Christoblog

Pablo Larraín s'affirme de film en film comme un immense réalisateur.

Avec ce petit bijou, tourné en vitesse entre deux projets plus importants, il nous scotche littéralement à notre siège.

Le début du film est sidérant : quatre prêtres catholiques sont retirés dans une maison en bord de mer, gardés par une soeur.

Qu'ont-ils fait ? Sont-ils prisonniers, malades ou en retraite ? On est littéralement happé par les tronches des acteurs et la mise en place de l'histoire. La mise en scène est magistrale, la photographie somptueuse, avec ses nuances de surexposition blanchâtre et son aspect éteint. On sent en quelques plans à quel point Pablo Larrain est doué pour installer une ambiance et raconter une histoire, en réussissant une parfaite osmose entre le jeu de ses acteurs (remarquables), les images pleines de force, la musique suggestive (classique dépouillé ou jazz aérien) et la profondeur des sentiments en jeu.

Après un début captivant mené sur un rythme d'enfer, l'arrivée d'un nouveau père dans la petite communauté va changer la tonalité du film, qui devient alors plus instrospectif, puis plus baroque. La fin est totalement inattendue. 

Cette oeuvre dépouillée va chercher haut dans les cintres de la foi des turpitudes qui pourront choquer les spectateurs : il ne faut probablement en conseiller la vision qu'aux aventuriers cinéphiles amateurs de sensations fortes. Pour ceux-ci, la jouissance esthétique sera extrême.

Il arrive que le sujet d'un film soit plus intéressant que le film lui-même.

C'est exactement le cas des Suffragettes, dont l'intérêt principal est de nous éclairer sur ce mouvement féministe né dans les années 1910 en Angleterre.

Non pas que la réalisatrice Sarah Gavron démérite : sa mise en scène, assez sage, ne manque pas d'élégance. Les décors sont bluffants, bien meilleurs en tout cas que ceux des Anarchistes, qui se déroule approximativement à la même époque. On appréciera l'immersion dans la blanchisserie, dans les rues de Londres ou les logements insalubres. 

Carey Mulligan est particulièrement convaincante dans son rôle de timide déterminée, Helena Boham Carter est parfaite comme d'habitude. Meryl Streep ne fait qu'une apparition, mais celle-ci est très bonne.

Bref, pas grand-chose à reprocher au film, si ce n'est son caractère gentiment émollient, son académisme suranné. Il manque un souffle, un frisson, qui nous fassent vraiment plonger dans l'histoire. Les péripéties parfois un peu alambiquées qui tentent de dynamiser le récit (le faux suspense du policier qui se rend aux courses par exemple) ne parviennent pas faire décoller notre intérêt qui restera donc poli.

Premier film du jeune américain Rick Famuyiwa, Dope est un feel-good movie parfaitement surdosé en vitamine.

Malcom, fan de hip-hop des années 90, habitant le quartier chaud d'Inglewood (banlieue de LA), se retrouve en possession d'une grande quantité de drogue suite à un concours de circonstance délirant.

Suivent de multiples péripéties parmi lesquelles il faut noter : une bombasse qui vomit sur notre jeune héros, des coups de feu dans un fast-food, du traffic de drogue sous couvert de concours de chimie, un sens inné du business sur internet, le piratage de comptes en banque et bien entendu, une histoire d'amour contrariée.

Tout cela est mené tambour battant avec toute la fantaisie d'un premier film, les idées jaillissant de tous les plans, ou presque. L'overdose de références (l'ombre tutélaire de Spike Lee plane sur le film) guette le spectateur, mais pour peu qu'on accepte la surenchère de rebondissements improbables, on se laissera volontiers séduire par la gentille manipulation du réalisateur qui nous emmène dans son délire rafraichissant.

Formidable Shameik Moore, un jeune acteur promit à un grand avenir.

Difficile de savoir quoi penser de ce film, qui commence comme une chronique familiale orientale, se poursuit par un drame politique, tourne à la farce (Alexandre Astier qui joue le Chah d'Iran sur le mode Kaamelott) et se termine en hommage touchant à l'intégration.

Le film a des difficultés à trouver le ton juste sur la durée, mais il est vraiment très difficile de ne pas se laisser toucher à un moment ou à un autre par l'humanité des personnages, la justesse d'une scène ou le caractère édifiant d'une situation. 

On navigue donc des presque larmes (l'assassinat des amis) au presque rire (Chokri et sa manie du vol de vêtement) jusqu'à l'épilogue émouvant qui met en relation les images du film et les photos des personnes ayant inspiré chaque personnage. Ce qu'on pensait avoir été dessiné à trop gros traits (la fresque sur l'immeuble par exemple), s'avère alors tout à fait réel, et donne a posteriori au film un caractère fort respectable.

Touchant et amusant, à défaut d'être bouleversant.

