeance sèche et de jusqu'au boutisme qui pourront rebuter.

Anna Maria est amoureuse ... de Jésus. Son amour est sans limite et se concrétise de plusieurs façons (mortification, prosélytisme forcené, rejet de la luxure). Elle est plus que bigote, mais malheureusement pas mystique. Quand son mari musulman revient d'Egypte, le choc est évidemment frontal. L'un et l'autre s'entredéchirent, et comme le mari est handicapé, la brutalité des situations conflictuelles est parfois quasi insupportable.

A partir de cette matière riche, Seidl réussit une sorte de tour de force : on n'est jamais complètement révulsé par le comportement d'Anna Maria. On l'observe comme on observerait un insecte dans un vivarium. Chez Seidl, les comportements sont toujours montrés dans leur cohérence, de telle façon qu'il paraissent naturels, même s'ils sont intrinséquement déviants, ou désespérés. C'est la grande force du cinéma de l'autrichien : donner à voir un pan de l'âme humaine comme le ferait un ethnologue, mais avec les moyens d'un peintre.

Je ne l'ai pas encore dit, mais le travail de mise en scène (au sens large, en incluant la direction d'acteur et le montage) est ici impressionant de virtuosité, par exemple dans la façon dont l'appartement quelconque de l'héroïne est filmé comme un monde à part entière. Les cadres de Seidl sont toujours une merveille.

Peut-être moins brillant que Paradis : amour, parce que parfois un peu trop démonstratif, le deuxième opus de la trilogie s'avère être toutefois une expérience de cinéma durablement marquante.

Ulrich Seidl sur Christoblog : Paradis : amour / Paradis : espoir

S'il y a bien un film que je m'attendais à ne pas aimer, c'est bien celui-là. Une certaine froideur, un sujet désagréable, un réalisateur autrichien, le mot Amour dans le titre : mon esprit sentait l'ombre maléfique du grand faiseur prétentieux et doublement palmé s'allonger sur le film.

En réalité, et c'est ce que je vais essayer de démontrer, l'approche de Seidl est à l'opposé de celle de Haneke, appelé MH dans la suite de cet article.

Le sujet n'est pas rigolo, rigolo : on suit une cinquantenaire autrichienne, Teresa, en vacance au Kenya, dans des pratiques de tourisme sexuel montrées très crûment.

Teresa se laisse entraîner par une amie plus délurée qu'elle. La première évocation de ces sujets a d'ailleurs lieu lors d'une très belle scène lors de laquelle Teresa glousse un peu comme une jeune fille. On voit dans ces yeux, à ce moment là, qu'elle nourrit VRAIMENT l'espoir de trouver l'amour. Elle est naïve (le film le montre à de multiples reprises, lors de la longue tirade sur les yeux ou lorsqu'elle découvre que son amant est marié, etc). Elle est bête, raciste, mais elle tend vers l'amour. Le film porte donc merveilleusement son titre : l'amour n'est nulle part alors que Teresa voudrait qu'il soit partout.

La démarche de Seidl, on le voit, est donc à l'opposé de celle de Haneke. Seidl dit : la vie est une merde, je vais vous le montrer simplement et sans chichi, et puis je vais vous montrer aussi que certains espèrent. MH dit : je vais vous montrer que la vie est une merde, mais je vais vous faire croire autre chose en vous égarant dans des circonvolutions issues de mon esprit supérieur, et puis à la fin, je vous filerai à tous une baffe en vous démontrant, en plus, qu'il n'y a aucune raison d'espérer.

Côté mise en scène, j'ai été littéralement bluffé par l'aisance de Seidl que je ne connaissais pas. Ses plans fixes sont souvent somptueux, dignes de tableaux de Lucian Freud ou de Hockney (on est loin de l'esthétisme petit bourgeois de MH), son sens du rythme est étourdissant (le film est une alternance de petites scènes rapides et de longs plans sidérants), la photographie est magistrale.

Impossible de passer sous silence la performance de l'actrice Margaret Tiesel, qui joue sûrement une partie considérable de son être le plus intime dans cette aventure, mais qui le fait avec une sensibilité et une maestria qui m'ont donné les larmes aux yeux.

La population kenyane n'est montrée qu'au travers de ses beach boys, prostitués inavoués qui donnent leur plaisir aux sugar mamas. Le tableau n'est donc pas très séduisant, mais il donne au film toute une dimension politique supplémentaire : formidable retour de bâton du colonialisme, le film nous inflige aussi une grosse claque de ce côté là.

