Christoblog

Jour 1

Prince Avalanche, Ours d'Argent du meilleur réalisateur à Berlin 2013, est un produit typiquement indé US. David Gordon Green produit une fable sur deux types à l'orée de la quarantaine, paumés au fond du Texas. On dirait un mélange de Wes Anderson et de Judd Apatow, sans les qualités de l'un ni l'abattage de l'autre. Indigeste, pour mon estomac en tout cas.

Autre film indé US très attendu, France Ha, de Noah Baumbach (Greenberg), est plus plaisant à regarder, mais le film paraît d'un autre temps. Ils serait sorti en 1979 qu'on aurait pu en faire un petit frère du Manhattan de Woody Allen. Aujourd'hui, il sent un peu la naphtaline à la sauce girly.

La journée décidément assez faible se finit avec un vrai navet, La tendresse de Marion Hansel, avec un scénario pitoyable, une réalisation faiblarde et un jeu d'acteur (Olivier Gourmet, Marylin Canto, Sergi Lopez) qui incite à demander le remboursement en sortie de salle.

Jour 2

Comme souvent dans les festivals, le meilleur succède au pire pour le deuxième jour, avec Ilo Ilo qui a décroché la Caméra d'Or à Cannes en mai dernier. Ce film de Singapour est un bijou de précision et d'émotion. Un vrai coup de coeur, comme visiblement ce fut le cas pour le jury de la Caméra d'Or et sa présidente Agnès Varda, qui en parla très bien lors de la remise des prix.

Jour 3

De retour à Paris le week-end suivant, je retrouve l'ami mymp pour aller voir la dernière production de Peter Greenaway (toujours vivant, et ouais) : Goltzius and the Pelican Company. C'est riche, sucré, regorgeant de sens et de surimpressions sémantiques et visuelles, bref, pas forcément très digeste. Et ça dure 2h08.

Jour 4

Le lendemain, Charlotte Rampling tente de défendre L'oeil du cyclone de Fred Schepisi, mais ce film qui se déroule en Australie représente le pire, dans le genre qu'on qualifie de téléfilm. Je n'ai jamais su exactement ce que ça voulait dire, mais en l'occurence c'est exactement ce que j'ai ressenti. Plat, vain, inutile.

Je file au cinéma Grand Action (ses couloirs obscurs, ses fauteuils élimés, ses salles improbables) pour me plonger dans le deuxième film d'Ozon, Les amants criminels, présenté dans le cadre du cyle Natacha Régnier. C'est barré, provocateur, et finalement plutôt réussi. Le film m'amène à considérer d'un oeil nouveau le cinéma d'Ozon, j'y reviendrai en détail.

Jour 5

Final en apothéose pour ma deuxième projection de La vie d'Adèle, après celle de Cannes. Mon émotion est intacte, puisque je suis au bord des larmes (d'ivresse, d'émotions, de plaisir) pendant les deux derniers tiers du film. L'atmosphère est moite, ma voisine se tripatouille les cheveux pendant tout le film. La projection constitue à nouveau une réelle expérience physique. Je pense que j'irai une troisième fois quand le film sortira.

Evidemment, le plaisir de retrouver Jesse et Céline est accru quand on a suivi leur aventure amoureuse depuis le début, en voyant Before sunrise il y a 18 ans et Before sunset il y a 9 ans.

Sinon, j'imagine que le film paraîtra peut-être un peu plat et ordinaire, car après tout il ne s'agit là que de montrer des situations dans lesquelles chacun pourra se reconnaître : petites piques, vieilles rancoeurs, non-dits, raccomodages. Bref, tout un arsenal de comédie romantique lo-fi.

Pour les connaisseurs de la "série", ce troisième opus se distingue par une forme un peu plus élaborée, même si la majorité des scènes est toujours constituée de ces longs tunnels de conversations à deux à propos de tout et de rien. Au titre des nouveautés on a droit à un repas de copains (aux dialogues parfois légèrement artificiels), à des scènes de Jesse avec son fils, et à des décors de spots publicitaires pour la Grèce (paysages et maison magnifiques au demeurant). Bref, à différentes petites variations.

