Christoblog

Le nouveau film de Lee Chang-Dong, cinéaste brillant et peu prolifique (son dernier film, le très beau Poetry, date de 2010), est à la fois délectable et insaisissable. 

Il commence comme une bleuette girl power : une rencontre fortuite, la jeune fille plutôt dégourdie drague un jeune homme timide. Elle couche tout de suite, a des préservatifs sous son lit et un chat qu'on ne verra jamais (mais qui existe probablement car il semble manger ses croquettes).  Elle part ensuite au Kenya avec un autre garçon très riche, et à son retour les trois jeunes gens sortent ensemble.

Lui dit brûler des serres en plastique, elle être tombé dans un puits quand elle était petite. On sent dès le début du film un vertige s'insinuer dans chaque plan : qui ment ? qui est qui ? est-ce que ce qu'on voit est bien la réalité ? Sans effet spécifique (et on reconnait bien là la patte de Murakami, auteur du texte dont le film est tiré), l'étrangeté s'installe dans chaque plan, en même temps qu'une sourde banalité.

Vers le mitan du film, un non-évènement chamboule l'équilibre précaire du trio, et Lee Chang-Dong se complait alors à nous égarer encore plus dans une sorte de vapeur confuse en multipliant les embryons de révélations et les fausses pistes. Il parvient avec beaucoup d'habileté à mêler poésie et politique (les rapports de classes constituent un thème en creux de la narration). Le film atteint alors un niveau de perfection qu'on voit rarement au cinéma et qui culmine dans deux scènes d'une beauté stupéfiante : la scène de danse au coucher du soleil sur Miles Davies et la scène finale (dont je ne dirai rien) incroyable de précision glacée.

Les trois acteurs sont magnifiques, et la mise en scène est exceptionnelle de fluidité. Le film a longtemps fait figure de favori à Cannes 2018... avant de repartir bredouille, comme cela arrive parfois. La Critique Internationale l'a cependant récompensé, concrétisant la considération dont Burning avait bénéficié de la part d'une grande majorité de festivaliers.

D'abord, ne boudons pas notre plaisir, le dernier opus de Spike Lee est drôle et profond à la fois.

Si la facture du film est très classique, il faut reconnaître que l'abattage de John David Washington et Adam Driver est impressionnant. On est à la fois amusé, consterné et emporté par cette histoire improbable de black qui infiltre le Ku Klux Klan.

Si tout n'est pas réussi dans le film (certaines ficelles s'apparentent à des cordes de bon diamètre), il faut reconnaître que le style rentre-dedans de Spike Lee continue de fonctionner, plus de trente ans après Nola Darling.

En choisissant de se foutre de la gueule du KKK plutôt que d'en montrer les horreurs, Spike Lee trouve un angle parfait : moquons nous de nos ennemis, le ridicule les tuera peut-être. 

Trump en prend pour son grade (bien fait) sans être jamais cité, et si les images d'archive qui ponctuent le film sont glaçantes, l'impression générale que génère le film est que les forces de progrès ont encore beaucoup de ressources.

C'est toujours avec une certaine émotion que l'on découvre le dernier opus de son réalisateur vivant préféré. Quand cela a lieu à Cannes, en compétition officielle, c'est encore plus fort, même si en l'occurence le créneau de diffusion n'a pas été optimal (dernier film projeté, alors que tout le monde est un peu fatigué...).

Le poirier sauvage réunit tous les attributs que j'aime chez Nuri Bilge Ceylan : une narration complexe et ample, une approche des personnages nuancée et une photographie sublime. On suit ici un jeune homme qui se rêve écrivain, mais qui doit composer avec la réalité (en vrac : un père criblé de dettes, des notables insensibles à son art, et plus globalement un monde extérieur qui ne l'attend pas, lui et son génie).

C'est, comme toujours chez Ceylan, lent et brillant. Les conversations peuvent s'éterniser pendant de longues périodes (avec cette fois-ci une innovation, c'est le débat ambulatoire), les scènes s'étirer dans une lumière mordorée teintée de nostalgie et de sensualité (la magnifique séquence avec l'ex-amoureuse), et même, ce qui est nouveau chez Ceylan, s'étioler dans une demi-teinte onirique.

Contrairement aux précédents films qui privilégiaient l'instant présent, l'ambition du réalisateur se projette cette fois-ci dans le temps, et on suit l'odyssée de notre jeune écrivain sur quelques années. Cela donne au film une tonalité différente des autres films de Ceylan.