Comme pour toutes les grandes oeuvres, il me semble que je pourrais écrire des paragraphes entiers sur certains aspects du films, mais comme je prête attention à maintenir l'intérêt du lecteur, je ne le ferai pas. Simplement, à titre d'avant-goût pour un deuxième article, je pourrais écrire longuement sur : la scène d'ouverture qui montre Teresa en Allemagne dans son activité professionnelle, l'utilisation géniale des décors naturels, le sens du grotesque (le noeud rose, l'orchestre, la scène avec les singes), l'absence de musique, la sexualité féminine.

Au final, un beau film sur la laideur, puissant, signifiant et qui se coltine franco avec la réalité des classes moyennes. L'inverse de MH.

Vivement la suite de la trilogie.

Ulrich Seidl sur Christoblog : Paradis : foi / Paradis : espoir

Vu au Festival du film asiatique de Deauville en 2013. Le film n'est pas sorti en France.

Ce film étonnant de Brillante Mendoza ne ressemble en rien à ses précédents.

Thy womb est tourné parmi les populations musulmanes de petites îles complètement isolées au large des Philippines. On suit plus particulièrement un couple assez agé sans enfants.

La femme décide que son mari mérite une descendance et se met en quête d'une femme pour lui.

Mendoza commence à dresser un tableau quasi-documentaire de la vie très rude de ces peuplades éloignées de tout, ce qui donne au film un étrange aspect de tableau vivant aquatique qui rappelle tout à fait un autre film se déroulant dans le même type d'environnement : le mexicain Alamar.

Progressivement on s'attache au personnage joué par la formidable actrice Nora Aunor (une star aux Philippines), et alors qu'on s'attend à s'ennuyer ferme, on est progressivement surpris par les développements d'une situation un peu ubuesque, et qu'on n'imagine pas du tout pendant la première partie du film.

Si la progression de l'intrigue est très lente, il règne dans le film une atmosphère un peu magique, envoûtante, que Mendoza zèbre d'éclairs d'inquiétude ou de violence (la menace sourde de groupes terroristes est permanente). Thy womb constitue au final le tableau poignant d'humanité d'une femme force de la nature. La mise en scène, bien que plus discrète que dans les autres films de Mendoza, reste absolument limpide.

Brillante Mendoza sur Christoblog : Kinatay / Lola / Captive

Comme beaucoup d'autres l'ont dit, le nouveau film de Gus Van Sant ne ressemble en rien à du Gus Van Sant. Il faut attendre un des derniers plans du film pour voir un homme en train de marcher et filmé au ralenti : c'est dire !

Passé ce préliminaire, et tentant donc de considérer le film uniquement pour ce qu'il est, je dois avouer qu'il m'a paru plutôt agréable.

Loin d'être le pensum anti gaz de shiste qu'on pouvait craindre, Promised land s'avère être un tableau très juste de la campagne américaine, loin des habituels clichés : les habitants n'y sont pas tous nuls, ni tous sympas, ni tous red neck.

L'avancée de l'intrigue est sympathiquement rythmée par la connivence qui règne entre un Matt Damon décidément excellent dans ce type de rôle de mec mal dégrossi, et une Frances McDormand à croquer.

Les enjeux économiques, moraux, écologiques, commerciaux, sont esquissés avec une grande subtilité, et toujours incarnés à travers un personnage, c'est la grande force du film. Si le coup de Trafalgar qui secoue le film m'a agréablement surpris (je mets quiconque au défi de le voir arriver), la toute fin m'a paru assez fade.

Au final, le film est tout de même recommandable. A noter qu'on entend pour la deuxième fois en peu de temps la chanson de Springsteen Dancing in the dark comme marqueur de l'Amérique profonde (après The place beyond the pines).

Gus Van Sant sur Christoblog : 2007 - Paranoid park (**) / 2008 - Harvey Milk (***) / 2011- Restless (****)

La belle endormie est construit autour d'un fait divers qui a divisé l'Italie : l'histoire d'Eluana Englaro, jeune fille plongée dans le coma depuis 17 ans, que son père a décidé de "débrancher", provoquant la colère du Vatican et moult débats, y compris au Parlement, tenté de légiférer en urgence.

Marco Bellocchio ne montre à aucun moment Eluana ou sa famille, mais construit une fiction ample et romanesque autour de plusieurs personnages en rapport avec cette affaire, mais sans liens entre eux : un sénateur, sa fille, un couple de frères dont un est bipolaire, un médecin, une droguée, une actrice dont la fille est également dans le coma (splendide Isabelle Huppert).

On suit avec intérêt l'évolution de tous ces personnages, qui en quelques jours traversent plusieurs états d'âme, et doivent faire face à des décisions fondamentales, de plusieurs types.

Même si les histoires sont d'intérêt très inégal, j'ai été franchement séduit par la mise en scène de Bellocchio (on pense parfois à l'Almodovar de Parle avec elle, évidemment), et par l'intensité qu'il réussit à donner à certaines scènes. Alba Rohrwacher m'a tapé une fois de plus dans l'oeil, son interprétation est à la fois fine et dense.