Le film parvient à renouveler son fond de commerce constitués de longs travellings avant ou arrière avec une séquence incroyable au début du film, filmant une très longue conversation à travers le pare-brise d'un véhicule. Mais la vraie nouveauté se situe au niveau du ton, avec cette fois-ci une réelle méchanceté, surtout à travers quelques phrases couperets assénées par Céline. Cette cruauté est toutefois atténuée par la grâce mutine et énergique de Julie Delpy, et le calme olympien d'Ethan Hawke. Le film réussit un prodige : celui de montrer des personnages dont le caractère reste le même au cours du temps, tout en s'adaptant à la fois aux circonstances et aux changement des corps.

Les dialogues sont toujours ciselés, le film est d'une finesse remarquable (on revoit très différemment en fin de film les scènes initiales de préparation du repas et de discussion autour du nouveau roman de Jesse).

Une gourmandise de connaisseur, qui peut éventuellement laisser de marbre ceux qui n'ont pas vu les deux premiers opus.

J'espérais bêtement quelque chose de Man of steel, le reboot de Superman, et j'avais tort.

Le film est terriblement mauvais, qu'on le regarde sous n'importe quel angle. Les acteurs sont nuls. Henry Cavill est très probablement l'amas de muscles testostéroné le plus insipide jamais filmé. Son expressivité est inversement proportionnelle au carré de la grosseur relative de ces triceps.

A un moment du film, il tente de faire passer un sentiment sur son visage (il se concentre pour décoller), mais le pauvre n'arrive qu'à mimer le drame de la constipation avancée. Il est lamentable.

Entraînés par tant de nullité, les autres acteurs/trices semblent accorder leur violon à la médiocrité de Cavill. Même le petit nez retroussé d'Amy Adams semble affadi dans le brouet de sentiments primaires et d'hyper-premier degré qui constitue le film.

Les dialogues sont en effet d'une banalité consternante. Ils reflètent un scénario écrit avec un manche à balais, dans lequel les méchants sont hyper-méchants et les gentils hyper... bêtes. Cela donne des scènes d'un stupidité abyssale, comme celle où le père se sacrifie avec un geste de la main auguste pour sauver un petit toutou, alors qu'une tempête gigantesque épargne sa fille et son fils, à l'abri sous un simple pont.

Quand aux scènes d'action, elles n'ont rien d'original et sont beaucoup, beaucoup trop longues. On y voit un nombre d'immeubles détruits qui bat tous les records. Tous ces immeubles tombent bien proprement, sans avoir l'air de faire beaucoup de morts : on voit par là que les américains pensent toujours très fort au 11 septembre, sans évacuer le trauma par une représentation un tant soit peu réaliste.

J'ai beau chercher, je ne vois aucune circonstance atténuante à ce film qui est aussi insupportable par les trailers de placements de produit qui l'accompagnent, et en font une gigantesque pub plutôt qu'une oeuvre de cinéma.

A éviter absolument. En terme de blockbuster recyclant une franchise de légende, il vaut 1000 fois mieux aller se délecter du second degré, de la subtilité et de la malicieuse virtuosité de Star trek into darkness.

Zach Snyder sur Christoblog : Watchmen

A bien des égards, Before sunset apparait comme un codicille au volet précédent, Before Sunrise.

Même dispositif (une heure limite, une errance dans la ville, une fin incertaine), mais ici simplifié et raccourci. L'impression de temps réel est encore plus intense que dans le premier film de la trilogie.

Ce qui est très intéressant dans ce deuxième opus, c'est la subtile évolution des personnages. Plus âgés, ils ont vécu tous les deux toutes sortes d'expérience dont ils parlent avec leur franchise habituelle. La vie leur a appris à mentir légèrement, ce qui n'était pas le cas dans le premier épisode : ils jouent ici à un jeu de chat et de souris qui est absolument délicieux (de quoi se souviennent-ils exactement l'un et l'autre ? que s'est il passé en décembre 95 ?).