15 novembre

Dernier jour à Arras. L'hôtel de ville est éclairé en bleu, blanc et rouge. Nous voyons d'abord Les suffragettes, agréable et didactique film qui évoque l'histoire ... des suffragettes. Intéressant historiquement, mais un peu académique à mon goût.

Dans ces jours de tristesse et de deuil, l'irrésistible vent de fraîcheur et de plaisir que fait passer La vie est belge, de Vincent Bal, fait un bien fou. Il s'agit d'une comédie musicale mettant en scène deux fanfares en concurrence, une wallone et une flamande. Le film va être distribué en France et tant mieux pour vous : c'est la garantie d'une soirée décalée et ébouriffante, un peu comme si Christophe Honoré avait tourné une comédie chantée avec Benoit Poelvoorde.

En ce qui concerne le Palmarès:

A l'année prochaine !

14 novembre

Ce matin, je me suis posé la question de retourner au Festival, avant de décider d'y aller : si nous sommes terrorisés par les terroristes, alors ces derniers ont gagné la partie. Je retourne donc à Arras, presque par principe, en signe de résistance. 

Virgin mountain (sortie le 26 mars 2016), film islandais en compétition, est une petite merveille de sensibilité et de délicatesse. C'est le portrait de Fusi, 43 ans et obèse, renfermé et peu adapté au monde moderne, qui tombe amoureux et s'ouvre progressivement à l'extérieur. Le film est en compétition et je le verrais bien remporter quelque chose.

The culpable est un film allemand qui tisse une belle intrigue autour d'un prêtre catholique pédophile. L'originalité du film, très solide et agréable, est de conter l'histoire à travers les états d'âme d'un ami du coupable. Longue discussion très intéressante après le film avec le réalisateur Gerd Schneider, qui fut lui-même prêtre.

Fin de journée en famille pour l'avant-première mondiale de Encore heureux, de Benoit Graffin (scénariste chez Pierre Salvadori ou Catherine Corsini), avec des acteurs en pleine forme : Sandrine Kiberlain, Edouard Baer et Bulle Ogier. La comédie a suffisamment de mauvais esprit pour être originale et de rythme pour être agréable. Benoit Graffin habite à une centaine de mètres de la rue de Charonne. Il n'est évidemment pas venu assister à ce moment pourtant si important de la vie de son film, et on le comprend. 

13 novembre

A 19h, l'ironie cruelle de la vie fait en sorte que j'assiste à la projection de Dough, comédie consensuelle mettant en scène l'amitié d'un vieux juif blanc et d'un jeune musulman noir. Nous discutons de tolérance entre religions avec le réalisateur John Golschmidt et le jeune acteur. 

Quelques minutes plus tard, les carnages parisiens vont commencer et se dérouler pendant que j'assiste à la projection d'un film en compétition, The red spider, du polonais Marcin Koszalka. Le film est formellement admirable, oprressant et très réussi. Il démontre la grande forme du cinéma polonais. 

C'est sur la route du retour à Lille que je découvre en écoutant la radio l'horreur de tout ce qui vient de se passer. Je ne peux faire autrement que regarder, hagard, les chaînes d'information continues jusqu'à deux heures du matin.

9 novembre

Béliers, prix Un certain regard à Cannes 2015, est mon deuxième coup de coeur du Festival. Le film de l'islandais Grimur Hakonarson est une épure merveilleusement filmée, dont aucun plan n'est superflu. Le film sort le 9 décembre et je le recommande très chaudement.

Le dernier film de la soirée, Les amitiés invisibles, de l'allemand Christoph Hochhausler, est d'une préciosité glacée qui m'a laissé complètement indifférent. J'avais vu le premier film de ce réalisateur il y a bien longtemps (Le bois lacté en 2003), qui m'avait fait cette même impression de prétention affectée. Si vous tenez vraiment à vous ennuyer, ce sera à partir du 18 novembre.

8 novembre

Ce matin, El cinco, de l'argentin Adrian Biniez (Ours d'argent à Berlin en 2009 avec Gigante), s'intéresse avec finesse à un sujet rarement traité au cinéma : la reconversion d'un joueur de foot, qui se rend compte qu'il ne sait rien faire. C'est doux-amer, peut-être un peu trop doux et pas assez amer, mais en tout cas plein de sensibilité.

Fin d'après-midi ratée : la projection au Casino du film de Guédigian, Une histoire de fou, est retardée pour un incident technique, et comme je travaille tôt demain matin, j'abandonne après trente minutes d'attente.

7 novembre

Ouverture du Festival avec un premier film de la suédoise Sanna Lenken, My skinny sister (sortie le 16 décembre). En partie autobiographique, le film traite avec talent et sensibilité de l'anoxérie. Le film est tourné du point de vue d'une enfant de 12 ans, un peu comme l'était Tomboy. Une réussite. J'enchaîne avec Chala, une enfance cubaine (sortie début 2016), un puissant mélodrame, énorme succès dans son pays, et qui ne se prive pas d'envoyer quelques piques au pouvoir cubain. Une chronique pleine d'une énergie débordante, mon premier gros coup de coeur.