Le film est aussi clairement politique, et profondément critique envers l'influence de la religion catholique. Certaines scènes sont édifiantes, comme celle dans laquelle on voit les sénateurs suivre les débats de leur sauna, comme directement sortis de la Rome antique.

Bellocchio parvient à évoquer bien d'autres sujets que l'euthanasie, et réussit un film bancal, singulier, un peu trop éparpillé, mais finalement aimable.

L'année dernière à Cannes, la Colombie était particulièrement à l'honneur, avec La playa présenté à Un certain regard, et La Sirga à la Quinzaine.

Pas facile de parler de ce film autrement qu'en disant qu'il s'agit d'une sorte de Désert des Tartares lacustre, ce qui n'incitera probablement personne à aller le voir.

Les paysages sont sublimes, comme la photo ci-contre le montre. On suit une jeune indienne fuyant la guerre civile, qui se réfugie chez le dernier membre de sa famille qui tient une auberge : La Sirga.

Le véritable personnage du film est d'ailleurs peut-être cette maison de bois, à la fois branlante et solide, qui semble posséder une personnalité propre. Le film, lent et aquatique, taiseux, semble vouloir porter des valeurs panthéistes. On a du mal à s'attacher à l'actrice principale qui ne sourit jamais. Le comportement de l'ensemble des personnages paraît hermétique et difficile à comprendre.

Les 1h30 du film s'écoulent tranquillement, dans une relative indifférence, au milieu des roseaux, en attendant les touristes, qui ne viendront jamais, et d'éventuels brigades armées, jusqu'à une fin improbable.

Si le film possède de vraies qualités (quelques beaux mouvements de caméra, une réelle aptitude à capter l'essence de la nature), cela ne suffit pas pour vous le conseiller.

L'annonce de la sélection officielle a eu lieu jeudi. Le détail est ici, sur le site officiel.

Le programme semble sur le papier meilleur que celui de l'année dernière.

Prenons par exemple les asiatiques. La sélection regroupe 3 pointures : les japonais Hirokazu Kore-Eda (Nobody knows, Afterlife, Still walking, Air doll) et Takashi Miike, qu'on ne présente plus, ainsi que le chinois Jia Zhangke (Still life), probablement un des cinéastes les plus doués de sa génération.

Côté français, on attendait Asghar Farhadi (La séparation), Addellatif Kechiche, Roman Polanski, et Arnaud Desplechin. Beaucoup moins François Ozon et Arnaud des Pallières, que je ne connais pas.

Mais c'est surtout la sélection américaine qui est bien plus alléchante que les Cogan, Sur la route et autre Lawless de 2012 : la projection du film de James Gray devrait être un grand moment, comme celle du film de Soderbergh, son dernier d'après lui... Cette bio de la star gay Liberace, que les studios américains ont refusé de produire, trouve donc asile à Cannes, terre d'accueil. Les frères Coen et Winding Refn, ce dernier dans une veine semble-t-il ultra violente, étaient également prévus, à l'inverse du nouveau film de Alexander Payne, Nebraska, proposé au dernier moment.

Si l'Espagne n'a pas de représentant cette année, on parlera quand même espagnol avec le mexicain Escalante (collaborateur de Reygadas). L'Italie présente Paolo Sorrentino, chouchou de Thierry Frémaux qui l'invite pour chaque film, et Valeria Bruni-Tedeschi, seule femme en compétition.

Egalement dans la course à la Palme d'Or, Mahamat-Saleh Haroun (auteur du très beau Un homme qui crie) représentera l'Afrique et Alex Van Warmerdam, réalisateur hollandais passablement iconoclaste (Les habitants), sera le seul réalisateur d'Europe du Nord.

En dehors de l'Espagne, le Royaume-Uni, la Roumanie, la Russie et la Corée sont les autres grands absents.

Hors compétition, on sera très impatient de voir le nouveau film de JC Chandor (Margin Call) avec un seul acteur, Robert Redford, le film américain de Guillaume Canet, Blood ties, et aussi Blind Detective de Johnnie To en séance de minuit.

La sélection Un certain regard accueille des réalisateurs qui feraient le bonheur de Venise ou Berlin : Sofia Coppola, Claire Denis, James Franco, Alain Guiraudie, Rebecca Zlotowski (Belle épine), Rithy Panh, Mohammad Rasoulof (auteur du très beau Au revoir). Cette section est un bon marqueur des cinématographies les plus vivantes, avec pour cette année, deux films philippins et un mexicain. A noter aussi, comme l'année dernière avec Les bêtes du Sud sauvage, la présence du grand prix de Sundance : Fruitvale station, de Ryan Coogler.