Puis tout à coup, dans la voiture qui ramène Jesse à l'aéroport, une sorte de tension terrible apparaît dans les propos de Céline. Les dernières scènes dans son appartement amorce une rupture de ton. Quand Julie Delpy interprète la chanson à la guitare (quel moment de grâce absolu, qui renvoie bien sûr au livre de Jesse), elle emporte le film dans une sorte de rêve éveillé, qui laisse Jesse abasourdi (et nous aussi par la même occasion). C'est dans une autre dimension qu'on assiste finalement à la performance de Julie Delpy imitant Nina Simone. Comme le chant des sirènes envoûtant Ulysse, on se doute bien à ce moment là que Jesse est parti pour rater son avion...

La réalisation, de qualité, reste sagement discrète, ce qui est en soit un exploit (les raccords dans les conversations filmées en marchant sont invisibles). Les dialogues sont ciselés et servent à la perfection les deux acteurs, tour à tour mordants, tendres, nostalgiques, enthousiastes.

A voir absolument si on a aimé Before sunrise.

Alors que sort mercredi Before midnight, il n'est pas inutile de revenir sur les deux premiers volets de cette trilogie, débutée en 1995 par Richard Linklater (le réalisateur), Julie Delpy et Ethan Hawke (les acteurs) : Before sunrise, puis Before sunset.

Rappelons que ces trois films peuvent être attribués aux trois protagonistes, puisque les deux acteurs ont très largement participé au développement des scénarios des trois films, sur une idée originelle (et autobiographique si on en croit les rumeurs) de Richard Linklater.

C'est peut-être de cette intense collaboration artistique que vient cette impression saisissante de naturel et de profonde légèreté qui semble saisir tous les spectateurs de Before sunrise.

Rappelons le prétexte du film : deux jeunes gens (lui américain, elle française) se rencontre par hasard dans un train, et passe une nuit ensemble à errer dans les rues de Vienne, parlant sans cesse et tombant amoureux.

Ce qui fait l'originalité du film tient à mon sens en deux choses.

La première est la façon dont la fluidité du temps est rendue. Tous les éléments du film semblent progresser à la même vitesse, et si je puis dire dans le même sens : le train et les tramways roulent, les deux jeunes gens marchent, le temps s'écoule, les vies passent  (le cimetière), la nature suit son chemin (les étoiles, le soleil), le sentiment amoureux progresse et s'amplifie. Tous ses flux se mêlent, se croisent et se nourrissent l'un l'autre, amplifiés par la voix des deux acteurs, qui semblent exprimer un flow continu de pensée, presque jamais silencieux, et débattant avec une liberté incroyable de sujets renvoyant souvent au temps, passé ou futur (premiers souvenirs, espoirs pour l'avenir).

Le second point fort du film est la personnalité incroyable de Julie Delpy, qui est dans ce film complètement irrésistible. Tout à tour espiègle, directe, emportée, vulgaire, triste, poétique, tendre, intellectuelle, enjouée, elle déverse sur Ethan Hawke une pluie de sensations qui le rendent d'ailleurs de plus en plus silencieux, et amoureux. Les débats entre les deux personnages peuvent prendre des aspects inattendus, et brassent des sujets très divers, personnels ou philosophiques, sans jamais ennuyer. Les deux amants font preuve l'un envers l'autre d'une qualité d'écoute remarquable.

Le film multiplie par ailleurs les rencontres improbables et initiatiques (j'ai souvent pensé à des thèmes mythologiques : Ulysse, Orphée), comme par exemple les deux acteurs de théâtre, le clochard qui écrit des poèmes, les inserts sur les clients du bar, la cabine d'écoute chez le disquaire, la voyante. Le réalisateur souligne d'ailleurs cet aspect des choses  avec ces derniers plans superbes qui montrent quelques uns des décors fréquentés par le couple durant la nuit, vides et désertés. Une façon d'attester que la trace indélébile de cette histoire d'amour idéale subsiste dans l'atmosphère de la ville, comme son souvenir dans notre esprit.