La suite est d'un tout autre genre : Why me ? du roumain Tudor Giurgiu est un thriller politique rigoureux et éloquent, un peu sec dans son propos, mais édifiant sur l'état de déliquescence de la Roumanie au début des années 2000. Le film n'a pas de distributeur en France pour l'instant, comme d'ailleurs You're ugly too, de l'irlandais Mark Noonan. Un très joli premier film, très bien servi par ses acteurs, en particulier l'excellent Aidan Gillen, que les habitués de la série Game of thrones connaissent sous les traits de Petyr Baelish, alias Littlefinger.

Dernier film de cette journée dense avec le distrayant et enlevé A perfect day (sortie le 16 mars 2016) de l'espagnol Fernando León De Aranoa, qui est à l'humanitaire (dans les Balkans) ce que M.A.S.H. a été à la guerre (en Corée). En moins subservif, et en plus glamour. Benicio del Toro et Tim Robbins excellent dans leur rôle. Mélanie Thierry et Olga Kurylenko aussi.

Comment autant de bons ingrédients peuvent-ils se combiner pour faire un si mauvais film ? C'est la question que l'on se pose à la vision du dernier film d'Elie Wajeman.

Le sujet est pourtant intéressant, les acteurs pas si mauvais, les décors plutôt beaux (sûrement un peu trop), la photographie jolie (au point de paraître fade).

Tout ce qui constitue le film semble engoncé, désincarné, amidoné. La lumière bleue dans laquelle baignent les personnages sent la naphtaline, et la mise en scène ne parvient pas à insuffler de la vie dans cette histoire d'amour et de politique, dont on se contrefout au final.

Le scénario est particulièrement indigent, survolant les aspects historiques en enfilant les clichés du film d'infiltration (l'entrant qui se laisse contaminer par les idées du groupe qu'il infiltre, etc). L'intrigue alterne les absences, les poncifs et les platitudes. 

Adèle Exarchopoulos n'est pas très à son aise, mais ne pourra-t-on jamais plus la voir autrement que comme l'Adèle de Kechiche ? Tahar Rahim joue un peu plus finement que d'habitude, mais ce sont les seconds rôles qui brillent surtout : Guillaume Gouix, Karim Leklou et Swann Arlaud sont tous très bons.

Dommage, ils ne parviennent pas à sauver le film.

Le nouveau Bond représente le niveau zéro zéro de l'imagination.

Le scénario, pour commencer, est d'une platitude innommable : le dernier Mission Impossible  parait une mine infinie de nouveautés si on le compare au brouet de Spectre. Et je ne parle pas du feu d'artifice d'idées lancé par les artificiers de Kingsman en début d'année.

Chez Bond, le schéma est tellement éculé et désuet qu'il fait peine à regarder : le programme 00 est annulé et Bond est isolé (coucou MI6), il trouve un méchant, qui lui donne un indice pour trouver un méchant pire que lui. Bond le traque pour un combat final. Entre temps il tombe amoureux de la fille du premier méchant, qui est très gentille. C'est tout. Et c'est délayé pendant 2 longues heures et 30 interminables minutes.

Si la faiblesse du scénario est affligeante, les décors du film impressionnent par leur manque d'originalité : une Italie de pacotille (re-coucou MI6), une Autriche enneigée, un Mexique de carte postale (la meilleure séquence), et un Maroc dans lequel existe encore des trains dans lesquels des boys repassent des costumes. Mais dans quel siècle vivent les scénaristes ? Bond ne pourrait-il pas parfois se retrouver en banlieue, pour changer ?

Les scènes d'action ne présentent aucun signe de renouvellement : on est dans l'hyper traditionnel boum-boum-je te pousse à l'extérieur du train, du bâtiment ou de l'hélicoptère (la production a du avoir un prix de gros pour caser dans le film deux séquences du genre, une au début et une à la fin). 

Les gadgets sont pitoyables, les seconds rôles aussi. L'humour est pratiquement absent. Même Christoph Waltz n'arrive pas à paraître méchant, un comble ! 

Les deux scènes d'épilogue sont à pleurer. On a l'impression que la production, à court total d'idées, n'a rien su faire d'autre que filmer une voiture vintage, en mettant dedans une Léa Seydoux qui ne dépasse jamais dans le film le rôle de potiche consentante. 

Un naufrage.

Le Forum des images organise la 7e édition du festival Un Etat du monde… et du cinéma du 13 au 22 novembre. L'axe de la manifestation est de questionner l’état du monde par le cinéma de fiction.

Au menu, une programmation de près de 50 films et la présence d’une quarantaine d’invités qui confrontent leur point de vue, lors des projections et des rencontres.

Dans son décryptage de l’actualité internationale, la programmation de cette 7e édition déroule trois thématiques : « La Tunisie au féminin », « Cuba à l’heure de l’ouverture » et « L’homme face au climat ».