J'en salive d'avance...

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Difficile d'émettre des critiques face à une oeuvre aussi démesurée que le dernier film de Wong Kar Wai, cinéaste adulé des cinéphiles, et qui sur ce terrain là ne connaît que Terence Malick comme concurrent sérieux. Rappelons quelques chiffres sidérants : 10 ans pour que le film se concrétise, de nombreuses interruptions dans le tournage (Tony Leung a appris le kung-fu pendant 4 ans et s'est cassé le bras deux fois), la scène initiale sous la pluie a nécessité un mois de tournage, le combat entre Ip Man et Gong Er aussi (et plus de deux ans de montage pour cette seule scène), la construction du bordel a duré 6 mois, etc...

La somme des talents réunis sur ce film, que ce soit pour les chorégraphies, la musique ou la photo, est aussi considérable, comme le nombre de références que convoque WKW (Sergio Leone, Alira Kurosawa).

Bref, si je cite tous ces éléments, ce qui n'est pas mon habitude, c'est parce que le film donne cette sensation d'écrasement, de trop-plein. Les images sont belles, les ralentis sont toujours magnifiques, mais je suis resté relativement insensible devant cet étalage de virtuosité.

C'est d'abord très difficile de comprendre les enjeux qui se jouent en début de film entre les différentes écoles de kung-fu. On comprend vaguement qu'il y a une philosophie derrière les valeurs que véhicule chacune d'entre elles, mais je suis resté sur ma faim.

La deuxième partie, plus intéressante à mes yeux, donne à sentir le poids du temps qui passe, et comme à son habitude WKW excelle à filmer la nostalgie.

Certains éléments m'ont tout de même déçu, notamment les gros plans un peu convenus (gouttes d'eau, sang, flammes), presqu'indignes dans leur facilité d'un grand cinéaste comme WKW. Très étonnant également, les images d'après générique de fin, pas du tout dans l'esprit du film.

Difficile à conseiller à ceux que les arts martiaux laissent indifférents, The grandmaster est un film qui impressionne plus qu'il émeut.

Faire un film pour une actrice présente toujours un risque : que le reste soit nul.

Et c'est effectivement ce qui se passe ici.

Prenons Gabriel Byrne : il est passablement ridicule dans son costume un peu trop cintré, passant d'obscurs coups de fil, légèrement ventripotent, avec le charisme d'une huître en fin de vie. Qui peut raisonablement tomber amoureux d'une barrique aux cheveux pas net, à l'élocution difficile, au sourire rare et qui au plus fort de l'amour ne condescend qu'à déboutonner le deuxième bouton de sa chemise ? Personne.

Et la musique ! Pourquoi ponctuer certaines scènes d'une musique classique bien signifiante ? Autant embaucher un figurant qui viendra ajouter un panneau  "Emotions, pleurez" sous le nez de la caméra, ce sera plus simple.

Quand aux décors de la fête de la musique, il sont passablement ridicules, et notre couple d'amoureux écoute les concerts de musique exotique avec autant de conviction que le Pape un concert de heavy metal. Tout sonne faux dans le film, des grosses ficelles du scénario (ah, l'oubli opportun de la batterie de portable) jusqu'aux seconds rôles.

Alors oui, Emmanuelle Devos est bien, mais pour le coup je souhaitais plutôt voir un film que contempler une icône patiemment dessinée par un cinéaste amoureux.

Je ne pensais plus devoir attendre quelque chose d'agréable de la part de Soderbergh, surtout après le lénifiant, et lui aussi médical, Contagion.

Erreur ! Autant Contagion souffrait d'une intrigue lâche et d'approximations coupables, autant Effets secondaires renoue avec une solidité scénaristique de premier ordre.

Le film évolue d'une chronique de la folie vers un thriller criminel, tout en multipliant les fausses pistes (film procès contre les labos, film thèse sur la responsabilité morale et juridique).

J'ai pris un plaisir primaire à me faire manipuler avec autant de brio, quitte à gober quelques renversements de points de vue dans l'absolu improbables, mais finalement très cohérents au sein du film.

La mise en scène de Soderbergh est extrêmement maîtrisée, très classique dans sa forme et sa façon d'utiliser les effets, visant tous à amplifier le suspense ou à l'inverse l'explication. On est proche ici de l'esprit du meilleur d'Hitchcock. 

Soderbergh impose un style dépouillé, sobre, et en même temps expressif, qui le place dans une longue et noble lignée de cinéastes classiques, prenant plaisir à raconter une histoire complexe et plaisante.

Jude Law est tout bonnement époustouflant, et le reste du casting est proche de la perfection. La musique est remarquable.

Difficile de trouver un défaut au film, qui procure du plaisir en flattant l'intelligence, ce qui est de moins en moins courant.