Bien que bourré de qualités, il manque peut-être à ce dernier opus un évènement marquant, un coup de tonnerre qui suscite l'admiration ou la sidération. Si le film est très bon, il lui manque cette petite étincelle d'absurdité tragique qui rendait Il était une fois en Anatolie inoubliable, ou ce vernis d'auto-dérision cynique qui fascinait dans Winter sleep.

Nuri Bilge Ceylan sur Christoblog : Uzak - 2002 (****) / Les trois singes - 2008 (***) / Il était une fois en Anatolie - 2011 (****) / Winter sleep - 2013 (****)

Passé relativement inaperçu en France à sa sortie en juin 2018, ce film allemand est intéressant à plus d'un titre.

D'un point de vue de l'histoire du cinéma, il a d'abord le mérite de remettre en lumière la destinée tragique de Romy Schneider, dont les jeunes générations ne mesurent certainement pas aujourd'hui la puissance du sex-appeal.

L'actrice Marie Baumer fournit une prestation absolument extraordinaire. Elle incarne avec une véracité proprement incroyable son personnage : c'est bien simple, elle semble être plus Romy que Romy elle-même.

3 jours à Quiberon est également intéressant de par son dispositif : un quasi huis-clos entre un journaliste, un photographe, l'actrice et une de ses amies, pendant 3 jours. Les relations entre les quatre personnages évoluent, s'enrichissent et se complètent. 

Le noir et blanc vaporeux, les cigarettes que les personnages allument sans cesse, l'aspect délicieusement vintage des costumes et des meubles : tout concourt à nous faire plonger dans une torpeur cotonneuse et agréable, à peine troublée par le caractère résolument tragique de la dépression que traverse alors l'actrice.

Un des intérêts des longs voyages en avion, c'est de voir ou revoir des classiques qu'on ne penserait pas forcément visionner dans son salon.

Revoir Le dîner de cons cet été sur la route de St Denis de la Réunion a entraîné chez moi plusieurs types de réactions.

D'abord la surprise. Le film est moins drôle que dans mon souvenir (on ne rit franchement que lors de quelques rares séquences, dont la mémorable scène du producteur belge). Il est aussi corseté à l'extrême : les personnages sont perpétuellement à la limite de la caricature, la mise en scène est très théâtrale, les dialogues sont ciselés au mot près, la photographie et la mise en scène sont un peu datées et très formelles. L'impression générale que donne le film c'est d'être en présence d'un travail d'orfèvre, que ce soit au niveau du scénario, des dialogues ou de la mise en scène.

L'autre grande réflexion que m'a inspirée cette vision à 10000 mètres d'altitude et sur un écran de qualité très médiocre, c'est que la prestation de Jacques Villeret est exceptionnelle et place l'acteur au Panthéon des acteurs tragico-comiques. Son optimisme radical, son empathie instinctive, l'extrême mobilité de son visage, sa faculté à susciter à la fois l'intérêt et l'amusement : ce François Pignon cannibalise l'écran jusqu'à une tirade ultime et magnifique, qui rend justice à la complexité du personnage qu'il a composé jusque là. A côté de Villeret les autres acteurs semblent simplets, caricaturaux ou un peu factices.

C'est probablement le grand mérite du film de retourner son propos avec adresse : bien qu'indubitablement idiot, Pignon est bien le personnage le plus aimable du film et celui auquel chaque spectateur finira par accorder sa plus profonde sympathie. 

Je fais partie des rares spectateurs n'ayant pas adhéré au premier film de David Robert Mitchell, It follows, qui m'avait paru approximatif et actionné par de bien trop grosses ficelles.

Je ne suis donc pas surpris de retrouver dans sa nouvelle production des défauts similaires, amplifiés par les moyens considérables dont a bénéficié Mitchell.

Under the silver lake est  un exercice de style formellement intéressant (mais loin d'être brillant), dont l'évolution narrative n'est absolument pas maîtrisée. Si les premières minutes sont intrigantes et laisse présager de développements qu'on espère délicatement lynchiens, il faut malheureusement assez rapidement déchanter. Loin de Mulholland Drive, Under the silver lake dérive progressivement vers une succession de scènes dont la joliesse ne parvient pas à masquer la vacuité.

On lit ici où là que le film est ultra-référencé (pop culture, mythologie géographique de Los Angeles, films classiques hollywoodiens), mais la plupart des allusions me sont largement passées au-dessus de la tête. Ce à quoi j'ai le plus pensé pendant le film, c'est à l'opacité volontairement entretenue des romans de Dashiell Hammett, dépourvue de la noirceur que ce dernier savait donner à ses atmosphères.