Parmi les films que vous pourrez y voir : les cannois de la sélection Un certain regard, Béliers de Grímur Hákonarson, An de Naomi Kawase, Taklub de Brillante Mendoza, mais aussi le dernier film de Pablo Larrain, El club, ou le magnifique film cubain Chala, une enfance cubaine, à ne manquer sous aucun prétexte.

Je suis heureux d'offrir à mes lecteurs parisiens 5 invitations pour deux personnes pour la projection du très beau Mountains May Depart de Jia Zhang-ke, le vendredi 20 novembre à 20h. C'est simple : les gagnants seront les cinq premiers à m'envoyer par ici le nom de leur film préféré de Jia Zhang-ke. Bonne chance.

Tous les détails sur le site du Forum des images.

Le fils de Saul, Grand Prix du dernier Festival de Cannes, est de cette étoffe dont on fait les Palmes d'Or.

Nul doute en effet que l'unanimité se serait aussitôt faite autour du film de Laszlo Nemes, s'il avait remporté la récompense suprême. 

Rappelons brièvement le sujet du film. Saul, Sonderkommando (c'est à dire déporté chargé de conduire les nouveaux arrivants vers les chambres à gaz), croit reconnaître son fils dans un cadavre d'enfant, et cherche à l'enterrer. On le suit pendant une journée et demi dans un camp d'extermination.

Sur cette trame franchement casse-gueule, le jeune hongrois réussit un chef-d'oeuvre, en évitant soigneusement tous les écueils possibles. Le film n'est ni voyeuriste, ni affecté, ni provocateur. Il réussit le prodige de réunir à peu près toutes les bénédictions des connaisseurs de la Shoah et des cinéphiles, à part bien sûr les Cahiers du cinéma, qui confirment leur statut de hater de la presse écrite, en comparant le film à l'émission de télé-réalité Vis ma vie.

Nemes utilise un procédé qui peut paraître artificiel lorsqu'on le décrit (la caméra reste perpétuellement attaché au personnage de Saul, et les horreurs entrevues en arrière-plan sont souvent floues), mais qui à la vision du film provoque un effet de sidération naturel et haletant, tout à fait hors du commun. Contrairement à ce qui est dit ici où là, cette façon d'être concentré sur le personnage principal n'évoque pas le jeu vidéo, dans lequel la profondeur de champ est forcément plus grande, mais plutôt une sorte d'asphyxie mentale, à laquelle seuls les derniers plans  permettront d'échapper.

L'impression qu'on a en découvrant le film est que Nemes a trouvé la seule façon acceptable de filmer son histoire.

D'un point de vue artistique, la performance est sidérante. La prestation de Géza Rohrig est inouïe, la complexité de construction des plans invraisemblable. Tout m'a semblé incroyablement parfait et novateur dans la conception du film, de l'utilisation du format carré à la bande-son d'une brutalité prodigieuse.

Les superlatifs se bousculent sur le clavier pour évoquer cet objet qui est autant une expérience de vie que du cinéma. Comme beaucoup d'autres j'imagine, je suis sorti de la salle hébété, abasourdi par le sentiment de précarité de la vie humaine que procure le film : on meurt évidemment pour (un) rien dans le film, et Saul ne s'en tire à chaque fois que par l'adéquation miraculeux de son comportement à des règles du jeu inhumaines. 

Le fils de Saul, c'est un voyage dans un train de l'horreur lancé à vive allure, une sorte de parcours initiatique dans les Cercles de l'enfer, dans lesquels brille, fragile et indestructible, une petite flamme d'humanité. C'est aussi et surtout un moment incroyable de cinéma, indépendamment, osons-le dire, du sujet qu'il traite.

On éprouve une jouissance intellectuelle immense à la vision de The lobster, dont l'argument de départ peut être résumé ainsi : "Tout célibataire est sommé de trouver une âme soeur en 45 jours, sous peine de se trouver transformé en animal de son choix".

Yorgos Lanthimos nous captive par un tour de passe-passe d'une habileté extrême. Il parvient, à partir d'une situation absurde, à tirer tous les développements logiques - et émotionnels - du postulat de départ.

Et non seulement il étire sa pelote de laine initiale, mais en plus il se permet de sortir brutalement du cadre au milieu du film pour nous projeter dans une autre logique, tout aussi absurde que la première, mais qui nous semble sur le moment absolument raisonnable.

La mise en scène est sobre, intelligente. La direction artistique (décors, musique, photo, accessoires) est parfaite. Les détails parsemés tout au long du film, par exemple les animaux en liberté, donne un vernis de réalisme poétique charmant à l'intrigue. La fable qui pourrait paraître grinçante et cruelle au début prend petit à petit par ce biais une véritable épaisseur psychologique qui culmine dans une dernière scène de toute beauté.