Probablement un des plus beaux films jamais réalisés sur la naissance du sentiment amoureux.

Les bons sentiments font rarement de bons films. Né quelque part en apporte une nouvelle fois la preuve.

Farid doit se rendre en Algérie pour sauver la maison de son père. Il découvre un pays qu'il ne connaît pas, remplis de personnages fort sympathiques et truculents (dont Djamel en voyou sympathique, et surtout l'excellent Fatsah Bouyahme, en photo ci-contre). Sans dévoiler l'intrigue, au demeurant fort mince, disons qu'il va se voir dépouillé de ses papiers et devoir tenter un passage clandestin vers la France.

Le réalisateur Mohamed Hamidi veut parler de trop de sujets à la fois : la situation politique en Algérie, les relations avec l'ancien colonisateur, le drame des clandestins, la joie de vivre d'une petite communauté villageoise, le souvenir de l'exil pour les plus anciens, l'amour au bled, le marché noir... Chacun est traité trop superficiellement pour émouvoir ou intéresser vraiment. 

L'autre problème du film est l'aspect totalement lisse de l'acteur principal Tewfik Jallab, dont on se demande s'il n'a pas été choisi pour son physique de beau gosse plutôt que pour ses talents d'acteurs, qui se réduisent surtout à jouer le mec qui a du mal à se réveiller le matin.

Les vraies bonnes scènes du film se passent toutes au Café du village, microcosme attachant donnant lieu à de réjouissantes scène pagnolesque souvent centrées sur l'utilisation du téléphone public et de son "réceptionniste".

Je me demande pourquoi Thierry Frémaux à décidé in extremis d'ajouter ce film très moyen à la sélection officielle du Festival de Cannes 2013.

Certains films reposent uniquement sur leur actrice.

Lorsque celle-ci est juste moyenne, et que le reste est nul, cela donne Le temps de l'aventure. Lorsque l'actrice est impériale, comme Fanny Ardant ici, et que les seconds rôles sont corrects, cela donne un film acceptable.

Entendons nous bien, il ne s'agit pas de crier au génie, ne serait-ce que parce que le scénario est dramatiquement faible. Résumons-le brièvement : Caroline, jeune dentiste retraitée, se voit offrir par ses filles un chèque découverte dans un club de retraités. Et là, badaboum, passion torride pour un animateur, Julien, qui pourrait être son fils, joué par un étonnant Laurent Lafitte mi-homme objet, mi-tombeur raté, et un peu goujat. Le mari de Caroline, joué par le toujours délectable Patrick Chesnais, fait un cocu raisonnable attendrissant.

Donc, rien de bien original dans cette histoire de passion sur le tard et sans lendemain. C'est évidemment dans le jeu de Fanny Ardant que réside l'intérêt du film. Mutique et renfermée au début, son personnage s'éclaire et s'épanouit au fur et à mesure que sa relation se développe. Cette relation est de nature principalement sexuelle, car le pauvre Julien n'en a pas beaucoup dans le ciboulot, à l'inverse du mari.

Moi qui déteste habituellement Fanny Ardant et prend un malin plaisir à la descendre en flamme, je dois bien reconnaître qu'elle dégage dans ce film une classe incomparable et que son portrait de femme assumant sa sensualité à 60 ans est confondant.

La mise en scène de Marion Vernoux est pleine de délicatesse.

A voir éventuellement.

Pour la troisième année, Christoblog sera présent et accrédité au Festival Paris Cinéma.