Mitchell essaye de renouveler l'esprit d'une époque (les années 50) en actualisant ses thèmes (le complotisme, la culture hipster) mais en utilisant son formalisme (la musique symphonique, les couleurs pétantes). Le résultat est superficiel et le film finit par s'écrouler sous le poids de son ambition, voire de sa prétention.

David Robert Mitchell sur Christoblog : It follows - 2015 (**)

On peut compter sur l'Islande pour fournir régulièrement des films intéressants, dans des tonalités souvent très différentes.

Woman at war perpétue cette tradition. On ne sait pas trop comment cataloguer ce film hors norme : comédie romantique pour femme d'âge mûr visant l'adoption, agit prop écologique, survival extrême, manifeste poétique hipster, thriller psychologique. Le film est tout ceci à la fois, en réussissant à convaincre dans chaque registre. Le réalisateur semble pouvoir tout se permettre, par exemple installer un drôle d'orchestre dans plusieurs scènes, qui joue la musique extradiégétique du film, et que les personnages ne voient donc pas.

L'actrice Halldora Geirhardsdottir porte le film sur ses épaules, avec un jeu typiquement islandais qui mélange détermination pince-sans-rire et abattage physique. Le film n'est pas renversant, mais il est frais et drôle.

L'Islande sur Christoblog : Béliers, Sparrows, et d'autres...

A l'occasion de sa sortie, je vous propose de gagner 2 exemplaires du DVD du nouveau film de Claus Drexel, America. 

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : "De quelle nationalité est le réalisateur Claus Drexel ? "

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 24 août 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite le DVD envoyé directement par le distributeur.

NB : un des deux DVD sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).

Il y a dans le nouveau film de Matteo Garrone quelque chose de modeste et de doux, qui contraste avec ses films précédents.  Les exubérances baroques et opératiques de Tale of tales et Reality sont bien loin.

Garrone resserre ici son scénario (et sa mise en scène) sur le portrait de Marcello, dont l'humilité appelle l'humilité. C'est peu dire que Marcello Fonte offre une prestation incroyable : il est le personnage plus qu'il n'est possible, et son attitude à la fois contrite et épanouie lors des remises des prix à Cannes le confirme (il y a glané sans discussion possible le prix d'interprétation masculine).

Dogman est un hymne à la bonté bafouée, à la fois limpide et beau. En faisant avancer son intrigue pas à pas vers une confrontation que certains trouveront simpliste (bonté et naïveté vs brutalité et efficacité), Garrone atteint une sorte de plénitude digne de la mythologie grecque : le personnage de Marcello est un archétype de la bonté qui ne pourra se remettre de sa victoire involontaire.

Le décors trouvé par Garrone est parfait, le casting est excellent et la mise en scène est virtuose sans être tape-à-l'oeil. Je conseille donc vivement.

Matteo Garrone sur Christoblog : Gomorra - 2008 (**) / Reality - 2012 (**) / Tale of tales - 2015 (***)

Le nouveau film de Ziad Doueiri marie une efficacité toute américaine (montage cut, rythme soutenu, scénario retors) à un sens oriental de la subtilité scénaristique.

L'insulte raconte comment un incident mineur (un homme en insulte un autre lors d'une altercation banale) dégénère progressivement. Il a ceci d'intéressant qu'il mêle dans sa chronique de la catastrophe annoncée des explications politiques, sociologiques, historiques mais aussi très trivialement humaines (pour simplifier, l'orgueil masculin mal placé). 

C'est vraiment très habilement fait, car notre jugement évolue au fil des minutes (un peu comme chez Farhadi), et les différents rebondissements, s'ils sont parfois un peu gros, sont somme toute très efficaces. On ne s'ennuie pas une seule seconde, et on est vraiment curieux de voir comment ce conflit qui parait insoluble, va pouvoir se terminer. La résolution proposée par le scénariste-réalisateur est particulièrement intéressante, et donne lieu à une fort jolie scène.

Les acteurs sont formidables et l'utilisation des décors naturels splendide. A défaut d'être une oeuvre cinématographique d'importance, L'insulte est un excellent exemple de cinéma intelligent et distrayant. Je le conseille.

A l'occasion de sa sortie, je vous propose de gagner 2 exemplaires du magnifique coffret Le dernier face à face, de Sergio Sollima, qui regroupe DVD, Bluray et livre. L'occasion pour vous de découvrir ce chef-d'oeuvre du western spaghetti.

Pour ce faire :

- répondez à la question suivante : " En quelle année le film est il sorti en salle ? "

- joignez votre adresse postale

- envoyez moi le tout par ici

avant le 29 juillet 20 h.

Un tirage au sort départagera les gagnants.

Vous recevrez ensuite le coffret envoyé directement par le distributeur.