Un film admirable, dont le vrai sujet est le caractère inconséquent de l'amour : vous devez le trouver à tout prix, il vous échappe, vous devez l'éviter absolument, il vous envahit.

Quel autre cinéaste qu'Hirokazu Kore-Eda est aujourd'hui capable de filmer la beauté du monde ?

Depuis que Malick est parti en vrille dans sa trilogie émoliente, la réponse est claire : personne.

Alors évidemment, les aficionados de testostérone, les excités du bocal qui se pâment devant l'histoire d'une gentille fille amoureuse d'un salopard, ne verront pas l'immense beauté qui irrigue le dernier film de Kore-Eda.

Ils ne seront pas à sensible à la beauté zen de la mise en scène, au soin apporté à ces cadrages d'une extrême sensibilité. Maisons, trains, visages, mer : dans Notre petite soeur, chaque élément devient le personnage d'une grande symphonie panthéiste.

C'est un ravissement extrême qui nous saisit à la vision de ce tunnel d'arbres en fleur, de cette montée au cimetierre. Il y a un Japon éternel dans ces images, une délicatesse typiquement nippone dans la peinture des sentiments.

Le film tente avec succès de saisir le temps qui passe : saisons, funérailles, cérémonies du souvenir, petit autel pour les ancêtres. Sous une surface un peu sage circulent des forces telluriques : absence ou présence des parents, sentiment de culpabilité, justification d'être au monde, rapports hommes / femmes (tous décevants ou incomplets), maladie, alcool, fragilité humaine, solitude, mort, solidarité.

A chaque fois que Kore-Eda filme un visage, c'est un paysage qui se meut sous nos yeux. L'univers entier entre dans sa caméra, par le biais d'un simple verre d'alcool de prune - ou d'un pétale de fleur de cerisier. C'est magnifique.

Je vous propose aujourd'hui une rencontre avec la réalisatrice du très beau Red Rose (lire ma critique).

Red Rose a été en tourné en Grèce avec des acteurs iraniens : comment le casting s'est-il déroulé ?

A partir du moment où Javad Djavahery m'a proposé le projet, je savais que je ne pouvais pas tourner en Iran, mais mon souhait était de tourner avec des acteurs iraniens, en langue persane. Cela m'a pris beaucoup de temps pour trouver de bons acteurs iraniens, qui correspondaient aux personnages, qui vivaient à l'extérieur de l'Iran, et qui acceptaient de ne pas pouvoir y retourner après avoir tourné avec moi.

J'ai donc cherché parmi les acteurs de la diaspora, aux Etats-Unis et en Europe. J'ai d'abord trouvé Mina Kavani. Je l'avais croisé il y a quelques années en Iran, et puis je l'avais perdu de vue. On m'a dit qu'elle terminait le Conservatoire d'art dramatique à Paris. D'emblée elle m'a semblé correspondre au personnage.

Vassilis Koukalani est gréco-iranien. J'avais décidé de tourner à Athènes avant d'avoir mon personnage masculin. Quand je suis parti à Athènes en repérage, mon producteur grec nous a présenté, j'ai fait des tests avec Mina et Vassilis, et c'était probant.

Et puis il y a Shabnam Tolouei, qui joue l'amie d'Ali, qui est une grande comédienne iranienne que je connaissais avant, exilée à Paris depuis quelques années. L'agent immobilier et l'autre jeune femme, Mehri, sont de jeunes comédiens qui vivent à Paris. Javad Djavahery, qui est le co-scénariste du film, fait sa première apparition à l'écran dans le rôle de monsieur Amini.

Pourquoi avez-vous décidé de tourner à Athènes ?

Athènes me rappelle Téhéran : la proximité de la montagne, la lumière, l'anarchie architecturale, le chaos urbain. D'autre part, politiquement, cela me semblait cohérent de tourner en Grèce. La situation de la Grèce depuis quelques années fait que les Grecs pouvaient mieux comprendre certaines choses que je voulais exprimer dans le film, même si la situation de l'Iran et de la Grèce ne sont évidemment pas comparables.

Et c'était important pour moi car à part les comédiens, le reste de l'équipe du film est grecque, hormis quelques conseillers iraniens, qui ne sont d'ailleurs pas cités dans le générique pour des raisons de sécurité.

Les petits films tournés avec des téléphones portables sont glaçants : je pense notamment à l'un d'entre eux, où l'on voit un véhicule rouler sur un corps. Comment les avez vous trouvé ? 

On les trouve sur YouTube. Une des particularité du mouvement vert en 2009 en Iran, c'est que quand le régime a mis dehors en 48 heures tous les journalistes étrangers, il n'y avait plus personne pour couvrir les évènements. Les manifestants se sont donc mis à filmer, avec leur téléphones portables et à diffuser ces images sur les réseaux sociaux. 

Je suis rentré d'Iran une semaine avant les élections et j'étais donc à Paris au moment des élections, et comme beaucoup d'iraniens, relayer les infos était une façon pour moi de soutenir le mouvement. Même les grands média étrangers diffusaient ces images, parce qu'il n'y en avait pas d'autres.