Un programme très copieux :

- une compétition qui s'annonce de très haut niveau avec par exemple le très bon film de Justine Triet  La bataille de Solférino que j'ai vu à Cannes, ou Ilo Ilo, Caméra d'or cette année

- des avant-premières exceptionnelles en présence des équipes de film, dont La vie d'Adèle, Le congrès, Grand Central, Frances Ha et des dizaines d'autres

- un hommage à la Belgique

- des rétrospectives Alain Robe-Grillet et Natacha Régnier

- un zoom Afrique du Sud

En tout plus de 300 films projetés dans une quinzaine de cinémas parisiens.

Je ne sais pas trop combien de films je pourrai voir, mais je vous tiens au courant, comme d'habitude.

Oh boy commence comme un Woody Allen : une photo en noir et blanc au grain travaillé, des airs de jazz d'un autre siècle, un anti-héro qui vole d'humiliation en désillusion. On pense fugitivement que le film va évoluer vers une version arty cheap de Oslo, 31 août (24 heures, c'est le temps de faire des retrouvailles et des bilans existentiels), mais malheureusement Jan Ole Gerster est loin d'avoir le talent de Joachim Trier.

Il y a un réel mystère à voir ce film récolter une pluie de récompenses (Angers, Marrakech, 6 Lolas allemands - l'équivalent de nos Césars), alors qu'il n'est qu'une variation de plus sur le ratage d'une vie vue en une journée, totalement anecdotique et affreusement banale.

Je ne sauve du film que le début, avec un running gag assez drôle (à chaque fois que Niko veut boire un café, le sort s'acharne à faire en sorte qu'il en soit privé) et une évaluation amusante par une sorte de psy pervers, alors qu'il tente de récupérer son permis de conduire.

La suite n'est qu'une suite de séquences convenues que je ne vais pas me donner la peine de raconter dans le détail, mais dont la seule évocation permettra de jauger l'originalité : le père qui coupe les vivres, l'ex-petite amie obèse toujours amoureuse, l'acteur raté qui aurait pu réussir, le pochtron qui crève dans la solitude.

Inoffensif et inutile.

La scène d'ouverture de Star trek into darkness, résume assez bien ce que le film sera : un condensé de morceaux de bravoure (la poursuite, l'Enterprise qui émerge de la mer), de trouvailles visuelles (les arbres rouges), de psychologie sommaire mais efficace (la psycho-rigidité et le sens du sacrifice de Spock) et de péripities bien huilées (on ne comprend pas ce qu'on voit tout de suite, mais on prend plaisir à le regarder).

Si le nouveau film de JJ Abrams n'est certes pas un chef-d'oeuvre, il constitue une version acceptable du blockbuster de SF.

Les personnages sont attachants, bien que manquant clairement de profondeur psychologique. Zachary Quinto campe un Spock très amusant, même si je regrette qu'il finisse par céder à la tentation de l'émotion. La trame de l'intrigue est assez solide, ménageant quelques adroits rebondissements. On ne sait pas exactement quel est le véritable méchant pendant une bonne partie du film, ce qui est assez malin.

Certains diront que le scénario est une énième variation autour du rapport au père, ce qui n'est pas faux, et finalement presque logique au moment où JJ Abrams s'apprête à prendre les commandes du plus grands mythe contemporain traitant du sujet, Star Wars.

La mise en scène de JJ Abrams est d'une élégance et d'une efficacité remarquables, avec quelques traits caractéristiques de son style : un sens du cadre inné, une capacité à restituer des ambiances très diverses, un rythme, une attention extrême aux acteurs (beaucoup de gros plans sur les visages), des détails inexplicables (les peintures Renaissance, le trou bleu à l'arrière d'un crâne). Les décors, paysages, et vaisseaux spatiaux sont à la fois très réalistes et très beaux, ce qui contribue grandement au plaisir éprouvé durant la projection (une qualité que ne possédait pas le récent Oblivion).