NB : un des deux coffret sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).

Quelques bonnes choses et beaucoup de remplissage référencé dans ce deuxième long-métrage de Yann Gonzalez.

L'esthétique du film est volontairement cheap (décors approximatifs, jeu des acteurs pas toujours juste, dialogues artificiels, caméra filmant à la va-comme-je-te-pousse), dans l'esprit des films pornos homos qu'on voit tournés à l'écran. 

Si vous n'êtes pas rebuté par cet aspect queer et carton-pâte, il y a une chance que vous trouviez un intérêt à cette histoire de tueur en série qui assassine ces victimes au godemichet tranchant. Le film est finalement bien construit et la révélation finale de la raison des assassinats est assez plaisante. 

Il manque toutefois un degré de maîtrise au film (ou un grain de folie supplémentaire, c'est selon) pour déclencher une franche adhésion. Vanessa Paradis doit jouer une grande palette d'émotions, qui semblent excéder ses compétences : c'est aussi une des limites de ce film, qui emprunte au giallo son esprit, sans en en posséder la démesure baroque. 

Si vous êtes lecteur assidu de Christoblog, vous savez que je suis un grand fan de Wang Bing, et de ses projets qui dépassent les bornes habituelles du documentaire.

Le nouvel opus du génial chinois parait être un court-métrage (1h26), au regard de son film présenté au dernier Festival de Cannes, Les âmes mortes, qui dure... 8h26.

Ici, Wang Bing va à l'essentiel : quelques plans très courts sur une femme qui semble perdue (elle est victime d'une forme de la maladie d'Alzheimer), puis on passe très rapidement à cette même femme, dont le corps ne semble plus le même, en train de mourir parmi les siens. 

La caméra s'attarde donc longuement sur cet être humain qui n'est pas conscient d'être filmé, ce qui peut générer chez le spectateur un sentiment très perturbant de culpabilité. On regarde ce corps littéralement disparaître, mourir, alors que la famille tente de subsister autour du lit de mort, va pêcher des poissons (scènes de nuit d'une beauté vaporeuse), boit de l'alcool, ne fait rien, regarde ailleurs. 

C'est à la fois brillant, profond, et déstabilisant. C'est la mort en face dans un océan de trivialité, le sublime qui semble naître d'un mouvement incontrôlé de la mourante, un éclair d'humanité qui surgit quand un mouvement des yeux semble moins erratique que les autres. 

Wang Bing, comme d'habitude, nous bouscule et nous brusque, respectueux sans être empathique. C'est du grand art.

Mal fagoté, tourné n'importe comment, énervant. Oui, on peut dire tout ça de ce film imparfait bourré de défauts : les acteurs jouent parfois un peu faux, le montage est souvent chaotique et certaines scènes s'étendent sans nécessité.

Mais, pour peu qu'on se laisse bercer par le flow des donzelles, l'ensemble devient vite séduisant. L'aspect novateur du film, l'approche décomplexée des sujets évoqués, l'incroyable énergie qui se dégage des personnages féminins, la crudité du vocabulaire, la frontalité des situations : tous ces éléments contribuent à faire du film d'Antoine Desrosières un objet filmé non identifié, se situant quelque part entre le cinéma de Kéchiche, Divines et les films de Sophie Letourneur.

Ce qui m'a le plus intrigué et plu dans A genoux les gars, c'est sa dialectique zarbi servie par une logorrhée qui semble irréfragable. Bien sûr les situations exposées ne répondent à aucune logique rationnelle, mais elle finissent par obéir à une certaine rationalité issues des ressorts labyrinthiques d'un discours qu'on pourrait dire écrit par un Marivaux des banlieues. 

Le film est enfin (et surtout ?) un formidable manifeste féministe, où si l'on veut la chronique d'une émancipation sentimentale et sexuelle. 

Ce n'est pas très propre, et diablement plaisant.

Bon, allez, on ne va pas tourner autour du pot : c'est un Almodovar pur jus, tourné en roue libre par Pedro.

Voilà. Donc, vous savez déjà ce que vous allez y trouver avant de le voir : du sexe, de la violence, des histoires de famille, une réflexion sur le corps, des décors toujours choisis avec un goût à la fois kitsch et très sûr, des acteurs et actrices plutôt très bons et entièrement dévoués au maestro, la musique pseudo classique de Iglesias, une chanson culte, un scénario alambiqué avec retour dans le passé, de discrets mais élégants mouvements de caméra, un sens du cadre absolu, des coups de feu, une confusion des genres, etc...