A l'époque déjà, j'avais téléchargé plusieurs vidéos pour me constituer une archive perso, et quand j'ai décidé de faire le film, j'en avais donc déjà une partie. Et j'ai décidé de garder ces images brutes, malgré leur faible qualité technique, à cause de l'énergie qu'elles véhiculent.

Le moment auquel vous faites allusion a été filmé en décembre 2009 lors d'une des dernières grandes manifestations. Les forces de l'ordre étaient alors très violentes. C'était une journée noire.

La différence de technique entre les deux types d'image est au service de la narration...

Exactement, cela contribue à accentuer le contraste extérieur / intérieur et le fossé générationnel entre les deux personnages.

Le personnage d'Ali évolue tout au long du film, celui de Sara est plus stable : c'est une jeune femme qui sait ce qu'elle veut et qui n'a pas froid aux yeux. Vouliez-vous signifier que les hommes sont le passé de l'Iran et les femmes son avenir ?

Les jeunes femmes ont des velléités à réclamer les libertés qu'on leur a prises, peut-être plus encore que les hommes. En ce sens on peut dire que les jeunes de cette génération, qui n'ont jamais connu la guerre, ni même aucun autre mouvement de contestation, sont débridés et avides de liberté, peut-être plus particulièrement les femmes.

Au début du film, on a un doute sur les buts que poursuit réellement Sara. C'est volontaire ?

Oui. C'est inhérent à ce genre de contexte. Dans le climat de surveillance généralisé qui règne en Iran et plus particulièrement dans des moments insurrectionnels comme celui-là, tout peut arriver. Quand Ali ouvre sa porte à des inconnus, il peut avoir des inquiétudes. Il y a beaucoup d'histoires qui circulent en Iran sur des personnes qui auraient accueilli des manifestants et qui auraient été repérées ainsi.

Il y avait une volonté de ma part d'instiller le doute au départ. A-t-elle fait exprès de laisser son téléphone, oui ou non ? Probablement que oui, mais dans quel but ? Le spectateur avance avec ce doute pendant un certain temps. Mais les choses se clarifient ensuite. On voit que Sara est une véritable activiste et qu'il y a une vraie rencontre entre elle et Ali.

Le titre, Red rose, a-t-il une signification particulière ?

Le titre était là dès l'écriture du scénario. Il est inspiré de la fameuse vidéo de la manifestation du 17 juin 2009, qu'on voit dans le film, où Zahra Rahnavard (l'épouse de Mousavi) brandit une rose rouge. Il y a aussi un clin d'oeil... à l'espoir, et à un certain romantisme révolutionnaire.

Vous parlez de romantisme. Diriez vous que la rencontre des deux personnages est plus sensuelle que romantique ?

Oui et non. La relation d'Ali et Sara est multi facettes. Il y a un aspect plus physique par moment qui vient de Sara, personnage plus radical du fait de sa génération. Elle ne prend pas de gants, elle fonce. Dans d'autres moments, quand ils fument et écoutent de la musique, c'est presque romantique, un des rares moments du film où une illusion de bonheur plane encore.

Est-ce que la chanson qu'ils écoutent présente une particularité ?

"Do ta cheshme siyah dari"... Oui. C'est une chanson de Bijan Mofid, dramaturge et metteur en scène très connu en Iran, mort en exil. La chanson parle beaucoup aux iraniens de ma génération et de celle d'avant. 

Quels sont vos projets ?

Je viens de finir un documentaire que j'ai tourné en Grèce.

Je finis d'écrire une fiction qui se passe également en Grèce, et qui parle de "l'autre" et de combien cet "autre" peut nous ressembler. L'histoire d'une rencontre entre un jeune réfugié syrien qui fuit la guerre et une femme flic grecque qui se bat pour sa survie. Je vais le tourner en 2016.

Il y a aussi un projet de film d'animation sur la guerre Iran-Irak, écrit par Javad Djavahery, et puis un troisième : un western bien déjanté. Qui sera probablement le premier western iranien !

Merci à Sepideh Farsi pour sa disponibilité et sa gentillesse.

Réalisé en Grèce par une réalisatrice qui vit désormais à Paris, Red rose est un bijou comme seuls les cinéastes iraniens semblent pouvoir en proposer.

Le film raconte la rencontre fortuite à Téhéran d'un homme de cinquante ans et d'une jeune femme contestataire, qui manifeste durant les évènements de 2009.

Lui ne sort pratiquement plus de son appartement, elle se bat pour la liberté en twittant et en postant des vidéos des manifestations.

Red rose est conçu comme un huis clos (on pense bien sûr au film de Jafar Panahi Ceci n'est pas un film) et fonctionne parfaitement comme cela : le monde extérieur pénètre dans l'appartement d'Ali par le biais de multiples personnages, et ce dernier ne sortira pas indemne de cette aventure.