Le film piétine toutefois un peu sur la fin, multipliant les twists sans nécessité et sacrifiant au spectaculaire au point de ressembler à du Transformer cheap. C'est dommage, parce que jusqu'à ce dernier tiers trop lourd, Star trek into darkness avait réussi à maintenir une sorte de légèreté enfantine et profonde à la fois, caractéristique de JJ Abrams, qui confirme avec ce film ses talents d'entertainer exigeant. Le film, malgré son titre très sombre, est bien loin des poses prétentieuses d'un Christopher Nolan.

JJ Abrams sur Christoblog : Star trek / Lost / Super 8

Tourné en 1962 au coeur de Paris, juste après la fin de la guerre d'Algérie, Le joli mai est un documentaire remarquable à plus d'un titre.

Premier point, j'ai été sidéré par la modernité des sujets abordés par Chris Marker et Pierre Lhomme, qui sont souvent encore d'actualité ou qui entrent en résonance avec celle-ci : précarité sociale, irrationalité des réactions de la Bourse, problématique des grands ensembles urbains, racisme ordinaire, condition de la femme... On est à la fois inquiet et fasciné de voir que les progrès dans nombre de domaines sont nuls ou limités.

Le deuxième aspect fascinant du film est la capacité qu'ont les réalisateurs de mêler l'intime et l'historique.

Ils arrivent magnifiquement à extraire ce qu'il y a de profondément personnel dans chacune des interviews (le jeune algérien, le prêtre ouvrier, la costumière, le vendeur de costume) tout en l'insérant dans le grand flux de l'histoire (les procès politiques, les grèves, De Gaulle, les mutations technologiques fondamentales comme la télé).

L'ensemble dégage une poésie touchante, magnifiée par une superbe photo en noir et blanc, et remarquable par les choix de cadres, de lumières et de focales, eux aussi formidablement modernes. Même la voix off d'Yves Montant, surtout présente au début et à la fin du film, est plaisante.

Je ne peux donc que conseiller cette traversée de Paris, qui multiplie les visions étonnantes et instructives sur son peuple, toutes classes sociales confondues. Un must du moment.

Chanel. Balmain. Zèbre et léopard, really ? Feutre noir. Scénario en guimauve. Fashion. Miu-Miu. Creux. Nice butt. Louboutin. Prada. Paris Hilton. Superficiel. Kirsten Dunst. Emma Watson. Los Angeles County Sheriff. Porsche Carrera S. Lindsay Lohan. Cocaïne. Vanity fair. Orlando Bloom. TMZ. Angelina Jolie. Lolita.The secret. Vide. Plat. Hollywood. MIA. Kate Chang. American Zoetrope. Fascination bling bling. Faiblesse criarde de la mise en scène. Rachel Bilson. Google. Roman Coppola = Israel Broussard. Talons hauts et bas de plafond. Bankrupt. Phoenix. Karma. Manque de tension. Megan Fox. Aucun intérêt. 80 amis sur Facebook. Deux. Clé sous le paillasson. Radical chic. Cool ou/et sarcastique. Chaussures rouges et rouge à lèvre. Webcam et video surveillance. Louis Vuitton. Pyjama rose. Rolex. Harris Savides. It's cute. Kanye West. Tête de mort. Jupe trop courte et jus de betterave, manque de jus de cerveau. Avicii. Gucci bag. Thomas Mars sur terre. Bret Easton Ellis du pauvre (d'esprit). No sex. Accident de voiture et ramassage d'ordures, accident d'ordure et ramassage de voitures. L.A. Hervé Léger et lourds placements de produit.  

Spring Breakers à la sauce Beverly Hills.

A Cannes, peu de films firent autant parler d'eux que L'inconnu du lac, d'Alain Guiraudie, présenté dans la section Un certain regard et récompensé par le prix de la mise en scène.

Le sujet comme le traitement donnaient tous deux naissance à de nombreuses rumeurs : relations homosexuelles explicites (avec doublure porno), thriller et assassin en série, monstre lacustre de 10 mètres de long.

Il est amusant de constater que tout cela est en partie vrai, mais ne rend pas du tout justice à ce que le film est vraiment.