L'émotion manque parfois, les péripéties sont un peu trop prévisibles (tout en étant complètement improbables, c'est la curiosité du film) et certaines scènes semblent tournées par un assistant peu inspiré, mais ça reste tout de même au global du bel ouvrage. 

Il est bien rare qu'un film apporte en même temps des plaisirs esthétiques, intellectuels et émotionnels, tout en restant léger et digeste.

C'est pourtant l'exploit que réussit le dernier film de John Cameron Mitchell, qui commence comme un tableau speed de la jeunesse punk des années 80 façon Dany Boyle, avant de se transformer en un délire psychédélique coloré et sucré.

Mitchell parvient avec une grâce incroyable à varier les tons, les rythmes et les ambiances avec un égal talent. Sous son apparente légèreté, How to talk to girls at parties aborde finalement avec un angle nouveau un sujet profond et universel : qu'est-ce que l'amour ? Le film est une sorte de comédie romantique acidulée, qui parvient à éviter la mièvrerie et tous les chausse-trappes inhérents au genre. Ce prodige est dû en particulier à la prestation mutine de Elle Fanning, qui s'affirme ici comme une vraie, grande actrice. Elle semble guidée dans cette émancipation par Nicole Kidman, méconnaissable en Cruella rock'n roll.

Le film n'est pas seulement beau et drôle, il est aussi piquant : pratiques sexuelles (ô combien) hors normes, punchlines décapantes, moqueries diverses. On sourit, on réfléchit, on est intrigués et émus. De la belle ouvrage.

Un jeune instituteur danois arrive dans un village perdu du Groënland. Va-t-il réussir à s'intégrer, alors qu'il reproduit inconsciemment des schémas néo-colonialistes ? Va-t-il rapidement craquer devant le nombre impressionnant de difficultés (les enfants incontrôlables, les difficultés climatiques, la barrière de la langue) ?

Samuel Collardey, adepte d'un mélange savant et indistinct de fiction et de réalité, va répondre à ses questions en prenant son temps, d'une façon élégante bien que sans surprise. 

Le film ne présente donc aucune originalité particulière dans le développement de son intrigue (il faut s'intéresser aux gens pour s'intégrer !), mais il vaut surtout pour son aspect documentaire. Les paysages sont d'une beauté à couper le souffle, pourvu qu'on ne soit pas réfractaire à une esthétique proche des "Découvertes du monde", et la plongée immersive dans la micro-société d'un minuscule village isolé de tout est vertigineuse.

A réserver donc aux amoureux des grands espaces.

Samuel Collardey sur Christoblog : Comme un lion - 2013 (*) / Tempête - 2016 (***)

Et voici les réponses (si vous avez des idées pour enrichir ce jeu, n'hésitez pas à me le communiquer par le formulaire Contact ou en laissant un commentaire ci-dessous) : 

Il est certes un peu surfait, voire provocateur, de dire que le talent permet de transformer les pires contraintes en opportunités de création. Et pourtant c'est exactement ce que m'inspire le dernier film de Jafar Panahi.

Rappelons que le cinéaste iranien, interdit de tournage dans son pays, doit perpétuellement trouver de nouvelles ruses pour confectionner ses films en toute clandestinité. Cela l'oblige évidemment à une grande économie moyen : tournage dans des lieux improbables (son appartement dans Ceci n'est pas un film, l'intérieur d'un taxi dans Taxi Téhéran), nombre de prises limitées, direction artistique réduite au minimum.

Les limitations de tous ordres oblige Panahi à être particulièrement imaginatif en matière de scénario et celui de Trois visages est génial : une actrice célèbre reçoit la vidéo d'une adolescente voulant devenir comédienne, et qui se suicide parce que l'actrice n'a pas répondu à un mail d'appel à l'aide.

Bien entendu, l'actrice célèbre est rongée par la culpabilité et part à la recherche de la jeune fille, accompagnée de Jafar Panahi, jouant son propre rôle. S'en suit un road movie jouissif au tempo lent, durant lequel la rationalité froide et un peu distante de Panahi se confronte à des situations burlesques et profondes, dans le cadre champêtre de la campagne iranienne. La grand-mère qui teste sa tombe, le frère colérique, le taureau reproducteur qui fait une chute, les règles de klaxons sont autant de scènes qui font mouche dans ce brûlot placide et pince sans-rire.

Si les ressorts narratifs de ce conte moderne s'essoufflent un poil dans la deuxième partie du film, l'ensemble est suffisamment brillant pour dire que Trois visages mérite son Prix du Festival au Festival de Cannes 2018.

Jafar Panahi sur Christoblog : Taxi Téhéran - 2015 (****) / Ceci n'est pas un film - 2011 (***)