Sepideh Farsi construit son film habilement, en dirigeant avec finesse d'excellents acteurs iraniens et en proposant une progression psychologique très intéressante du personnage d'Ali. Elle enlace de façon remarquable les scènes tournées en studio et les petits films de téléphones portables (véritables !), récupérés sur Internet. 

Le tout donne à l'ambiance du film une tonalité à la fois crépusculaire et sensuelle. Une réussite.

Le premier film de Umut Dag (Une seconde femme) était remarquable pour sa densité et sa maîtrise. Le second est tout aussi convaincant au niveau de la mise en scène et de l'installation d'une ambiance, il l'est un peu moins au niveau du scénario.

Umut Dag excelle en effet à présenter son personnage. L'acteur Murathan Muslu est très charismatique, même si son jeu est un peu trop répétitif.

La façon dont la ville est filmée, les seconds rôles, la figure du jeune homme : tout concourt à donner au film les contours d'une belle chronique sociale. 

Ertan est malheureusement très prévisible dans sa première partie, et c'est un peu sa limite : il fonctionne comme un rouleau compresseur narratif en mode tragédie antique. C'est donc l'ennui qui guette le spectateur, alors que la fin du film est plutôt surprenante.

Le film, s'il ne convainc pas tout à fait, est tout de même remarquable par sa qualité de cinéma naturaliste de très haut niveau. On oublie pas de sitôt l'immersion dans une Vienne grise, glauque et interlope, que propose Umut Dag. Certainement un futur grand réalisateur.

Dans la veine réaliste anglaise, si féconde, il manquait un chaînon violent et noir, quelque chose qui soit plus brutal et désespéré que tout le reste. Catch me daddy, de Daniel Wolfe, est un prétendant idéal pour ce rôle.

Au début du film, on ne comprend pas trop ce qu'on voit : des hommes de main qui filent dans des directions qui nous échappent. Le scénario s'amuse à nous jouer des tours : naïveté des deux tourtereaux, suspense gentillet autour de la caravane, éclairs de violence insoutenables. C'est très déstabilisant.

Le film est sec, frigorifiant, parfaitement maîtrisé. En prenant le parti de montrer les relations ethniques (pakis contre anglais pure souche) à travers le prisme d'un thriller hyper-violent, Wolfe réussit un coup de maître, à la fois sur la forme (quelle belle utilisation des gros plans) que sur le fond (la violence renvoie les deux parties dos à dos).

La fin est glaçante, et frustrante pour certains, je peux le comprendre. Elle m'a ravi. 

Coup de poing au plexus mental.

Impossible, malgré les nombreux défauts que je peux trouver au film (des décors tape à l'oeil, des seconds rôles falots, des effets convenus), de dire que je ne l'ai pas aimé.

Je me suis laissé prendre par cette histoire, fort peu originale au demeurant, en me demandant constamment quelle allait être son évolution. Il faut dire que je m'attendais à un film d'horreur gothique, ce que le film n'est pas. Pour paraphraser l'héroïne, Crimson Peak est un film avec des fantômes, plutôt qu'un film sur les fantômes.

Si j'ai été aussi bon public, c'est par la grâce des deux actrices : une Mia Wasikowska craquante d'ingénuité amoureuse et une Jessica Chastain irrésistible en âme damnée (et avec des cheveux noirs). Dans cette tenaille impressionnante, Tom Hiddlestone parait bien faible et chétif : comme je suis de bonne humeur, je vais dire que c'est fait exprès.

Ajouter à ces ingrédients la mise en scène élégante de Guillermo del Toro, quelques visions horrifiques dont il a le secret, une photographie intéressante, et vous obtiendrez un bon film de samedi soir. 

Le cinéma de Michel Franco est très pénible à regarder.

C'était déjà le cas avec la jeune fille martyrisée de Después de Lucia, ça l'est ici avec le personnage de David, aide-soignant qui s'occupe des malades en fin de vie à leur domicile - et les aide parfois à mourir.

Difficile de ne pas penser à Amour, de Michael Haneke, tant Michel Franco, 36 ans, semble inscrire ses pas dans ceux de son illustre aîné autrichien : même capacité à regarder froidement les êtres humains se débattre dans leurs douleurs, même façon de jouer les démiurges en conduisant le film là où ils veulent bien le mener, et même aura de bienveillance auprès des ... jurys cannois !

Pour autant, le jeune mexicain est un ton en dessous de Haneke sur tous les domaines. Sa mise en scène est quelconque, son scénario bégaye et il finit son film de la pire des façons qui soient : par un fait divers. Sa direction d'acteur est également très pauvre, les personnages étant caricaturaux et très prévisibles.

Dans ce cinéma du systématisme et de la lourde démonstration, on cherchera en vain l'étincelle d'imagination qui le ferait échapper au ridicule.