Un lac artificel, quelque part dans le Sud, lieu de drague et de baise entre homos naturistes. Franck, jeune homme solaire dévorant la vie, y vient tous les jours. Il tombe amoureux de Michel, sorte de Freddy Mercury à la moustache de Magnum, qui a (malheureusement) un amant, très Village People au demeurant. Un soir, Franck voit Michel zigouiller son mec dans le lac, chouette opportunité pour se glisser dans les bras de Michel, même si celui-ci est donc un assassin. Parallèlement à cette romance à haut risque, Franck discute avec Henri, un petit gros hétéro, qui vient sur la plage sans qu'on sache vraiment pourquoi, si ce n'est qu'on devine chez lui une immense solitude et des tendances dépressives.

De tout cela, Guiraudie fait une sorte de tragédie grecque, quéquettes à l'air. Unicité de lieu (la caméra ne quittera jamais les rives du lac), unicité de temps (même si le film se déroule sur plusieurs jours, la répétition mécanique des mêmes scènes rituelles d'arrivée ne fait de cette série qu'un long continuum), unicité d'action (puisque la vrai problématique du film est : Michel va-t-il tuer quelqu'un d'autre, et qui ?). Dans le rôle du choeur, on pourra ranger cet inspecteur à la fois burlesque et opiniâtre, qui trouve les mots justes pour désigner la terrible solitude de tous les protagonistes. Dans celui des faunes et des satyres, les hommes qui errent dans les bois du plaisir ne manquent pas de figures admirables, comme celui qui observe les autres en se masturbant, personnage presque comique, ou quelques anonymes réduits à leur statuts (statues ?) d'observateurs marmoréens. Dans le lac roderait une Chimère menaçante, silure colossal.

Je ne dévoilerai pas ici la fin de cet étonnant huis clos en plein air, exercice de style dont les intentions sont floues et la réalisation remarquable, si ce n'est pour révéler qu'elle est aussi prenante que le film le laisse espérer.

Une expérience hors du commun.

Tiré d'un roman à succès de Yasmina Khadra, l'argument de L'attentat est simple : un médecin arabe de nationalité israélienne apprend que sa femme chrétienne, qu'il croyait bien connaître, vient de commettre un attentat suicide.

Le film se décompose en deux parties assez clairement distinctes.

Dans la première, le héros apprend progressivement la vérité, puis est interrogé par la police. C'est la partie la plus faible du film, qui manque alors cruellement de rythme. Le réalisateur libanais Ziad Doueiri filme un peu à l'américaine (il fut assistant de Quentin Tarantino), mais sans rythme et sans souffle. Alors que le scénario est potentiellement explosif (si on peut dire), le film ennuie profondément.

Dans la deuxième partie, légèrement meilleure, le héros rend visite à sa famille à Naplouse, y découvre que sa femme est traitée en héroïne, et tente de remonter la piste jusqu'aux commanditaires de l'attentat. Cette partie intrigue parfois, mais ne captive jamais.

Au final, on reste perplexe devant le propos de ce film, qui n'apporte pas beaucoup d'éclairages politiques sur la situation, et semble plus ou moins renvoyer tous les protagonistes dos à dos. Au-delà de la politique, il est frappant de constater qu'on ne s'identifie jamais au personnage principal, et qu'au final on ne saura même pas ce qu'il a véritablement ressenti. Si le propos du réalisateur était de traiter de la désagrégation d'un couple, c'est raté.

L'attentat est un échec total en ce qui concerne la tension dramatique. Il obtient pourtant quelques bonnes critiques, comme si traiter d'Israel et de la Palestine avec distance justifiait d'emblée un succès d'estime. Sur un sujet voisin, Omar, film palestinien projeté cette année à Cannes dans la section Un Certain Regard est autrement plus puissant.