A conseiller donc aux férus de cinéma de l'humiliation (tendance excréments et vomissements), qui ne souhaitent en aucun cas être surpris par le développement de l'intrigue.

Michel Franco fera bien mieux, un peu plus tard dans sa carrière, avec le très beau Memory, ou le déstabilisant Dreams.

Cette année Christoblog est de retour à l'Arras Film Festival avec beaucoup de plaisir, du 6 au 15 novembre. La particularité du Festival est sa programmation, un subtil mélange de cinéma très populaire et de films d'auteurs les plus exigeants, avec comme fil conducteur l'importance de la narration.

Au programme en 2015 :

- des invités d'honneur de qualité : le réalisateur irlandais Jim Sheridan, dont on pourra voir six films (dont My left foot et Au nom du père) et Michèle Mercier (avec la projection des trois premiers volets de la fameuse saga des Angélique)

- des avant-premières attendues : Les chevaliers blancs de Joachim Lafosse, Mia Madre de Nani Moretti, Taj Mahal de Nicolas Saada, Je suis un soldat de Laurent Larivière, Francofonia d'Alexandre Sokourov, et beaucoup d'autres.

- une compétition de films européens en provenance d'Estonie, d'Allemagne, de Finlande, de république Tchèque, de Turquie, de Pologne, de Bulgarie, d'Isalnde et de Suisse

- une très jolie sélection de films d'Europe de l'Est et du reste du monde, avec beaucoup de rattrapage cannois possibles : Béliers de l'islandais Grimur Hakonarson, qui a reçu le prix principal d'Un certain regard, A perfect day de Fernando Leon de Aranoa qui a fait le bonheur de la Quinzaine, le très beau Soleil de plomb de Dalibor Matabic que j'ai eu la chance de voir dans la salle Debussy, Nahid de Ida Panahandeh, et le sublime Mountains may depart de l'immense Jia Zhang-ke. 

L'intégralité du programme sur le site du festival.

Dieu sait si j'estime le réalisateur Kiyoshi Kurosawa, depuis que j'ai regardé un de ces films à ses côtés (Kaïro) et surtout depuis que j'ai découvert son chef d'oeuvre : Shokuzai.

Je suis donc un peu déçu quand le résultat n'est pas tout à fait à la hauteur du talent que je prête à ce cinéaste.

Le sujet dont traite Vers l'autre rive, c'est la façon dont vivent les morts.

Oui, dis comme ça, je mesure l'énormité de la chose, mais c'est pourtant exactement le sujet du film. Misuku est une jeune veuve. Un jour, alors qu'elle prépare un des plats préférés de son mari décédé,Yusuke, ce dernier revient. Il lui propose de partir en voyage et de lui faire découvrir un autre Japon : celui où il a vécu depuis qu'il est mort. Misuku rencontre des amis de Yusuke, dont certains sont comme lui, déjà morts, et d'autres vivants. Elle devine également la porte de l'au-delà.

Le film souffre de petits problèmes de rythme et certaines scènes soint moins convaincantes que les autres (je pense à la pénible disparition définitive d'un des morts dans la forêt), mais l'ensemble dégage une grâce surréelle caractéristique du cinéma de Kurosawa. La mise en scène, justement récompensée à Cannes 2015 dans la section Un certain regard) est virtuose et on n'oubliera pas de sitôt des épisodes dégageant une émotion extraordinaire, comme celui de la chambre fleurie.

Délicat, imparfait, mélancolique.

Kiyoshi Kurosawa sur Christoblog : Kairo (**) / Shokuzai (Celles qui voulaient se souvenir - Celles qui voulaient oublier) (****) / Real (**) 

Seul sur mars adopte le parti-pris d'un réalisme extrême, si tant est qu'on puisse parler de réalisme pour un voyage qui n'a jamais eu lieu, et n'aura pas lieu avant longtemps.

Sous cet angle, il faut reconnaître qu'il est parfaitement réussi : Ridley Scott évite les effets dramatiques inutiles, ainsi que les épanchements larmoyants.

Matt Damon est l'acteur parfait pour un exercice de neutralité de ce type : gendre idéal, charisme d'un caniche neurasthénique, personnalité d'une éponge, optimisme à toute épreuve, ingéniosité jamais prise en défaut. Ce genre de type qui, quand il pète un plomb face à l'imminence d'une mort prochaine, pousse la démesure jusqu'à ... frapper le toit de son véhicule avec son poing.

Le film est tellement poli, gentil, politiquement correct, qu'il en devient parfois ennuyeux, comme un devoir à la maison de Sciences physiques. Cela donne des tunnels de monologue dans un style très peu émotionnel, où il est question d'isotope, d'hydrogène, d'astro-dynamique et de vitesse d'approche.

Le film ne propose ni vision, ni débordement, ni vertige métaphysique. Et évidemment, il se termine dans un monde fraternel, dans lequel Chinois et Américains échangent des poignées de mains pleine de respect et de remerciement.