Une sorte d'hystérie collective s'est développée à Cannes autour d'un nouveau cinéma comique français dont les parangons seraient Tip top de Serge Bozon et La fille du 14 juillet d'Antonin Peretjatko. Cet engouement soudain s'est manifesté entre autre par le supplément Cannes du Monde et le numéro d'avril des Cahiers. De quoi s'agit-il ? Faire des comédies avec trois francs six sous (et pas d'euros, il y a d'ailleurs une pièce de 0 euro qui circule dans le film), être inventif avec peu de moyens, regarder plutôt vers le passé que vers l'avenir, et distiller de subtils messages en rapport avec l'actualité.

Si j'ai trouvé l'exercice absolument raté dans le cas de Tip top, je l'ai un peu plus apprécié dans le film de Peretjako.

Hector, gardien de musée, tombe amoureux de Truquette. Il descend dans le midi avec elle, son copain Pator, Charlotte (une amie de Truquette) et Bertier, qui lit un manuel de séduction en vue de conquérir Truquette. Le film est loin d'être parfait. D'abord techniquement : le manque de moyen se fait cruellement sentir, ce qui se traduit par des approximations désagréables (j'ai lu dans un article que certains champ / contrechamp avaient été réalisés à plusieurs mois d'intervalle). Ensuite le côté rétro est parfois pesant, il suffit de lire les références citées par la presse : Tati, Rozier, Iosseliani, un Godard drôle, Jean Yanne, Mocky, Dino Risi, Blake Edwards... tout cela est fort flatteur et en partie fondé, mais le film souffre de cette accumulation de références.

Ceci étant dit, Peretjatko s'en sort tout de même par des éclairs de génie drôles et/ou poétiques : l'introduction montrant les cérémonies du 14 juillet filmées en accéléré, l'idée d'avancer la rentrée d'un mois à cause de la crise, certains gags visuels. Le film propose une telle accumulation d'idées que certaines sont forcément bonnes. Il faut également noter un effort de construction beaucoup plus rigoureux que le style du film ne le laisse présager (histoires dans l'histoire, flash backs, etc..). Le personnage du faux médecin colérique, joué avec brio par Serge Trinquecoste, mérite presque à lui même le déplacement.

Au final, j'ai un peu de mal à avoir une opinion tranchée sur ce film, plongée anecdotique - mais pas désagréable - de hipsters contemporains dans la France profonde de la Nationale 7.

Comment résister au désir d'ajouter la Lituanie à la liste des pays ayant produit des films critiqués sur Christoblog ?

D'autant plus que le film de Kristina Buozyte arrive sur nos écrans précédé d'une réputation flatteuse : film de SF minimaliste, onirique et érotique, avec des références multiples, à David Lynch notamment. Et un Méliès d'Or, récompensant le meilleur fim européen de science-fiction.

L'idée du film ne paraît pas très originale (même si je suis incapable de citer un autre film traitant exactement du même sujet) : un jeune homme est capable de communiquer avec l'esprit d'une jeune femme dans le coma.

Le début de Vanishing waves est intéressant : après les premières approches kaleidoscopiques, la rencontre entre les esprits des deux protagonistes est assez réussi, et sensuel. J'aime les scènes de fantaisie pure comme celle de l'insecte bleu. Le décalage entre la vie réelle et ces rencontres spirituelles est très riche. La scène du repas (ci-dessus) constitue une sorte d'apogée du film, en mettant en scène les premières tensions entre les deux amoureux. Les premières apparitions du mari  de la jeune femme sont inquiétantes. On comprend que ce dernier est mort dans l'accident de voiture qui faillit tuer également sa femme.

Malheureusement, Vanishing waves s'essouffle ensuite notablement. Les scènes oniriques ressemblent de plus en plus à du Lynch, mais en beaucoup moins inspiré, et les péripéties médicales sont de moins en moins crédibles. Quant à l'issue de l'histoire, je la trouve convenue, même si le long plan sur les deux corps est assez beau.

Un essai méritoire, mais bien moins novateur que ce que sa flatteuse réputation peut laisser penser.